Anton Kaestner - #123 - M - " Lava #2 ".

Yksittäiskappale, Anton Kaestnerin alkuperäinen maalaus, suoraan ateljeesta.
#123 - M - " Lava #2 ".

Spray-maalit akryylimaalia 3 mm pleksilasille (UV-suojattu).
Avoimia taiteessa oranssin printin läpinäkyvyydet.
Tämä taulu ei ole printti. Se on alkuperäinen "monikerroksinen" teos, jonka kiiltävä, resin-sovellusta muistuttava lopputulos on ainutlaatuinen.

Mitat: tuumaa 17,3 * 12,6 * 0,12 / 44 * 32 * 0,3 cm ilman kehyksiä.

Tämä taulu toimitetaan ilman kehyksiä.
Laatuhyvä Nielsen-brändin saksalainen alumiinikehys, viite 34 Musta mattapinta (tuumaa 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) suositellaan ja saatavilla toimituksen yhteydessä lisämaksulla 90€ sis. alv.

Teos on signeerattu takana.
Mukana on aitoustodistus.
Toimitukseen sisältyy vakuutus.

Anton Kaestner on sveitsiläinen, Pariisiin perustunut taiteilija, kuvanveistäjä ja kirjailija. Hänen teoksiaan on esillä kaikkialla Euroopassa, Sveitsissä ja Dubaissa. Lisätietoja ja valikoimaa osoitteessa www.antonkaestner.com.

Seuraava yksityisnäyttely - Geneve, tammikuu 2027.

Biografia

Syntynyt Genevessä, Sveitsissä, kasvoin kotimaani luonnonkauneuden ja kulttuurisen rikkauden ympäröimänä. Luovuutta arvostettiin perheessä, ja edesmenneen isoisäni, käsityöläisen ja taiteilijan, vaikutus kylvötti siemenet sille, mitä lopulta tulisi elämäni intohimoksi.
Vuonna 1993 aloitin maalaamisen yksityisesti, kokeilin lukuisia akryyleja A4- ja sitten A3-kirjanlehteihin – olen aina kokenut, että suuret kuvat hyökkäävät suoraan päälle, dominoivasti ja uhkaavasti, kun taas pienet teokset voivat herättää paljon rakkautta. Aluksi minusta kiinnittyi ei-representatiiviseen maalaamiseen ja abstraktiin ekspressionismiin.
Ajan myötä, ja vaikka pidän itseäni ateistina, kehityin myös henkisistä materiaaleista pitämällä, koska ne resonoivat tutkimukseni ihmisolemisesta sekä luonnon ja elämän syvemmistä totuuksista.

Kuitenkin todellisen taiteilijaksi tulemisen polku ei ollut välitön.

Yli kolmen vuosikymmenen ajan obtin sain kansainvälisen liiketoiminnan uran, joka vei minut ympäri maailmaa, Yhdysvalloista Marokkoon, Belgiaan, Aasian ja Ranskaan. Matkani laajensi näkemystäni ja altistutti minut monille kulttuurivaikutteille. Minne vain menin, upposin paikallisiin taide-elinympäristöihin ja annoin tilaa kullekin paikkakunnalle luovalle energialle.
Liiketoimintani painopisteestä huolimatta taide on ollut aina osa minua, hiljaisesti kytemässä pinnan alla. Lähes 30 vuotta maalaaminen muodostui minulle eräänlaiseksi salaiseksi meditaatioksi – keino vapautua maailmasta ja keskittyä sisäiseen itseeni.

Olen aina kokenut valtavaa tyytyväisyyttä maalaamisesta. Jokainen uusi teos on matka, jossa voin testata luovuuttani, tutkia uusia tekniikoita ja elää aidon kokemuksen kautta. Taiteeni kautta olen aina toivonut tarjota muille vilpittömän kohtaamisen kauneuden kanssa, mahdollisuuden nähdä maailma eri näkökulmasta ja reflektoida heidän omia elämäänsä.

Vuonna 2023, liiketoimintaurani jäätyä taakse, keskityin täysin maalaamiseen. Perustin ateljeeni Pariisissa ja aloin omistautua kokonaan taiteelleni. Vuoden 2024 lopulla loin julkisen taiteellisen urani, ja yllätyksekseni teokseni saivat nopeasti tunnustuksen ja päätyivät yksityiskokoelmiin ympäri Eurooppaa, erityisesti Saksassa, Portugalissa, Belgiassa, Italiassa ja Alankomaissa.

Vuoden 2025 lopussa muutuin isompaan ateljeeseen tyhjässä sacristyssä Lisieuxissa, Normandiassa.

Taiteellinen CV

Ensimmäinen yksittäisnäyttelyni, "Échos", järjestettiin Pariisissa loppuvuodesta 2024 ja esitteli taiteelle ominaisen lähestymistavan, joka poikkesi perinteisistä maalaus tekniikoista: Maalaan akryyleillä, metallipigmenteillä ja suihkutuksilla kierrätetyn, ulostetun plexiglasin (Perpex) taakse – kevyt, sileä, kiiltävä ja joskus hauras pinta. Tämä prosessi estää minua näkemästä teosta sen kehittyessä. Minulla ei ole visuaalista palautetta tai kontrollia prosessin aikana – jotakin, mitä toivotan. Sallin “satunnaisia kokeiluja” – kaikki käy – ohjatakseni lopputulosta, kerroksia ja peilejä, joita luon, ja jätän tilaa ilmentymälle ja löytämiselle, kun teos lopulta altistuu. Mutta olkoon selvä: kuvissani sattuma ei tee päätöksiä; pahimmillaan sattuma esittää kysymyksiä; merkittäviä “sattumia” on mahdollista vain suurella kurinalaisuudella. Tämä lähestymistapa, joka resonoi valokuvauksen ilmaisunpaljastuksen/fiksauksen kanssa, on haastavaa ja vapauttavaa. Maalauksen komposition arvoa rikastuttavat kerrokset ja läpinäkyvyydet, mutta jokaiselle teokselle annetaan “ascetinen” laatu: olen onnellinen, kun tunnistan “korvaamattomia välttämättömyyksiä”, ts. mitä todennäköisesti löydämme, kun pysähdymme hiljaisuuteen ja valoon.

Pidän lähestymistapaani tarkoituksella yksinkertaisena. Ei “tunteita” eikä “teoreettista käsitystä”, vaan olemassaolon kokemus. Ei “nopeaa kulutusta” eikä “älyllistämistä/älyllinen omistus”, vaan tietoisuuden laajentaminen ja todellisuuden, sen näkyvien ja näkymättömien tarinoiden tutkiminen; taiteeni on haku “elämä elämän ytimessä”, jota Alain Damasio kutsuu “le vifiksi”. Vaikka nostalgia on ollut osa työtäni, maalaukseni ovat ei-objektiivisia. Kuten kaikki esineet, ne ovat itsessään esineitä. Siksi niillä ei ole sisältöä, eikä merkitystä eikä järkeä; ne ovat kuin asiat, puut, eläimet, ihmiset tai päivät, joilla ei ole tarkoitusta, eikä päämäärää. Vaikka teokseni saattavat ajoittain muistuttaa lasimaalausten läpinäkyvyyttä ja loistoa, ne ovat melkein kokonaan abstrahoituja. Lisäksi pleksiglas antaa maalaukselle kimaltavan ihon, josta voi nähdä oman siluettinsa, joka on jokaiselle uudelle katsojalle erilainen. Jokainen teos toimii kuin hienovarainen peili: se elää, se muuttuu, se näkee. Valon, värin ja tekstuurin leikki sekä puuttuvien osien vaikutus vaativat vain empatiaa. Toivottavasti läheltä katsottuna yksityiskohdat ja kokonaisuus – “yksityiskohta pienelle katselulle” on täysikokoinen kuva – rohkaisevat katsojia aloittamaan oman sisäisen tutkimusmatkansa.

En väitä löytäväni kaikkia vastauksia ja haluan pysyä nöyränä siitä, mitä voidaan saavuttaa. Yksinkertaisesti koen tyytyväisyyttä jatkuvassa kysymisessä ja kasvussa. Jokainen uusi luomus on kohtaaminen omien rajoituksieni kanssa, pakottaen minut hioimaan taitojani ja tutkimaan pidemmälle, mihin pystyn. Maalaaminen on minulle päivittäinen taito, tutkimus, keino synnyttää merkityksellisiä keskusteluja, keino löytää maali niin täydellinen, ettei se tarvitse meitä. Epämuodollisen aikakausi on vasta alkanut.

Kuten Jean Bazaine sanoisi: "Päivittäinen harjoitus moninkertaistaa näkemisen intoa."

Käytännön johdonmukaisuudesta

Nykytaiteen maisemassa, jossa käsite ja muoto ovat yhtä tärkeitä, etsin teoksia, jotka määrittyvät ei näkyvyydestä vaan olemassaolosta. Maalaukseni – kiiltävät väri- ja valon kentät pleksilasissa – ovat pitkän ja harkitun tutkimuksen hiljaisia tuloksia. Minulle todellinen kohde on vähemmän lopullinen kuva kuin ajatuksen ja prosessin hiljainen vuorovaikutus, jonka kautta se nousee.

Tämä käytäntö perustuu kolmeen yhteen sopivaan tarkoitukseen.

Ensimmäinen on vetäytyminen pakotetusta merkityksestä. Kuvaamalla teokset “ilman esinettä” ja tuntemalla “ei sisältöä, ei merkitystä, ei järkeä”, toivon keventäväni narratiivin odotuksen keveyttä. Se on kutsu astua pois tulkitsemisesta kohti suorempaa katsomisen tapaa.

Tämä johtaa toiseen tarkoitukseen: Elävä kokemuksen primaarisuus. Siihen avautuvaan tilaan yritän sijoittaa sellaisen asian kuin ”olemassaolon kokemus”. Teos muuttuu välineestä, jota tulkitaan, hiljaiseksi tapahtumaksi, jota tuntee – muovautuvien valojen, läpikuultavien kerrosten ja katsojan oman katseen heijastuksen kautta. Kuten usein huomautan, teos “elää, muuttuu, näkee.”

Kolmas on siellä, missä idea kohtaa käden: Prosessi ruumiillistuneena ajatuksena. Maalaaminen pleksilasin takapinnalle, ilman visuaalista palautetta, on fyysinen harjoitus päästää irti. Se on tietoista kontrollin vapauttamista luomisen hetkessä. Asetan olosuhteet, mutta luovun lopputuloksesta ja annan maalauksen tulla sellaisena kuin kutsun sen itsensä objektiksi, täysin paljastuen vasta kun se on valmis. Se on hiljainen rinnakkaiselo valokuvaukselliseen kehittämiseen – kärsivällinen odotus siitä, mitä saavumme tässä ja nyt.

Nämä tarkoitukset kantavat mukanaan muutamia lempeitä paradokseja, jotka ylläpitävät työtä:

Sattuma ja kurinalaisuus
Puhun merkityksellisistä “yhteensattumista”, mutta ne ovat mahdollisia vain huolellisten rajojen sisällä. Sattuma on tervetullut vieras, mutta rakenne rakennetaan huolella.

Viestintä ilman sanomaa
Toivon voivani "välittää jotakin" teosten kautta, joita kutsun merkityksettömiksi. Ehkä jaettu ei ole lausuma, vaan tila – valoisten tekstuurien, hiljaisen läsnäolon, ilmeisen vakauden.

Kohdassa nykyhetken nostalgiaa
Teoksessa on lempeää nostalgiaa, mutta se on kummallisen päin nykyaikaa: kaipuuta “korvaamattomiin välttämättömyyksiin”, joita löytyy hiljaisuudesta ja valosta – puhdasta läsnäoloa, jonka teos itsessään hiljaisesti tarjoaa.

Vaivannäkö ja vaivattomuus
Prosessi vaatii tasapainoista huomiota, mutta tavoittelee lopputulosta, joka tuntuu itsenäiseltä, ikään kuin se “olisi kehittynyt omasta vakaumuksesta.” Kaipaan sitä, mikä tuntuu täysin väistämättömältä.
Tässä hengessä olen tullut tuntemaan, että “epämuodollisen aikakausi on vasta alkanut.” Minun käytäntöni on velkaa Art Informel -henkisyydelle, vaikka ehkä vähemmällä kärsimyksellä ja enemmän rauhallisuudella – epämuodollisuutta, jossa sattuma ei ole katko, vaan hiljainen yhteistyökumppani.

Tämän ytimessä on haku le vifistä – elävän ydin. Työ kallistuu kohti suoraa kokemusta ennemmin kuin älykästä martialia. Pienestä mittasuhteesta, jonka usein valitsen, tavoitteena on intiimiys, ei spektaakkelia.
Lopulta tämän on vain yhden taiteilijan polku. Biografiani, prosessini ja pohdintani eivät ole erillisiä säikeitä, vaan osa yhtä pyrkimystä. Olen todennut, että hiljaisen paradoksin juurruttama käytäntö ei tarvitse olla haurasta. Kurinalaisuuden ja selkeyden kautta sellaiset jännitteet voivat, uskon, muodostua vastustuskyvyksi.

Anton Kaestner