Anton Kaestner - #123 - M - " Lava #2 ".

Uniikki teos, Anton Kaestnerin alkuperäinen maalaus, suoraan työpajasta.
#123 - M - " Lava #2 ".

Spray-akryyliä 3 mm plexiglas-levylle (UV-suojattu).
Oranssilla printillä läpinäkyvyydet.
Tämä taulu ei ole printti. Kyseessä on alkuperäinen "monikerroksinen" teos, jonka kiiltävä lopputulos, laajentuvan resin-tyylin näköinen, on ainutlaatuinen.

Koko: 17,3 tuumaa x 12,6 tuumaa x 0,12 tuumaa / 44 x 32 x 0,3 cm ilman kehystä.

Tämä taulu toimitetaan ilman kehyksiä.
Saksalaisen Nielsen-merkintä, laadukas alumiinikehys, viite 34 Musta kiiltämätön (tuumaa 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm) suositellaan ja on saatavilla toimituksen yhteydessä lisämaksusta 90 € sis. ALV.

Teos on signeerattu takapuolelle.
Käydään mukana todistus aitoudesta.
Toimitus on vakuutettu.

Anton Kaestner on sveitsiläinen taiteilija, kuvanveistäjä ja kirjailija, joka asuu Pariisissa. Hänen teoksiaan on esillä ympäri Eurooppaa, Sveitsissä ja Dubaissa. Lisätietoja ja valikoima www.antonkaestner.com.

Seuraava yksityisnäyttely - Geneve tammikuu 2027.

Biografia

Syntynyt Genevessä, Sveitsissä, kasvoin kotiseutuni luonnonkauneuden ja kulttuurin rikkauden keskellä. Luovuus oli arvostettua perheessäni, ja kuollut isoisäni, käsityöläinen ja taiteilija, vaikutti siihen, että elämäni intohimo sai alkunsa.
Vuonna 1993 aloitin yksityistä maalausta ja kokeilin lukemattomia acrylvärejä A4- ja sitten A3- muistikirjoissa – minusta on aina tuntunut, että suuret kuvat iskevät suoraan päin, hallitsevat ja ovat pelottavia, kun taas pienet teokset voivat herättää paljon enemmän rakkautta. Aluksi minua veti kohti ei-figuratiivista maalausta ja abstraktia expressionismia.
Ajan myötä, ja vaikka pidän itseäni ateistina, kehityin myös henkisten materiaalien ystäväksi, sillä ne resonoivat ihmisen olemassaolon tutkimuksen ja luonnon sekä elämän syvempien totuuksien kanssa.

Kuitenkin polku todelliseksi taiteilijaksi ei ollut välitön.

Kolmen vuosikymmenen ajan tavoittelin kansainvälistä liike-elämän uraa, joka vei minut ympäri maailmaa: Yhdysvalloista Marokkoon, Belgiaan, Aasiassa ja Ranskaan. Matkani avartoi näkökulmaani ja altisti minut laajalle kulttuurivaikutteiden kirjoille. Minne tahansa menin, uppouduin paikalliseen taide-elämään ja annoin tilaa kunkin paikan luovalle energiolle.
Vaikka keskityinkin liike-elämään, taide oli aina osa minua, hiljalleen kytevänä pinnan alla. Melkein 30 vuotta maalaaminen oli minulle eräänlainen sala meditation muoto – keino paeta maailmasta ja keskittyä omaan sisäiseen olemukseeni.

Olen aina saanut suurta tyytyväisyyttä maalaamisesta. Jokainen uusi teos on matka, jolla voin testata luovuuttani, tutkia uusia tekniikoita ja kokea aitoa elämää. Taiteeni kautta olen aina toivonut tarjota muille vilpittömän kohtaamisen kauneuden kanssa, mahdollisuuden nähdä maailma eri kannalta ja pohtia omaa elämäänsä.

Vuonna 2023, liiketoiminta-urani jäätyä taakse, sitoudu täysin maalaamiseen. Perustin työpajani Pariisissa ja keskityin kokonaan taiteeseeni. Vuoden 2024 loppuun mennessä julkinen taideurani käynnistyi, ja yllätyksekseni teokseni saivat nopeasti tunnustusta, päätyen yksityiskokoelmiin ympäri Eurooppaa, erityisesti Saksassa, Portugalissa, Belgiassa, Italiassa ja Hollannissa.

Loppuvuodesta 2025 muutoin isompaan studioon vanhan olinpaikan tiloihin Lisieuxissä, Normandian alueella.

Taiteellinen CV

Ensimmäinen yksityisnäyttelyni, "Échos", pidetty Pariisissa loppuvuodesta 2024, esitteli taiteen omaperäisen lähestymistavan, joka poikkesi perinteisistä maalaustekniikoista: maalaan akryyleillä, metallipigmenteillä ja spreytillä kierrätetyn pursotetun plexiglassin (Perpex) takareunaan – kevyt, sileä, kiiltävä ja joskus hauras pinta. Tämä prosessi estää minua näkemästä teosta sen kehittyessä. Minulla ei ole visuaalista palautetta tai kontrollia prosessin aikana – jotakin, mitä toivotan. Sallitsemani satunnaiset kokeet – kaikkeen sallittu – ohjaavat lopputulosta, kerroksia ja peiliefektejä, joita luon, ja jättää tilaa-ilmestyminen ja löytö, kun teos lopulta altistetaan. Mutta olkoon rehellisiä: kuvissani sattuma ei päätä asioita; viime kädessä sattuma esittää kysymyksiä; merkityksellisiä “yhtymäkohtia” on vain suurin kurinalaisuus. Tämä lähestymistapa, joka heijastaa valokuvauksen paljastus-/kehitysvaihetta, on haastavaa ja vapaata. Tekniikan koostumuksen arvot rikastuvat kerroksilla ja läpinäkyvyydellä, mutta antavat jokaiselle teokselle askeettisen laadukkaan: olen onnellinen, kun tunnistan “vaarattomat välttämättömyydet”, eli mitä todennäköisesti löydämme, kun pysähdymme hiljaisuuteen ja valoon.

Pidän lähestymistapaani tarkoituksella yksinkertaisena. Ei “tunteita” eikä “teoreettista käsitteistöä”, vaan olemisen kokemus. Ei “nopeaa kulutusta” eikä “älyllistä omistamista”, vaan tietoisuuden laajentamista ja todellisuuden tutkimista, sen nähtävien ja näkymättömien tarinoiden kautta; taiteeni on matka kohti ”elämää elämän ytimessä”, kuten Alain Damasio kutsuu sitä “eläväksi”. Vaikka nostalgia on aina ollut osa työani, maalaukseni ovat kohteettomia. Kuten kaikki esineet, ne ovat itsensä esineitä. Niinpä niillä ei ole sisältöä, merkitystä tai tarkoitusta; ne ovat kuin asiat, puut, eläimet, ihmiset tai päivät, joilla ei myöskään ole olemassaolonsa syytä, päämäärää tai tavoitetta. Vaikka työtäni saattaa joskus muistuttaa täyden lasin läpinävyydestä ja kirkkaudesta, se on käytännössä lähes täysin abstraktia. Lisäksi plexiglas antaa maalaukselle hohtelevan ihon, jonka läpi näkee omat ääriviivat, jokaisella uudella katsojalla erityinen. Jokainen teos toimii eräänlaisena huomaamattomana peilinä: se elää, se muuttuu, se näkee. Valon, värin ja rakenteen sekä puuttuvien osien vuorovaikutus vaatii vain empatiaa. Toivottavasti yksityiskohtien – “lähietäisyydeltä”-jakson ja kaukavuon – leikki rohkaisee katsojia lähtemään omille sisäisille tutkimusmatkoilleen.

En väitä omistavani kaikkia vastauksia ja haluan pysyä nöyränä siitä, mitä voidaan saavuttaa. Yhteenvetona löydän tyydytystä jatkuvasta kysymisen ja kasvun prosessista. Jokainen uusi luomus on kohtaaminen omien rajojeni kanssa, pakottaen minua hienosäätämään taitojani ja tutkimaan, mitä pystyn saavuttamaan. Maalaaminen on minulle päivittäinen käsityö, tutkimus, tapa synnyttää merkityksellisiä keskusteluja, matka kohti maalia, joka on niin täydellinen, ettei sillä ole tarvetta meihin. Epämuodollisuuden aikakausi on vasta alullaan.

Kuten Jean Bazaine sanoisi: "Päivittäinen harjoitus moninkertaistaa näkemisen intoa."

Koherentti myötäkäynti käytännössä

Nykytaiteen maisemassa, jossa käsite ja muoto ovat yhtä tärkeitä, pyrin luomaan teoksia, joita määrittelee ei niukkuus, vaan läsnäolo. Maalaukseni – kiiltävät värin ja valon kentät plexiglassin sisällä – ovat pitkällisen, harkitsevan tutkimuksen hiljaisia tuloksia. Minulle todellinen fokuksen ei ole lopullinen kuva vaan ajatuksen ja prosessin hiljainen vuorovaikutus, joka mahdollistaa sen syntymisen.

Tämä käytäntö pohjautuu kolmeen linjattuun aikomukseen.

Ensimmäinen on vetäytyminen määrätyn merkityksen ulkopuolelle. Kuvaamalla teokset “ei-objekteina” ja niillä, joilla on “ei sisältöä, ei merkitystä, ei tarkoitusta”, toivon kevyesti löysääväni narratiivisen odotuksen. Se on kutsu astua pois dekoodaamisesta ja kohti suoraviivaisempaa katsojan kokemusta.

Tämä johtaa toiseen aikomukseen: elävän kokemuksen primaarisuus. Tähän avattuun tilaan yritän lisätä sen, mitä pidän “olemisen kokemuksena”. Teos muuttuu vähemmän tulkittavaksi objektiksi ja enemmän hiljaiseksi tapahtumaksi, jota koetaan – muovin valo, läpinäkyvät kerrokset ja katsojan oman katseen kohtaamisen himmeä heijastus. Kuten usein huomaan, teos “elää, se muuttuu, se näkee.”

Kolmas on kohta, jossa idea kohtaa käden: prosessi kudottuna ajatteluksi kehoon. Plexiglasin takapuolelle maalaaminen, ilman visuaalista palautetta, on fyysinen käytäntö luopumaan hallinnasta. Se on tietoista päästämistä irti teon hetkellä. Asetan olosuhteet, mutta luovun lopputuloksesta, antaen maalauksen tulla sellaiseksi, kuin kutsun itsensä objektiksi – täysin paljastuvaksi vasta kun se on valmis. Se on hiljainen rinnastus valokuvaukselliseen kehitykseen – kärsivällinen odotus siitä, mitä saapuu täällä ja nyt.

Näiden aikomusten vahvalla ylläpidolla on muutamia lempeitä paradokseja, jotka ylläpitävät työtä:

Satunnaisuus ja kurinalaisuus
Kerron merkityksellisistä ”yhtymähetkistä”, mutta ne ovat mahdollisia vain huolellisten rajojen puitteissa. Satunnaisuus on tervetullut vieras, mutta rakenne rakennetaan huolellisesti.

Viestinnästä ilman viestiä
Toivon voivani “kommunikoida jotain” teosten kautta, joita kutsun merkityksettömiksi. Ehkä jaettu ei ole lausuma, vaan tila – valon tekstuuri, hiljainen olemassaolo, havaittava rauhallisuus.

Ajan henki presentille
Taiteessa on mietitty nostalgia, mutta se kohdistuu oudosti nykyhetkeen: kaipaus “vähimmillään oleviin välttämättömyyksiin” hiljaisuudessa ja valossa – puhtaan läsnäolon toive, jonka teos itsessään hiljaisesti tarjoaa.

>Täytyö ja vaivattomuus

Prosessi vaatii jatkuvaa huomiota, mutta tavoittelee tulosta, joka tuntuu omalta, ikään kuin se olisi kehittynyt itsestään. Silloin tällöin tunnen vetoa siihen, mikä tuntuu täysin väistämättömältä.

Tässä hengessä olen tullut tuntemaan, että “epäsovinnaisuuden aika on vasta alussa.” Työskentelyni on velkaa Art Informel -henkelle, ehkä vähemmällä tuskalla ja enemmän rauhallisuudella – epämuodollisuudessa, jossa sattuma ei ole romahdus, vaan hiljainen yhteistyökumppani.

Sen ytimessä on etsintä elinaisesta ytimestä, le vifistä. Työ kallistuu kohti suoraa kokemusta enemmän kuin älyllistämistä. Nöyrä koko, jota usein valitsen, on tarkoitettu edistämään intiimiyttä, ei spektakkeleitä.

Kaiken kaikkiaan tämä on vain yhden taiteilijan polku. Elämäkerta, prosessi ja pohdintani eivät ole erillisiä lankoja, vaan osa yhtä tavoitetta. Olen havainnut, että hiljaisiin paradokseihin nojaava käytäntö ei tarvitse olla hauras. Kurinalaisuuden ja selkeyden kautta tällaiset jännitteet voivat, uskon, olla resilientisyyden lähde.

Anton Kaestner