Anton Kaestner - #480 - M - " Punta del Este #1 ".

Yksittäiskappale, Anton Kaestnerin alkuperäinen maalaus, suoraan työpajasta.
#480 - M - "Punta del Este #1".

Spray-akryyliä plexiglaslevylle 3 mm (UV-suojattu).
Tämä maalaus ei ole tuloste. Kyseessä on alkuperäinen "monikerroksinen" teos, jonka kiiltävä, lasin kaltaisen lopputulos on ainutlaatuinen verrattuna festoonin päälle levitetyn hartsin kaltaiseen lopputulokseen.

Mittasuhteet: tuuma 17,3 * 12,6 * 0,12 / cm 44 * 32 * 0,3 ilman kehystä.

Tämä maalaus toimitetaan ilman kehystä.
Laatukehys saksalaisen Nielsen-merkiltä alumiinista, viite 34 520, valkoinen tammipuu viilu (tuuma 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) suosittu ja saatavilla toimituksen yhteydessä lisämaksusta 90€ sis. ALV.

Teos on signeerattu takana.
Mukana aitoustodistus.
Toimitus on vakuutettu.

Anton Kaestner on sveitsiläinen taiteilija, kuvanveistäjä ja kirjailija, joka asuu Pariisissa. Hänen teoksiaan on esillä ympäri Eurooppaa, Sveitsissä ja Dubaissa. Lisätietoja ja valikoima osoitteessa www.antonkaestner.com.

Seuraava yksityisnäyttely - Geneve tammikuu 2027.

Biografia

Synnyin Genevessä, Sveitsissä. Kasvoin luonnonkauniin kotiseutuni ympäröimänä ja kulttuurisesti rikkaassa ympäristössä. Luovuus oli perheessä arvostettua, ja suurimmaksi vaikuttajaksi itselleni muotoutui myöhäinen isoisäni, käsityöläinen ja taiteilija, jonka vaikutus kylväsi siemenet sille, mikä tulisi myöhemmin elämäni intohimoksi.
Vuonna 1993 aloitin yksityisesti maalaamisen, kokeilin lukemattomia akryyleja A4- ja myöhemmin A3-kirjoitusvihkoissa — olen aina kokenut, että suuret kuvat iskevät päin kasvoja, dominoivat ja uhkaavat, kun taas pienemmät teokset voivat inspiroida paljon enemmän rakkautta. Aluksi kiinnostuin ei-figuratiivisesta maalaamisesta ja abstraktista ekspressionismista.
Ajan myötä, vaikka kuvailen itseäni ateistiksi, kehitin myönteisen suhteen henkisiin materiaaleihin, koska ne resonoivat ihmisen olemassaolon ja luonnon sekä elämän syvempien totuuksien kanssa.

Kuitenkin tien päästä todella taiteilijaksi ei ollut välitöntä.

Kolmen vuosikymmenen ajan loin kansainvälistä liiketoimintaa, kiertäen ympäri maailmaa, Yhdysvalloista Marokkoon, Belgiaan, Aasiaan ja Ranskaan. Matkat laajensivat näkemystäni ja altistivat minua erilaisille kulttuurivaikutteille. Minne minsä menin, uppouduin paikalliseen taide-elämään ja annoin tilaa kullekin paikkakunnalle luovan energian.
Yrityksen keskittymisen ohella taide on aina ollut osa minua, hiljaisesti kytemeillä pinnan alla. Lähes 30 vuotta maalaaminen oli minulle salainen meditaatiomuoto — keino vapautua maailmasta ja keskittyä sisäiseen minään.

Olen aina pitänyt maalaamisesta suurta tyydytystä. Jokainen uusi teos on matka, jossa voin testata luovuuttani, tutkia uusia tekniikoita ja kokea aitoja kokemuksia. Taiteeni kautta olen aina toivonut tarjoavani muille vilpittömän kohtaamisen kauneuden kanssa, mahdollisuuden nähdä maailma uudesta näkökulmasta ja pohtia omaa elämäänsä.

Vuonna 2023, eläkkeelle jäätyäni liiketoiminnasta, sitoudu täysin maalaamiseen. Perustin ateljeeni Pariisiin ja omistin kaiken taiteelleni. Vuoden 2024 loppuun mennessä julkinen taiteilija-urani oli alkanut, ja yllätyksekseni työni sai nopeasti tunnustusta ja löysi paikkansa yksityiskokoelmissa ympäri Euroopan, erityisesti Saksassa, Portugalissa, Belgiassa, Italiassa ja Hollannissa.

Vuoden 2025 lopussa muutaman liikunta-tilan kehittämiseksi siirryin isompaan ateljeeseen Laiisin sacristyyn, Normandiaan.

Taiteellinen CV

Ensimmäinen yksinäyttelyni, "Échos", järjestettiin Pariisissa vuoden 2024 lopulla ja esitteli eräänlaisen lähestymistavan taiteeseen, joka poikkeaa perinteisistä maalaustekniikoista: maalaan akryyleillä, metallipigmenteillä ja suihkauksilla kierrätetyn extrudo-plexiglasin (Perpexin) takapinnalle, kevyellä, sileällä, kiiltävällä ja joskus hauraalla pinnalla. Tämä prosessi estää näkemästä teosta ennen kuin se kehittyy. Minulla ei ole visuaalista palautetta tai kontrollia prosessin aikana — sitä olen toivonut. Sallin “satunnaiset kokeilut” — kaikkea hyväksytään, jotta järki voi järkyttyä! — ohjaamaan lopputulosta, kerroksia ja peilipintojen luomaa vaikutusta sekä jättämään tilaa ilmestymiselle ja löytämiselle, kun teos lopulta altistetaan. Mutta olkaamme selkeitä: kuvissani sattuma ei päätä asioita; korkeintaan sattuma kysyy kysymyksiä; merkittäviä “yhtäläisyyksiä” on mahdollista vain suurilla kurinalaisuuksilla. Tämä valossa, joka resonoi valokuvauksen paljastus-/fetisointiprosessin kanssa, on haastavaa ja vapauttavaa. Kokoelman arvoa syventävät kerrokset ja läpinävyydet, jotka antavat teokselle uutta “vaatimatonta” luonnetta: olen tyytyväinen, kun tunnistan “korjaamattomat välttämättömyydet”, ts. mitä todennäköisesti löydämme hiljaisuuden ja valon pysähtyessä.

Pidän lähestymistapaani tarkoituksella yksinkertaisena. Ei “tunteita” eikä “teoreettista käsitettä”, vaan olemassaolon kokemus. Ei “nopeaa kulutusta” eikä “älyllistämistä / älyllistä omistusta”, vaan tietoisuuden laajentamista ja todellisuuden tutkimista, sen näkyviä ja näkymättömiä tarinoita, taiteeni on etsimys “elämä elämän ytimessä”, mitä Alain Damasio kutsuu “le vif:iksi”. Vaikka nostalgia on ollut osa työtäni, maalaukseni liikkuvat ilman esinettä. Kuten kaikki esineet, ne ovat esineitä itselleen. Siksi niillä ei ole sisältöä, merkitystä eikä tarkoitusta; ne ovat kuin asiat, puut, eläimet, ihmiset tai päivät, joilla ei myöskään ole olemassaolon syytä, päämäärää tai tarkoitusta. Vaikka työni joskus voi herättää lasimaalausten läpinäkyvyyden ja kirkkautta, se on käytännössä lähes täysin abstraktia. Lisäksi plexiglas antaa maalausna“kimaltavan ihon”, jonka kautta voi nähdä oman siluettinsa, jokaiselle uudelle katsojalle erilaisen. Jokainen teos toimii kuin hienovarainen peili: se elää, se muuttuu, se näkee. Valon, värin ja tekstuurin sekä puuttuvien osien vuorovaikutus vaatii vain empatiaa. Toivon, että tarinan vuorottelu “yksityiskohtia läheltä” - yksityiskohta on täysin uusi kuva - ja “etäisyys kokonaisuuteen” rohkaisee katsojia aloittamaan oman sisäisen tutkimusmatkansa.

En väitä omaavani vastauksia kaikille kysymyksille ja haluan pysyä nöyränä siitä, mitä voidaan saavuttaa. Yksinkertaisesti koen tyydytystä jatkuvassa kysymys- ja kasvuprosessissa. Jokainen uusi luomus on kohtaaminen rajojeni kanssa, pakottaen kehittämään taitojani ja tutkimaan edelleen, mitä voin saavuttaa. Maalaaminen on minulle päivittäinen käsityö, tutkimus, tapa innostaa merkityksellisiä keskusteluja, taiteen etsiminen niin täydellistä maalia, ettei edes meillä ole siihen tarvetta. Epävirallinen aikakausi on vasta alussa.

Kuten Jean Bazaine sanoisi: “Päivittäinen käytäntö moninkertaistaa halun nähdä.”

Osana johdonmukaisuuttani

Nykytaiteen maisemassa, jossa käsite ja muoto ovat samanarvoisia, pyrin luomaan teoksia, jotka määrittyvät ei niinkään näkyvyydestä vaan läsnäolosta. Maalaamani teokset — helisevät väri- ja valon kentät plexiglasin sisällä — ovat hiljaisia tuloksia pitkän ja määrätietoisen tutkimuksen seurauksena. Minulle todellinen keskittyminen ei ole niinkään lopullinen kuva kuin ajatuksen ja prosessin lempeä vuorovaikutus, joka sallii sen syntyä.

Tämä käytäntö perustuu kolmeen yhtenevään intentionaalisuuteen.

Ensimmäinen on Vetäytyminen määräävän merkityksen ulkopuolelle. Kuvaamalla teokset “ilman esinettä” ja sanomalla, että niillä on “ei sisältöä, ei merkitystä, ei järkeä”, toivon kevyesti löysääväni narratiivisen odotuksen. Se on kutsu astua dekodingin ulkopuolelle ja siirtyä suorempaan katseeseen.

Tämä johtaa toiseen intentionaalisuuteen: Eläytetyn kokemuksen primaarisuus. Tämän avoimen tilan sisään yritän asettaa sen, mitä pidän “olemisen kokemuksena”. Teos muuttuu vähemmän tulkittavaksi esineeksi ja enemmän hiljaiseksi tapahtumaksi, jota tuntee—muuttuvalla valolla, läpinäkyvillä kerroksilla ja katsojan oman katseensa heijastuksella. Kuten usein huomaan, teos “elää, se muuttuu, se näkee.”

Kolmannessa kohdassa idea kohtaa käden: Prosessi konkretisoituna ajatteluna. Plexiglasin takapäälle maalaaminen, ilman visuaalista palautetta, on fyysinen käytäntö päästää irti. Se on tietoisen kontrollin luopumista luomisen hetkellä. Asetan olosuhteet, mutta syleilen lopputulosta; annan teoksen tulla sellaiseksi kuin mitä kutsun itsensä riippumattomaksi “object of itself”, täysin paljastettuna vasta kun se on valmis. Se on hiljainen rinnakkaiskuva valokuvauskehitykselle—otsa odotettu, mitä saapuu tässä ja nyt.

Näiden tarkoitusten ylläpitoa tukevat muutama lempeä paradoksi, jotka ylläpitävät työtä:

Satunnaisuus ja Kuri
Puhun “merkityksellisistä ‘yhtäläisyyksistä’”, mutta ne ovat mahdollisia vain huolellisesti rajatuissa puitteissa. Satunnaisuus on tervetullut vieras, mutta rakenne on rakennettu huolellisesti.

Viestinnästä ilman viestiä
Toivon voivani “välittää jotain” teosten kautta, joita kutsun merkityksettömiksi. Ehkä jaettu ei ole lausuma, vaan tila—aavistus valoa, hiljaista läsnäoloa, havaittavaa vakaata oloa.

Nykyhetken nostalgia
Työssä on pehmeä nostalgiaa, mutta se on kumpuileva nykyhetkelle: kaipuu “korvaamattomiin välttämättömyyksiin”, jotka löytyvät hiljaisuudesta ja valosta—puhdas läsnäolo, jonka teos itsessään hiljaisesti tarjoaa.

Vaivannäkö ja vaivattomuus

Prosessi vaatii vakaata huomiota, mutta tavoittelee tulosta, joka tuntuu itsenäiseltä, ikään kuin se olisi “ilmestynyt omillaan.” Olen viehättynyt siihen, mikä tuntuu täysin väistämättömältä.

Tässä hengessä olen tullut tuntemaan, että “epämuodollisen aikakausi on vasta alussa.” Työskentelyni on kiintynyt Art Informel -henkeen, vaikka ehkä vähemmän ahdistusta ja enemmän rauhallisuutta – epämuodollisuutta, jossa sattuma ei ole ruptura, vaan hiljainen yhteistyökumppani.

Sen ytimessä on etsiminen “le vif” — elävä ydin. Työ nojaa suoraan kokemukseen ennemmin kuin älyllistämiseen. Usein valitsemani maltillinen mittakaava on tarkoitettu rohkaisemaan intiimiyttä, ei spektakelia.

Lopulta kyse on vain yhden taiteilijan polusta. Elämäkerrani, prosessini ja pohdintani eivät ole erillisiä säikeitä, vaan osa yhtä tavoitetta. Olen löytänyt, että hiljaisiin paradokseihin perustuva käytäntö ei tarvitse olla hauras. Kurinalaisuuden ja selkeyden kautta tällaisista jännitteistä voi, uskon, tulla vastustuskykyisyyden lähde.

Anton Kaestner