Anton Kaestner - #484 - M - " Paysage #2 ".

Yksittäiskappale, Anton Kaestnerin alkuperäinen maalaus, suoraan työpajasta.
#484 - M - "Kaupunki #2".

Sprei acryylia plexiglaslevylle 3 mm (UV-suojattu).
Tämä maalaus ei ole printti. Kyse on alkuperäisestä "monikerroksisesta" teoksesta, jonka kiiltävä lopputulos "glossy" ja resin-tyyppinen smeaguttelen-efekti on ainutlaatuinen.

Koot: tuuma 17,3 x 12,6 x 0,12 / cm 44 x 32 x 0,3 ilman taustaa.

Tämä maalaus toimitetaan ilman kehystä.
Laatukehyksenä saksalaisen Nielsenin valmistama alumiinikehys, viite 34 520, White Oak -viimeistely (tuuma 0,23 x 1,38 / cm 0,6 x 3,5) suositeltu ja saatavilla toimituksen yhteydessä lisähintaan 90€ ALV mukaan.

Teokseen kuuluu nimikirjoitus takana.
Mukana todistus aitoudesta.
Toimitus on vakuutettu.

Anton Kaestner on Sveitsin-pohjainen taiteilija, maalari, kuvanveistäjä ja kirjailija, asuu Pariisissa. Hänen teoksiaan on esillä ympäri Eurooppaa, Sveitsissä ja Dubaissa. Lisätietoja ja valikoima osoitteessa www.antonkaestner.com.

Seuraava yksityisnäyttely - Geneve, tammikuu 2027.

Biografia

Syntynyt Genevessä, Sveitsissä, kasvoin kotiseutuni luonnonkauneuden ja kulttuurisen rikkauden keskellä. Luovuus oli arvostettua perheessäni, ja myöhäinen isoisäni, käsityöläinen ja taiteilija, vaikutti siihen, että elämäni intohimo syntyi.
Vuonna 1993 aloitin maalaamisen yksityisesti, kokeillen lukuisia akryyleja A4- ja sitten A3- muistikirjoissa — olen aina tuntenut, että suuret kuvat tulevat suoraan päälle päin, dominoivina ja pelottavina, kun taas pienemmät teokset voivat herättää paljon suuremman rakkauden. Aluksi minua kiinnosti ei-figuratiivinen maalaus ja abstrakti ekspressionismi.
Ajan myötä, ja vaikka pidän itseäni ateistina, kehityin myös henkisten materiaalien lähestymisessä, koska ne resonoivat ihmisen olemassaolon tutkimukseni ja luonnon sekä elämän syvempien totuuksien kanssa.

Kuitenkin tieni todelliseksi taiteilijaksi ei ollut välitön.

Kolmen vuosikymmenen ajan seurasin kansainvälistä liike-elämänuraa, joka vei minut ympäri maailmaa: Yhdysvalloista Marokkoon, Belgiaan, Aasiaan ja Ranskaan. Matkani laajensi näkökulmaani ja altistutti minut monenlaisille kulttuurivaikutteille. Minne tahansa menin, uppouduin paikallisiin taidekenttiin ja annoin luovan energian virrata.
Huolimatta liiketoiminnan keskittymisestä, taide on ollut aina osa minua, hiljalleen kytemässä pinnan alla. Lähes 30 vuotta maalaaminen oli minulle eräänlainen sala-rentoutus, tapa paeta maailmasta ja keskittyä sisimpääni.

Olen aina saanut suurta tyydytystä maalaamisesta. Jokainen uusi teos on matka, jossa voin testata luovuuttani, tutustua uusiin tekniikoihin ja kokea aitoja elämyksiä. Taiteeni kautta olen aina toivonut tarjoavani muille vilpittömän kohtaamisen kauneuden kanssa, mahdollisuuden nähdä maailma erilaisesta näkökulmasta ja pohtia omaa elämää.

Vuonna 2023, liiketoimintahistorian jäätyä taakse, omistin itseni täysipainoisesti maalaamiselle. Perustin työtilani Pariisissa ja sitouduin täysin taiteeseeni. Vuoden 2024 loppuun mennessä loin julkisen taiteellisen urani, ja yllätyksekseni teokseni saivat nopeasti tunnustusta, päätyen yksityisiin kokoelmiin ympäri Eurooppaa, erityisesti Saksassa, Portugalissa, Belgiassa, Italiassa ja Hollannissa.

Vuoden 2025 lopussa muutin isompaan ateljeeseen tyhjässä sakristiassa Lisieuxissä, Normandiassa.

Taiteellinen CV

Ensimmäinen yksityisnäyttelyni, "Échos", järjestettiin Pariisissa loppuvuonna 2024, ja siinä esiteltiin erottuva lähestymistapa taiteeseen, poissa perinteisistä maalaustekniikoista: Maalaan akryyleillä, metallipigmenteillä ja suihkutuksilla kierrätetyn ekstruudoidun plexiglasin (Perpex) takapinnalle, kevyelle, sileälle, kiiltävälle ja joskus hauraille pinnalle. Tämä prosessi estää minua näkemästä teosta kehityksen aikana. Minulla ei ole visuaalista palautetta tai kontrollia prosessin aikana — jotain, jonka otan mielelläni vastaan. Sallin ”satunnaiset kokeilut” — mitä tahansa, lyhentää järjen toimintaa! — ohjaamaan lopputulosta, kerroksia ja peiliefektejä, joita luon, ja annan tilaa Ilmestykselle ja löytämiselle, kun teos lopulta on esillä. Mutta olkoon selvä: valokuvauksen ilmaisun valossa sattuma ei tee ratkaisuja; pahimmillaan sattuma esittää kysymyksiä; merkitykselliset “yhteensattumat” ovat mahdollisia vain oikean kurinalaisuuden kautta. Tämä lähestymistapa, joka resonoi valonpaljastuksen / kiinnityksen prosessin kanssa, on haastavaa ja vapauttavaa. Määrittelynsä kompositiorakenne rikastuu kerroksista ja läpinävyydestä, mutta antaa kutakin teosta kohti askeettisen laadun: olen tyytyväinen, kun tunnistan “korvaamattomat tarpeet”, eli mitä todennäköisesti löydämme, kun pysähdymme hiljaisuuteen ja valoon.

Pidän lähestymistapaani tietoisesti yksinkertaisena. Ei ”tunteita” eikä ”teoreettista käsitteellistystä”, vaan olemassaolon kokemus. Ei nopeaa kulutusta eikä “älyllistä omistajuutta”, vaan tietoisuuden laajentaminen ja todellisuuden, sen näkyvien ja näkymättömien tarinoiden tutkiminen; taiteeni on **elämän elämän ytimeen** suuntautuva etsintä, mitä Alain Damasio kutsuu “le vifiksi” (elävällä).
Vaikka nostalgia on aina ollut osa teostani, maalaukseni ovat ei-objektiivisia. Kuten kaikki esineet, ne ovat itsessään esineitä. Siksi niillä ei ole sisältöä, merkitystä tai tarkoitusta; ne ovat kuin asiat, puut, eläimet, ihmiset tai päivät, joilla ei ole syytä olla olemassa, ei päämäärää eikä tarkoitusta. Vaikka teokseni saattavat joskus evätä lasimaalausten läpinäkyvyyden ja loiston, ne ovat käytännössä lähes kokonaan abstrakteja. Lisäksi plexiglas antaa maalaamiselle hohtavan ihon, josta voi nähdä oman hahmonsa, jokaisella katsojalla erilaisen. Jokainen teos toimii kuin huomaavainen peili: se elää, se muuttuu, se näkee. Valon, värin ja tekstuurin vuorovaikutus sekä puuttuvien osien vaikutus vaativat empatiaa. Toivottavasti “lähentymien yksityiskohtien” ja “kokonaisuuden etäisyyden” välinen leikki kannustaa katsojia aloittamaan omat sisäiset tutkimusmatkansa.

En väitä, että minulla on kaikki vastaukset, enkä halua olla ylimielinen siitä, mitä voidaan saavuttaa. Yksinkertaisesti löydän tyytyväisyyden jatkuvassa kysymisen ja kasvun prosessissa. Jokainen uusi luomus on kohtaaminen omien rajojeni kanssa, pakottaen minut hienosäätämään taitojani ja tutkimaan edelleen, mitä voin saavuttaa. Maalaaminen on minulle päivittäinen käsityö, tutkimus, tapa synnyttää merkityksellisiä keskusteluja, etsintä siitä maalaamisesta, joka on niin täydellinen, ettei sillä ole tarvetta meihin. Epävirallisen aikakausi on vasta aluillaan.

Kuten Jean Bazaine sanoisi: "Päivittäinen harjoitus moninkertaistaa näkemisen intoa."

Kokemuksesta koherenssiin käytännössä

Nykytaiteen kentällä, jossa käsite ja muoto ovat yhtä tärkeitä, pyrimme luomaan teoksia, joiden määrittäminen ei perustu näkyvyyteen, vaan läsnäoloon. Maalaukseni — lasin sisälle hehkuvat värien ja valon kentät — ovat hiljaiset tulokset pitkän ja tietoisesti laaditun tutkimuksen seurauksena. Minulle todellinen keskittyminen ei ole lopullinen kuva, vaan äänetön ajatus- ja prosessin vuorovaikutus, jonka kautta syntyy.

Tämä käytäntö perustuu kolmeen yhteen sovitettuun aikomukseen.

Ensimmäinen on vetäytyminen pakotetusta merkityksestä. Kuvaamalla teokset ”ei-objekteina” ja että niillä on ”ei sisältöä, ei merkitystä, ei järkeä”, toivon pehmentäväni narratiivisen odotuksen. Tämä on kutsu astua pois tulkitsemisesta ja kohti suorempaa katsomisen tapaa.

Tämä johtaa toiseen aikomukseen: elämän kokemuksen ensisijaisuus. Siihen avattuun tilaan yritän asettaa sen, mitä pidän olevan “olemisen kokemus”. Teos muuttuu vähemmän tulkittavaksi esineeksi ja enemmän hiljaiseksi tapahtumaksi, jota tuntee — muovautuen siirtyvän valon, läpikuultavien kerrosten ja katsojan oman katseen vastakkainkatselun kautta. Kuten usein huomautan, teos “elää, muuttuu, näkee.”

Kolmas on kohta, jossa idea kohtaa käden: Prosessi sisäistettynä ajatuksena. Plexiglasin käänteelle maalaaminen, ilman visuaalista palautetta, on fyysinen käytäntö antaa periksi. Se on tietoisen kontrollin vapauttamista teon teossa. Asetan ehdot, mutta luovun tuloksesta, antaen maalauksen tulla sellaiseksi kuin kutsun itselleni itsenäiseksi “olemukseksi itsessään”, täysin paljastuen vasta valmiina. Se on hiljainen rinnakkaisohjelma valokuvauksen kehitysprosessille — kärsivällinen odotus siitä, mitä saapuu “tähän ja nyt.”

Näiden aikomusten yllä on joitakin lempeitä paradokseja, jotka ylläpitävät työtä:

Satunnaisuus ja kurinalaisuus
Kerron merkityksellisistä “yhteensattumista”, mutta ne ovat mahdollisia vain huolellisten rajojen puitteissa. Satunnaisuus on toivottu vieras, mutta rakenne rakennetaan huolellisesti.

Viestintä ilman viestiä
Toivon pystyväni “kommunikoimaan jotain” tekemällä teoksia, joita kutsun merkityksettömiksi. Ehkä jaettu ei ole lausuma, vaan tila — valon tekstuuri, hiljainen läsnäolo, havaittava vakaus.

Nostalgiaa nykyhetkelle
Teoksessa on pehmeä nostalgia, mutta se on kummallisesti kohdennettu nyt: kaipaus “korvaamattomiin tarpeisiin”, jotka löytyvät hiljaisuudesta ja valosta — pyrkimys puhtaaseen läsnäoloon, jonka teos itsessään hiljaisesti tarjoaa.

Ponnistus ja ponnistamisenhelppous
Prosessi vaatii tasaisesti huomiota, mutta tavoitteena on tulos, joka tuntuu itsenäiseltä, ikään kuin se olisi ”altuillaan syntynyt.” Olen viehättynyt siihen, mikä tuntuu täysin väistämättömältä.
Tässä hengessä olen tullut tuntemaan, että “epäformaalin aikakausi on vasta alussa.” Käytäntöni on kiitollinen Art Informel -henkelle, ehkä vähemmällä tuskalla ja enemmän rauhallisuudella — epämuodollisuutta, jossa sattuma ei ole katko, vaan hiljainen yhteistyökumppani.

Tässä sydämessä on etsintä “le vif” — elävän ytimen. Teos kallistuu kohti suoraa kokemista kuin älyllistämistä. Usein valitsemani vaatimaton mittakaava on tarkoitettu rohkaisemaan läheisyyttä, ei spektakelia.
Lopulta tämä on yksittäisen taiteilijan polku. Biografiani, prosessini ja pohdintani eivät ole erillisiä langat; ne ovat osa yhtä pyrkimystä. Olen havainnut, että hiljaisen paradoksin perusteella käytäntö ei tarvitse olla hauras. Kurinalaisuuden ja selkeyden kautta sellaiset jännitteet voivat, uskon, muodostua vastustuskyvyksi.

Anton Kaestner