Anton Kaestner - #497 - M - " Djebel ".

Ainutlaatuinen teos, Anton Kaestnerin alkuperäinen maalaus suoraan työpajasta.
#497 - M - " Djebel ".

Suihkutilja akryylimaalauksena 3 mm:n pleksilasplaattina (UV-suojattu).
Tämä maalaus ei ole tulostus. Kyseessä on alkuperäinen "monikerroksinen" teos, jonka kiiltävä, resin-kanan kaltainen lopputulos on uniikki.

Koot: tuumaa 19,7 * 15,4 * 0,12 / cm 50 * 39 * 0,3 ilman kehystä.

Tämä maalaus toimitetaan ilman kehystä.
Laadukas kehys saksalaisen Nielsen-brändin alumiinista, viite 34 524 Oak vene, ptl Reunus (tuumaa 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) tai muu suositeltu ja saatavilla kuljetuksen yhteydessä lisämaksusta 90€ ALV 0.

Teos on signeerattu takana.
Mukana Certificat d'Authenticité.
Toimitus on vakuutettu.

Anton Kaestner on sveitsiläinen taiteilija, veistäjä ja kirjailija, joka asuu Pariisissa. Hänen teoksiaan on esillä kaikkialla Euroopassa, Sveitsissä ja Dubain alueella. Lisätietoja ja valikoima osoitteessa www.antonkaestner.com.

Seuraava yksityisnäyttely - Geneve, tammikuu 2027.

Biografia

Syntynyt Genevessä, Sveitsissä, kasvoin luonnonkauniin kotimaani kulttuurisen rikkauden keskellä. Luovuutta arvostettiin perheessäni, ja myöhään menehtynyt isoisäni, käsityöläinen ja taiteilija, vaikutti siihen siemenen istuttamiseen, josta lopulta tuli elämän intohimoni.
Vuonna 1993 aloitin yksityisen maalaamisen, kokeillen lukemattomia akryylivärejä A4- sekä A3 -muistikirjoihin – olen aina kokenut, että suuret kuvat tulevat suoraan päälle päin, dominoivan ja pelottavan, kun pienet teokset voivat inspiroida paljon suuremmin rakkautta. Alun perin minua kiinnosti ei-figuratiivinen maalaus ja abstraktinen ekspressionismi.
Ajan myötä, ja vaikka pidän itseäni ateistina, kehityin myös henkisten materiaalien suuntaan, sillä ne resonoivat ihmisen olemassaolon tutkimuksen ja luonnon sekä elämän syvempien totuuksien kanssa.

Kuitenkin polku todellisesti taiteilijaksi ei ollut välitön.
Kolme vuosikymmentä kestäneet, kansainvälistä liiketoimintaa kartuttaneet ura vei minut ympäri maailmaa, Yhdysvalloista Marokkoon, Belgiaan, Aasiaan ja Ranskaan. Matkani laajensi näkökulmaani ja altistutti minut laajalla kulttuurivaikutuksille. Minne tahansa menin, uppouduin paikallisiin taide-elämyksiin ja koetin kunkin paikan luovaa energiaa.
Huolimatta liiketoimintakeskittymisen painotuksesta, taide on aina ollut osa minua, hiljaisesti kytemässä pinnan alla. Melkein 30 vuotta maalaaminen oli minulle eräänlainen salainen meditaatio – tapa paeta maailmaa ja keskittyä omaan sisimpääni.

Minusta on aina ollut valtavasti tyydytystä maalaamisesta. Jokainen uusi teos on matka, jossa voin testata luovuuttani, tutkia uusia tekniikoita ja kokea aitoja kokemuksia. Taiteeni kautta olen aina toivonut tarjoavani toisille vilpittömän kohtaamisen kauneuden kanssa, tilaisuuden nähdä maailma eri näkökulmasta ja pohdiskella omaa elämää.

Vuonna 2023, jäätyäni eläkkeelle liike-elämästä, sitouduin täysin maalaamiseen. Perustin työtilani Pariisissa ja aloin omistaa itseni kokonaan taiteelleni. Vuoden 2024 lopulla julkistin julkisen taideurani, ja yllätyksen, teokseni saivat nopeasti tunnustusta ja löysivät paikkansa yksityiskokoelmissa koko Euroopassa, erityisesti Saksassa, Portugalissa, Belgiassa, Italiassa ja Alankomaissa.

Vuoden 2025 lopussa muutin isompaan ateljeeseen tyhjään sacristyyn Lisieuxissa, Normandian alueella.

Taiteellinen CV

Ensimmäinen yksinäisnäyttelyni, "Échos", järjestetty Pariisissa loppuvuodesta 2024, esitteli taiteelle ominaisen lähestymistavan, joka poikkeaa perinteisistä maalaustekniikoista: maalaan akryyleillä, metallisilla pigmentteillä ja suihkutetulla pleksilasilla (Perpex) - materiaalina kevyt, sileä, kiiltävä ja joskus hauras pinta. Tämäprosessi estää minua näkemästä teosta sen kehittyessä. Minulla ei ole visuaalista palautetta tai kontrollia prosessin aikana – jotain, mitä toivon. Saan sallia "satunnaisia kokeiluja" - mikään ei ole kielletty, jotta lopputulos, kerrokset ja peilaus-efektit rakentuvat, ja annan tilaa ilmestymiselle ja löytämiselle, kun teos lopulta on esillä. Mutta selkeästi: kuvissani sattuma ei tee päätöksiä; korkeintaan sattuma esittää kysymyksiä; merkitykselliset "yhteensopivuudet" ovat vain suurta kurinalaisuutta mahdollista. Tämä lähestymistapa, joka heijastelee valokuvauksen paljastumis-/kiinnittymisprosessia, on haastavaa ja vapaannuttavaa. Tepot compositiosta rikastuu kerroksista ja läpinäkyvyydestä, mutta antaa jokaiselle teokselle askeettisen laadun: olen tyytyväinen, kun tunnistan "korvaamattomat välttämättömyydet", eli mitä todennäköisesti löydämme, kun pysähdymme hiljaisuuteen ja valoon.

Pidän lähestymistapaani tarkoituksella yksinkertaisena. Ei "tunteita" eikä "teoreettista käsitystä", vaan olemisen kokemus. Ei "nopeaa kulutusta" eikä "intellektualisaatiota/älyllistä omistamista", vaan tietoisuuden laajentamista ja todellisuuden, sen näkyvien ja näkymättömien tarinoiden tutkimista – taiteeni on etsintä "elämästä elämän ytimessä", siitä mitä Alain Damasio kutsuu "le vif". Vaikka nostalgia on aina ollut osa työtäni, maalaukseni ovat esteettömiä. Kuten kaikki esineet, ne ovat esineitä suhteellisesti itsessään. Siksi niillä ei ole sisältöä, merkitystä tai tarkoitusta; ne ovat kuin asiat, puut, eläimet, ihmiset tai päivät, joilla ei myöskään ole syytä olla, päämäärä tai tarkoitus. Vaikka teokseni saattavat toisinaan herättää lasimaalausten läpinäkyvyyden ja loiston, ne ovat käytännössä kokonaan abstrakteja. Lisäksi pleksilasi antaa maalausprosessor, jossa voi nähdä oman ääriviivasi – joka on jokaiselle uudelle katselijalle erilainen. Jokainen teos toimii kuin hillitty peili: se elää, se muuttuu, se näkee. Valon, värin ja tekstuurin vuorovaikutus sekä puuttuvien osien luoma empatia. Toivottavasti "läheisten yksityiskohtien" ja "kokonaisuuden etäisyyden" välinen leikki kannustaa katsojia aloittamaan omat sisäiset tutkimusmatkansa.

En väitä, että minulla olisi vastauksia kaikkiin kysymyksiin, enkä halua olla ylimielinen siitä, mitä voidaan saavuttaa. Yksinkertaisesti löydän tyydytystä jatkuvasta kysymisestä ja kasvusta. Jokainen uusi luominen on kohtaaminen omien rajojeni kanssa, pakottaen minut hiomaan taitojani ja tutkimaan tarkemmin, mitä voin saavuttaa. Maalaaminen on minulle päivittäinen käsityö, tutkimus, tapa herättää merkityksellisiä keskusteluja, taiteen etsiminen niin täydellistä maalia, ettei sitä tarvitse meistä. Informaalin aikakausi on vasta alkanut.

Kuten Jean Bazaine sanoisi: "Päivittäinen harjoitus lisää näkemisen intoa."

Kohentuneen koherenssin suhteen käytännössäni

Nykytaiteen maisemassa, jossa käsite ja muoto painavat yhtä paljon, pyrin luomaan teoksia, joita määrittelee ei niinkään näkyvyys vaan läsnäolo. Maalaukseni – pleksilasien sisällä hohtavat värin ja valon kentät – ovat hiljaiset tulokset pitkällisestä ja harkitusta tutkimuksesta. Minulle todellinen keskiö ei ole lopullinen kuva vaan ajatuksen ja prosessin hiljainen vuorovaikutus, jonka avulla se voi ilmestyä.

Tähän harjoitukseen kuuluu kolme linjattua päämäärää.

Ensimmäinen on vetäytyminen pakotetusta merkityksestä. Kuvailemalla teoksia "ei-objekteina" ja sanomalla, ettei niillä ole "sisältöä, merkitystä tai tarkoitusta", toivon lempeästi löysyttäväni narratiivin odotuksen. Tämä on kutsu astua pois dekoodauksesta ja kohti suorempaa katsomisen tapaa.

Tämä johtaa toiseen päämäärään: koetun kokemuksen primaarisuuteen. Siihen avautuvaan tilaan yritän asettaa sen, mitä pidän olotilasta, "olemisen kokemuksesta". Teos muuttuu vähemmän interpretointia varten olevalle esineelle kuin hiljaiseksi tapahtumaksi, jonka tuntee – joka muodostuu siirtyvästä valosta, läpinäkyvistä kerroksista ja katsojan omien katseiden kohtaamisesta heijastumisena. Kuten usein huomautan, teos “elää, se muuttuu, se näkee.”

Kolmas on idea ja käsi kohtaavat: prosessi ruumiillinen ajatus. Maalaaminen pleksilasien takapuolelle, ilman visuaalista palautetta, on fyysinen harjoitus päästää irti. Se on tietoista kontrollin luovuttamista teon hetkenä. Asetan olosuhteet, mutta luovun lopputuloksesta, antaen maalauksen tulla sellaisena kuin kutsun siitä “omaksi esineekseen”, täysin paljastuen vasta valmiina. Se on hiljainen, valokuvauksellisen kehityksen rinnallinen prosessi – kärsivällinen odotus siitä, mitä saapuu “tänään ja tässä.”

Näiden tarkoitusten lisäksi on muutamia lempeitä paradokseja, jotka ylläpitävät työtä:

Sattuma ja Kurinalaisuus
Puhun merkityksellisistä "yhteensoppisuuksista", mutta ne ovat mahdollisia vain huolellisilla rajoilla. Satunnaisuus on tervetullut vieras, mutta rakenne on rakennettu huolella.

Viestintä ilman viestiä
Toivon voivani "välittää jotain" teosten kautta, joita kutsun merkityksettömiksi. Ehkä jaettu ei ole lausuma, vaan tila – valon tekstuuri, hiljainen läsnäolo, selvä vakaus.

Nostalgia nykyhetkestä
Työhön sekoittuu hento nostalgia, mutta se on kummallisen tavalla suunnattu juuri nyt: kaipuu "korvaamattomiin välttämättömyyksiin", jotka löytyvät hiljaisuudesta ja valosta – puhtaalle läsnäololle toivon, että teos itsessään hiljaisesti tarjoaa.

Ponnistus ja ponnistamattomuus
Prosessi vaatii vakaata huomiota, mutta tavoitteena on itsenäinen, kuin se olisi "joutunut omalla tahtonsa kautta". Minua vetää kohti jotain, mitä tuntuu täysin väistämättömältä.
Tässä hengessä olen tullut tuntemaan, että "informaalin aikakausi on vasta alkanut." Työskentelyni on kiitollinen Art Informel -henkelle, ehkä vähemmällä tuskalla ja enemmän rauhallisuudella – epämuodollisuudessa, jossa sattuma ei ole katko, vaan hiljainen yhteistyökumppani.

Sydämenä on tavoite löytää/le vif – elävä ydin. Teos kallistuu kohti suoraa kokemusta sen älyllistämisen sijaan. Yleinen mittasuhde, jonka usein valitsen, on tarkoitettu tukemaan intiimiyttä, ei nähtävyyttä.
Lopulta tämä on yksittäisen taiteilijan polku. Elämäkerrani, prosessini ja pohdintani eivät ole erillisiä lankoja, vaan osa samaa tavoitetta. Olen huomannut, että hiljaisten paradoksien pohjalta muodostuva käytäntö ei tarvitse olla haavoittuvaa. Kurinalaisuuden ja selkeyden avulla tällaiset jännitteet voivat, uskon, kestävyksen lähteiksi.

Anton Kaestner