Anton Kaestner - #485 - M - " Paysage #1 ".

Uniikkikappale, Anton Kaestnerin alkuperäinen maalaus, suoraan työhuoneesta.
#485 - M - "Kuvaus #1".

Spraymaalattu akryyli plexiglaslevylle 3 mm (UV-suojattu).
Tämä teos ei ole printti. Kyseessä on alkuperäinen "monikerroksinen" teos, jonka kiiltävä, resinimaista kiiltoa muistuttava lopputulos on ainutlaatuinen.

Mitat: 17,3 tuumaa x 12,6 tuumaa x 0,12 tuumaa / 44 x 32 x 0,3 cm ilman kehystä.

Tämä teos toimitetaan ilman kehystä.
Korkealaatuinen Nielsen-brändin kehys alumiinista, viite 34 520 valkoisesta tammesta laminoituna (tuuma 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm) suositellaan ja on saatavilla lähetystä varten lisämaksusta 90 € sis. alv.

Teos on signeerattu takana.
Mukana tulee aitoustodistus.
Toimitus on vakuutettu.

Anton Kaestner on sveitsiläinen maalaritaiteilija, veistäjä ja kirjailija, joka asuu Pariisissa. Hänen teoksiaan on esillä kautta Eurooppaa, Sveitsissä ja Dubain alueella. Lisätietoja ja valikoima osoitteessa www.antonkaestner.com.

Seuraava yksityisnäyttely -Geneve, tammikuu 2027.

Biografia

Syntynyt Genevessä, Sveitsissä, kasvoin kotimaani luonnonkauneuden ja kulttuurisen rikkauden ympäröimänä. Luovuutta arvostettiin perheessä, ja myöhäisen isoisäni, käsityöläisen ja taiteilijan vaikutus kylvän sen, mikä lopulta muodostaisi elämäni intohimon.
Vuonna 1993 aloin maalata yksityisesti, kokeillen lukemattomia akryylivärejä A4- ja sitten A3-kantakirjoihin – olen aina tuntenut, että suuret kuvat tulevat suoraan päälle, dominoivina ja uhkaavina, kun taas pienemmät teokset voivat inspiroida paljon enemmän rakkautta. Ensin vedin kohti ei-figuratiivista maalausta ja abstraktia ekspressionismia.
Ajan myötä, ja kun pidän itseäni ateistina, kehitin myös kiintymyksen henkisiin materiaaleihin, kun ne resonoivat ihmisen olemassaolon ja luonnon sekä elämän syvempien totuuksien etsinnän kanssa.

Kuitenkin polku todelliseksi taiteilijaksi ei ollut välitön.

Kolmen vuosikymmenen ajan loin kansainvälistä liiketoimintaa, joka vei minut ympäri maailmaa: Yhdysvalloista Marokkoon, Belgiaan, Aasiaan ja Ranskaan. Matkani laajensi näkemystäni ja toi minut tekemisiin monenlaisten kulttuurivaikutteiden kanssa. Missä tahansa päädyin, uppouduin paikallisiin taide-elämyksiin ja annoin tilaa kunkin paikan luovalle energiolle.
Huolimatta liiketoimintayhteydestä taide on aina ollut osa minua, hiljalleen kytevä pintojen alla. Lähes 30 vuotta maalaaminen oli minulle eräänlainen salainen meditaatio – tapa vapautua maailmasta ja keskittyä sisäiseen minäänsä.

Olen aina kokenut maalaamisesta suunnatonta tyytyväisyyttä. Jokainen uusi teos on matka, jossa voin kokeilla luovuuttani, tutkia uusia tekniikoita ja kokea aitoa kokemusta. Taiteeni kautta olen aina toivonut tarjoavani muille vilpittömän kohtaamisen kauneuden kanssa, mahdollisuuden nähdä maailma eri näkökulmasta ja pohtia omaa elämäänsä.

Vuonna 2023, eläkkeelle siirtymisen jälkeen liiketoiminnasta, omistin kokonaan itseäni maalaamiselle. Perustin työtilani Pariisiin ja omistautuin täysin taiteelleni. Vuoden 2024 lopulla käynnistin julkisen taiteellisen urani, ja yllätyksekseni työni sai nopeasti tunnustusta, ja löysi paikkansa yksityiskokoelmista kautta Euroopan, erityisesti Saksassa, Portugalissa, Belgiassa, Italiassa ja Alankomaissa.

Vuoden 2025 lopussa muutoin suuremmalle työtilalle siirryin vapaaseen sakristiaan Lisieuxin kaupungissa, Normandia.

Taiteellinen CV

Ensimmäinen yksityisnäyttelyni, "Échos", pidettiin Pariisissa loppuvuodesta 2024 ja esitteli erikoisen lähestymistavan taiteeseen poissa perinteisistä maalaustekniikoista: maalaan akryyleillä, metallisilla pigmentteillä ja suihkeilla kierrätetyllä extrudoidulla plexiglassilla (Perpex) - kevyelle, sileälle, kiiltävälle ja joskus hauraalle pinnalle. Tämä prosessi estää näkemästä teosta kehittyessään. Minulla ei ole visuaalista palautetta tai kontrollia prosessin aikana – jotain, mitä hyväksyn. Saan aikaan “satunnaisia kokeiluja” – kaikki käy – johdattamaan lopputulosta, kerroksia ja peilejä, joita luon, ja jätän tilaa ilmestymiselle ja löytämiselle, kun teos lopulta paljastuu. Mutta olkoon selvää: kuvissani sattuma ei koskaan tee päätöksiä; enintään sattuma esittää kysymyksiä; merkitykselliset “yhteensattumat” ovat vain suurella kurinalaisuudella mahdollisia. Tämä lähestymistapa, joka heijastaa valokuvauksen ilmaisun ja kiinnittymisen prosessia, on haastava ja vapauttava. Teoksen koostumuksen arvot rikastuvat kerroksilla ja läpinäkyvyydellä, mutta antavat jokaiselle työlle askeettisen laadun: olen iloinen, kun tunnistan “ehdottomat tarpeet”, eli mitä todennäköisesti löydämme hiljaisuudessa ja valossa.

Pidän lähestymistapaa tarkoituksella yksinkertaisena. Ei “tunteita” eikä “teoreettista käsitystä”, vaan kokemusta olemisesta. Ei “nopeaa kulutusta” eikä “älyllistämistä / älyllistä omistamista”, vaan tietoisuuden laajentamista ja todellisuuden, sen näkyvän ja näkymättömän tarinoiden tutkimista; taiteeni onetsintä “elämästä elämän ytimessä”, siitä, mitä Alain Damasio kutsuu “le vifistä”. Vaikka nostalgia on aina ollut osa työtäni, maalaukseni ovat ilman esinettä. Kuten kaikki esineet, ne ovat itsessään esineitä. Siksi niillä ei ole sisältöä, merkitystä tai tarkoitusta; ne ovat kuin asiat, puut, eläimet, ihmiset tai päivät, joilla ei ole syytä olla, eikä loppua, eikä tarkoitusta. Vaikka teokseni saattavat toisinaan muistuttaa lasimaalausten läpinäkyvyyttä ja loistoa, ne ovat käytännössä täysin abstrakteja. Lisäksi plexiglass antaa maalaamiselle kimaltavan ihon, josta voi nähdä oman siluettinsa, jokaiselle uudelle katsojalle erilaisen. Jokainen teos toimii hienovaraisena peilinä: se elää, se muuttuu, se näkee. Valon, värin ja tekstuurin sekä puuttuvien osien vuorovaikutus vaatii vain empatiaa. Toivottavasti yksityiskohtien ja tilan vuorovaikutus – “yksityiskohta lähitarkasteluun” on täysin uusi kuva – ja “etäisyys kokonaisuuteen” kannustavat katsojia aloittamaan omat sisäiset matkansa.

En väitä osaavani vastauksia kaikkiin kysymyksiin, enkä halua olla ylimielinen siitä, mitä voidaan saavuttaa. Yksinkertaisesti koen tyytyväisyyttä jatkuvassa kysymisen ja kasvun prosessissa. Jokainen uusi luomus on ristiretki omien rajojeni kanssa, pakottaen minut hiomaan taitojani ja tutkimaan, mihin pystyn. Maalaaminen on minulle päivittäinen käsityö, tutkimus, tapa herättää merkityksellisiä keskusteluja, etsintä niin täydellistä maalia, että sillä ei ole tarvetta meihin. Epämuodollisen aikakausi on vasta alkamassa.

Kuten Jean Bazaine sanoisi: "Päivittäinen käytäntö moninkertaistaa näkemisen intoa."

Ompeen koherenssi käytännössä

Nykytaiteen maisemassa, jossa käsite ja muoto ovat yhtä arvokkaita, etsin tehdä teoksia, jotka määritelmänsä saavat ei suuruudesta vaan läsnäolosta. Maalaukseni—hohtavat väri- ja valon kentät plexiglasin sisällä—ovat hämmentävän pitkäaikaisen, huolellisen tutkimuksen hiljaiset tulokset. Minulle todellinen huomio ei ole viimeisessä kuvassa vaan ajattelun ja prosessin hiljaisessa vuorovaikutuksessa, joka mahdollistaa sen syntymisen.

Tämä käytäntö lepää kolmella yhdensuuntaisella tavoitteella.

Ensimmäinen on vetäytyminen määrätyn merkityksen ulkopuolelle. Kun kuvat kuvataan “ei-objektina” ja niillä on “ei sisältöä, ei merkitystä, ei tarkoitusta”, toivon kevyesti löysääväni narratiivin odotusta. Se on kutsu astua pois dekoodaation kehästä ja siirtyä suorempaan tapaan katsoa.

Tämä johtaa toiseen tarkoitukseen: Elämyksen Primaarisuus. Siihen avoimeen tilaan yritän sijoittaa sen, mitä ajattelen olevan “olemisen kokemus.” Teos muuttuu vähemmän tulkittavaksi esineeksi kuin hiljaiseksi tapahtumaksi, joka tuntuu – muuttuvan valon, läpinäkyvien kerrosten ja katsojan oman katseen kohtaamisen kautta. Kuten usein huomautan, teos “elää, se muuttuu, se näkee.”

Kolmas kohta, jossa idea kohtaa käden: Prosessi ruumiilliseksi ajatukseksi. Plexiglassin vasten maalaaminen, ilman visuaalista palautetta, on fyysinen käytäntö, jossa luopuu hallinnasta. Se on tietoista kontrollin luopumista luomistyössä. Asetan olosuhteet, mutta luovun lopputuloksesta ja annan maalauksen tulla sellaisena kuin kutsun sen itsensä objektiksi, täysin paljastettuna vasta kun se on valmis. Se on hiljainen parallel photographisen kehityksen kanssa—kärsivällinen odotus siitä, mitä saapuu “tänään ja tässä”.

Näissä pyrkimyksissä on muutama lempeä paradoksi, jotka ylläpitävät työtä:

Satunnaisuus ja kurinalaisuus
Käytän ilmaisua “merkityksellisiä yhteensattumia”, mutta ne ovat mahdollisia vain huolellisten rajojen sisällä. Satunnaisuus on tervetullut vieras, mutta rakenne on rakennettu huolellisesti.

Viestittämisen ilman viestiä
Toivon voivani "viestiä jotain" teoksilla, joita kutsun merkityksettömiksi. Ehkä jaettu ei ole lausuma, vaan tila—valon tekstuuri, hiljainen läsnäolo, ilmeisen pysähtynyt olemassaolo.

Nyttikkyyden nostalgia
Teoksessa on lempeä nostalgia, mutta se on kierroksessa nykyhetkeä kohti: kaipuu “vääjäämättömiin tarpeisiin”, joita löytyy hiljaisuudesta ja valosta—puhtaiden läsnäolojen toive, jonka teos itsessään hiljaisesti tarjoaa.

Ponnistelu ja vaivattomuus
Prosessi vaatii vakavaa huomiota, mutta tavoittelee lopputulosta, joka tuntuu omavaraiselta, ikään kuin se “sivusuuntaisesti syntyisi itsestään.” Minua kiehtoo se, mikä tuntuu täysin väistämättömältä.
Tämän hengessä tunnen, että “epämuodollinen aikakausi on vasta alkanut.” Käytäntöni on kiitollinen Art Informel -henkelle, ehkä vähemmän ahdistuksella ja enemmän rauhallisuudella—epämuoviaisuudessa sattuma ei ole rikkoutuminen, vaan hiljainen yhteistyökumppani.

Sen ytimessä on etsintä le vifistä—elävä ydin. Teos kallistuu suoran kokemuksen suuntaan älyllistämisen sijaan. Usein valinnainen pienimuotoinen mittakaava rohkaisee intiimiyyttä, ei spektakkelia.
Lopulta tämä on yksittäisen taiteilijan polku. Elämäkerrani, prosessini ja pohdintani eivät ole erillisiä suonia, vaan osa yhtä tavoitetta. Olen huomannut, että rauhallisen paradoksin perusta ei välttämättä ole hauras. Kurin ja selkeyden kautta tällaiset jännitteet voivat, uskon, muodostua vastustuskyvyksi.

Anton Kaestner