Anton Kaestner - #510 - M - " Suncub ".

Yksittäinen teos, Anton Kaestnerin originali maalaus, suoraan työpajasta.
#510 - M - " Suncub ".

Spray-akryyliä pleksilautaan 3 mm (UV-suoja).
Tämä taulu ei ole tuloste. Kyseessä on alkuperäinen "monikerroksinen" teos, jonka kiiltävä, lasimaista jälkeä muistuttava pinta on ainutlaatuinen verrattuna piikkinä ja resin käyttöönoton kaltaiseen lopullisuuteen.

Koot: Inches 17,3 * 12,6 * 0,12 / 44 * 32 * 0,3 cm ilman kehystä.

Tämä taulu toimitetaan ilman kehystä.
Laadukas kehys saksalaisen Nielsen-merkiltä, alumiini, viite 34 520 White Oak veneer (Inch 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) suositellaan ja saatavilla lähetyksen yhteydessä lisähintaan 90€ sis. alv.

Teos on signeerattu takana.
Mukana todistus aitoudesta.
Toimitus on vakuutettu.

Anton Kaestner on sveitsiläinen taiteilija, kuvanveistäjä ja kirjailija, joka asuu Pariisissa. Hänen teoksiaan on esillä kaikkialla Euroopassa, Sveitsissä, Dubaissa ja Japanissa. Lisätietoja ja valikoima osoitteessa www.antonkaestner.com.

Seuraava henkilökohtainen messu - Geneve tammikuu 2027.

Biografia

Syntynyt Genevessä, Sveitsissä, kasvoin kotimaani luonnonkauneuden ja kulttuurisen rikkauden ympäröimänä. Luovuus on ollut arvostettua perheessäni, ja kuollut isoisäni, käsityöläinen ja taiteilija, vaikutti siemenestä, joka lopulta johti elämän intohimokseni.
Vuonna 1993 aloitin yksityisen maalaamisen kokeillen lukemattomia akryyliä A4- ja myöhemmin A3- muistikirjoissa – olen aina tunnistanut, että suuret kuvat iskevät suoraan päähän, dominoivat ja uhkaavat, kun taas pienemmät teokset voivat inspiroida paljon enemmän rakkautta. Ensimmäinen suuntaukseni oli ei-figuraalinen maalaus ja abstrakti ekspressionismi.
Ajan myötä, vaikka pidän itseäni ateistina, kehityin myös henkisten materiaalien ystäväksi, kun ne resonoivat ihmisen olemassaolon ja luonnon sekä elämän syvempien totuuksien tutkimukseni kanssa.

Kuitenkin tieni ryhtyä aidoksi taiteilijaksi ei ollut välitön.

Yli kolmen vuosikymmenen ajan loin kansainvälistä liiketoimintaa, joka vei minut ympäri maailmaa – Yhdysvalloista Marokkoon, Belgiaa, Aasiaan ja Ranskaan. Matkani laajensi perspektiiviäni ja toi eteeni laajan kirjon kulttuurisia vaikutteita. Missä tahansa menin, upposin paikalliseen taide-elämään ja annoin luovuuden energian jokaisessa paikassa.

Vaikka keskityin liiketoimintaan, taide oli aina osa minua, hiljalleen kytenä pinnan alla. Lähes 30 vuotta maalaaminen oli minulle eräänlainen salainen meditaatio – tapa paeta maailmasta ja keskittyä sisäiseen minääni.

Olen aina kokenut suurta tyydytystä maalaamisesta. Jokainen uusi teos on matka, jolla voin testata luovuuttani, tutkia uusia tekniikoita ja elää aitoutta kokemuksiaan. Taiteeni kautta toivon tarjovani muille vilpittömän kohtaamisen kauneuden kanssa, mahdollisuuden nähdä maailma eri näkökulmasta ja pohtia omaa elämäänsä.

Vuonna 2023, poistuttuaan liiketoiminnan parista, omistin koko kehitykseni maalaamiselle. Perustin työtilani Pariisissa ja aloin sitoutua täysimääräisesti taiteeseeni. Vuoden 2024 lopulla julkisen taiteilijaurani alkoi, ja yllättävän nopeasti töitäni alettiin tunnustaa: yksityiskokoelmiin ympäri Euroopan löytäen kodit erityisesti Saksassa, Portugaliassa, Belgiassa, Italiassa ja Hollannissa.

Vuoden 2025 lopussa muutimme suurempaan studioon tyhjenevään kapusiinissa Lisieuxissä, Normandian alueella.

Taiteellinen CV

Ensimmäinen yksittäinen näyttelyni, "Échos", pidettiin Pariisissa vuonna 2024 lopulla ja esitteli erottuvaa lähestymistapaa taiteeseen, poissa perinteisistä maalaustekniikoista: maalaan akryyleillä, metallisin pigmenttejä ja suihkutan taaksepäin kierrätetyn extrudoidun pleksin (Perpex) päälle – kevyt, sileä, kiiltävä ja joskus hauras pinta. Tämä prosessi estää minua näkemästä teosta sen kehittyessä. En saa visuaalista palautetta tai kontrollia prosessin aikana – jotakin, mitä toivon. Saan ”satunnaisiin kokeiluihin” – kaikki käy, kunnes pääsen ympärillä olevaan loogisuuteen – ohjaamaan lopputulosta, kerroksia ja peilejä, joita luon, ja jätän tilaa ilmestyä ja löytää, kun teos lopulta altistuu. Mutta olkaamme selkeitä: kuvissani sattumalla ei ole päätöksiä; sattuma vain kyseenalaistaa kysymyksiä; merkitykselliset ”ydinlöydökset” ovat mahdollisia vain suurella kurinalaisuudella. Tämä lähestymistapa, joka heijastaa valokuvauksen paljastus-/fixoitumisprosessia, on haastavaa ja vapauttavaa. Teokseni koostumuksen arvot rikastuvat kerroksilla ja läpinäkyvyydellä, mutta antavat kukin työnsä ominaisuuden ”austisyyden”: olen iloinen, kun tunnistan “ristiriidattomat tarpeet”, eli mitä todennäköisesti löydämme, kun pysähdymme hiljaisuuteen ja valoon.

Pidän lähestymistapaani tarkoituksella yksinkertaisena. Ei ole kyse pelkästään ”tunteesta” eikä ”teoreettisesta käsitteestä”, vaan kokemuksesta olemisesta. Ei ole kyse nopeasta kulutuksesta eikä älyllistämisestä, vaan tietoisuuden laajentamisesta ja todellisuuden tutkimisesta – sen näkyvistä ja näkymättömistä tarinoista. Taiteeni on ponnahdus kohti elämän ydintä – sitä, mitä Alain Damasio kutsuu “le vif” . Vaikka nostalgia on aina ollut osa työtäni, maalaukseni ovat ilman esinettä, ne ovat itsessään asioita. Niinpä niillä ei ole sisältöä, merkitystä eikä tarkoitusta. Ne ovat kuin esineitä, puita, eläimiä, miehiä tai päiviä, joilla ei ole tarkoitusta tai päämäärää. Vaikka teokseni saattavat joskus heijastaa lasimaalauksen läpinäkyvyyttä ja kirkkauden tunnetta, ne ovat suurimmaksi osaksi abstrakteja. Lisäksi pleksilasi antaa maalaukselle hohtavan ihon, jonka kautta näkee oman siluettinsa, uusille katsojille erilaisen. Jokainen teos toimii kuin huomaamaton peili: se elää, se muuttuu, se näkee. Valon, värin ja tekstuurin vuorovaikutus sekä puuttuvien osien lisäksi kaikki vaativat empatiaa. Toivottavasti yksityiskohtien ja yleisnäön välillä esiintyvä peli – yksittäisen kuvan yksityiskohta on täysin uusi kuva – kannustaa katsojia aloittamaan omat sisäiset tutkimusmatkansa.

En väitä hallitsevani kaikkia vastauksia ja haluan pysyä vaatimattomana siitä, mitä on saavutettavissa. Yksinkertaisesti löydän tyydytystä jatkuvasta kyseenalaistamisen ja kasvun prosessista. Jokainen uusi luomus on taiteilijan itsensä kanssa kohtaaminen, joka pakottaa minut hioomaan taitojani ja tutkimaan edelleen, mitä voin saavuttaa. Maalaaminen minulle on päivittäinen käsityö, tutkimusmatka, tapa herättää merkityksellisiä keskusteluja, taiteen etsiminen niin täydellistä maalia, että sen ei tarvitse meitä. Epämuodollisen aikakausi on vasta alkanut.

Kuten Jean Bazaine sanoisi: "Päivittäinen käytäntö moninkertaistaa näkemisen intoa".

Minun käytäntöni johdonmukaisuus

Nykytaiteen maisemassa, jossa käsite ja muoto ovat yhtä tärkeitä, pyrin luomaan teoksia, jotka määritellään olemassaolonsa kautta, ei korostuksensa perusteella. Maalaukseni – kiiltävät väri- ja valon kentät plexiglassin sisällä – ovat pitkän, harkitun selvityksen hiljaiset tulokset. Minulle todellinen keskittyminen ei ole lopullinen kuva, vaan ajatuksen ja prosessin hiljainen vuorovaikutus, joka sallii sen nousta.

Tämä käytäntö perustuu kolmeen johdonmukaiseen aikomukseen.

Ensimmäinen on vetäytyminen pakotetusta merkityksestä. Kuvaamalla teokset "ei-esineinä" ja niillä "ei ole sisältöä, merkitystä tai tarkoitusta", toivon keventäväni narratiivisen odotuksen purkua. Tämä on kutsu astua syrjään dekoodauksesta ja etsiä suorempaa katsetta.

Tämä johtaa toiseen aikomukseen: elämyskokemuksen ensisijaisuus. Siirto tuohon avointa tilaa, yritän laittaa siihen sen, mitä pidän olevansa “olemisen kokemus”. Teos muuttuu vähemmän tulkittavaksi esineeksi ja enemmän hiljaiseksi tapahtumaksi, jota tuntee – muovautuu vaihtuvan valon, läpinäkyvien kerrosten ja katsojan oman katseen kohtauksen kautta. Kuten usein huomautan, teos “elää, muuttuu, näkee”.

Kolmas kohta on, missä idea kohtaa käden: prosessi sisäistynyt ajatus. Pleksin vastakaaren maalaaminen ilman visuaalista palautetta on fyysinen käytäntö päästää irti. Se on tietoista kontrollin vapauttamista tekemisen hetkellä. Asetan ehdot, mutta luovun lopputuloksesta, antaen maalauksen tulla itsenäiseksi “objektiksi itsestään”, joka paljastuu täysin vasta valmiina. Se on hiljainen rinnastus valokuvauksen kehitysprosessiin – kärsivällinen odotus siitä, mitä saapuu “täällä ja nyt.”

Näiden tarkoitusten ylläpitäminen vaatii muutamia lempeitä paradokseja, jotka ylläpitävät työtä:

Sattuma ja kurinalaisuus
Puhun merkityksellisistä ”yhteensattumista”, mutta ne ovat mahdollisia ainoastaan huolellisten rajojen sisällä. Satunnaisuus on tervetullut vieras, mutta rakenne rakennetaan huolella.

Viestittäminen ilman viestiä
Toivon voivani ”kommunikoida jotain” töiden kautta, joita kutsun merkityksettömiksi. Ehkä jaettu ei ole lausunto, vaan tila – valo, hiljainen läsnäolo, ilmeisen rauha.

Nostalgia nykyhetkestä
Teoksessa on pehmeä nostalgia, mutta se on kiinnostuneempi nykyhetkestä: kaipaus “lineaarisiin tarpeisiin”, joita löytyi “hiljaisuudesta ja valosta” – puhtauden läsnäolon toive, jonka teos itsessään hiljaisesti tarjoaa.

Ponnistus ja ponnistamattomuus
Prosessi vaatii tasapainoista huomiota, mutta tavoitteena on tulos, joka tuntuu itsenäiseltä, ikään kuin se olisi ”syntynyt omillaan”. Olen viehättynyt siihen, mikä tuntuu täysin välttämättömältä.
Tämän hengessä olen tullut tuntemaan, että “epämuodollisen aikakausi on vasta alkanut.” Käytäntöni on velkaa Art Informel -henkelle, ehkä vähemmällä ahdistuksella ja enemmän rauhallisuudella – epämuodollisuudessa sattuma ei ole katko vaan hiljaisen yhteistyökumppanin.

Sen ytimessä on etsiminen elävästä ydin – le vif. Teos kallistuu suoran kokemuksen suuntaan älyllistämisen sijasta. Usein valitsemani vaatimaton mitta on tarkoitettu edistämään intiimiä kontaktiä, ei show.

Loppujen lopuksi tämä on vain yhden taiteilijan polku. Biografiani, prosessini ja pohdintani eivät ole erillisiä säikeitä, vaan osia yhdestä tavoitteesta. Olen huomannut, että hiljaisen paradoksin perusteella harjoitus ei tarvitse olla hauras. Kurinalaisuudella ja selkeydellä tällaiset jännitteet voivat, uskon, olla kestävyuden lähde.

Anton Kaestner