Mark Rothko - Sin título (Verde sobre morado)

Offset lithographia Sin título (Verde sobre morado) / 1961/ Mark Rothko.
Copyright @ Kate Rothko Prizel and Christophel Rothko / VEGAP Madrid.
Kiadja a Thyssen-Bornemisza Museo Nacional.

Bár Rothko az Abstract Expressionizmushoz kapcsolódik, festménye törik a kortársainak gesztus- és spontán stílusát. A saját érett munkájában egy vagy több téglalap formája általában a hátteret a felületén lebeg, anélkül hogy kiemelkedne belőle. A vibráló, rendkívül hígított színek, egymás után felhajtott glosszákkal felhúzva, bevonják a nézőt és egy újfajta térbeli létbe vonják be az illetőt, amelyet már semmilyen mérhető fogalom nem határoz meg. A 1960-as években a megelőző évtized erős, tágas színei felhígultak Rothko munkáiban, és inkább melankolikus, befelé forduló árnyalatok – lila, szürke, sötét zöld és barna – vettek át. Ebben a festményben a kritikus Robert Rosenblum által a művén alkalmazott „a fenséges absztrakciója” kifejezés kapja meg teljes jelentését.

Bár általában az Új-Yorki Iskola Abstract Expressionist festőinek generációjához kapcsolják, Rothko igen hamar abbahagyta, hogy megossza a gesztusos és spontán jellegűfestést kortársaival. Az 1950-es évek elejére Mark Rothko már kialakított egy személyes absztrakt nyelvet, amelyet a következő huszonöt év során finomítás és egyszerűsítés alá vetett. Festővásznai – amelyet általában nagyméretűnek tartott, mert úgy vélte, ez intimebb élményt kelt a szemlélőben – több téglalapnyi színmezőre osztottak, többnyire vízszintes, nyitott és élénk, amelyeket nem tartalmaz valós relációt a geometriával, és úgy tűnik, mintha ki lennének feszítve egy bizonytalan térben. A színek egymás után felhajtott, vékony glosszákkal kerültek fel alkalmazásra – mintha vízfestékek lennének a olajok helyett – és soha nem fedik fel a ecsetvonásokat, a festmény textúráját a lehető minimálisra redukálva.

Rothko dolgozatait drámáknak tekintette, az időtlen tragédia ábrázolásának. Festményei nagy spirituális intenzitással átitatottak, erőteljes érzelmekkel körülölelik a nézőt, akik elgondolkodásra és meditatív szemlélésre bírják. Robert Rosenblum a festményt a „fenséges absztrakciójának” nevezte, és összekapcsolta a skandináv romantikus hagyománnyal. E szerző szerint Rothko festményei, akárcsak Friedrich egy évszázaddal ezelőtt, “tiszteletet keresnek egy profán világban.”

Rothko úgy vélte, hogy a tiszta szín a legjobb módja az érzelmek kifejezésének, és ebben az értelemben kapcsolatot találhatunk a Kandinszkij által kidolgozott absztrakció misztikus elméleteivel. Hasonlóan Kandinszkyhöz, Rothko úgy vélte, a szín közvetlenül a lélekre hat, és képes mély érzelmek kiváltására a nézőben. A 1960-as évek elején az előző festmények erőteljes, ragyogó árnyalatai, amelyek egyfajta terjeszkedő fényt sugároztak, helyét vették a melankolikus színeknek, például lila, szürke, sötét zöld és barna, melyekkel Rothko rejtélyesebb, sőt még félelmetesebb alkotásokat hozott létre.

1961-ben, ugyanabban az évben, amelyben Rothko megfestette a *Green on Purple*-t (Thyssen-Bornemisza Múzeum), egy nagy kiállítás nyílt a művész munkásságából a Modern Művészet Múzeumában – ez volt az első önálló kiállítása a New York School művészei közül a múzeumnak. Rothko, aki mindig alaposan felügyelte a művei kiállítását – nagy jelentőséget tulajdonított annak, hogyan élik meg a nézők – rendkívül intenzív és drámai bemutatót hozott létre, a festmények szorosan egymás mellé kerültek, a megvilágítás erősen diffúz volt, előrevetítve a munkáinál zajló átalakulást, amely a depresszív állapotát tükrözte. Bár nem teljesen bizonyos, Gail Levin megjegyzi, hogy a *Green on Purple* valószínűleg a fent említett kiállítás zárás után készült, és az egyik legkorábbi példája Rothko festészetének továbbhaladására a sötétebb, opálosabb tónusok fele.

Jeffrey Weiss utalt a ellentmondásra a Rothko-festmények iránti vonzalmunk és azok megértésének nehézsége között. Paradox módon Rothko mindig arra törekedett, hogy megértsék, és meggyőződése volt, hogy „a festő munkájának evolúciója az idő útján a tisztánlátás felé vezet: a festő és az ide vagy a néző közötti minden akadály elhárítására.” Számára pedig „a tisztaság elérése éppúgy az értelmezés.”

Remek gyűjteménydarab.

A plakát mérete: 68 x 89 cm.

Minden plakátot művészetkedvelők válogattak művészetkedvelők számára.

A plakát merev kartoncsövön kerül kiküldésre.

Ez a tétel tanúsítvánnyal és nyomkövető számmal szállított, és gondosan védve van.