Miroslav Spadrna(Pintorcheco) - Esperando nueva vida-waiting for new life XL no reserve

In attesa di una nuova vita
(Acrilico su tela 100+80cm) Miroslav Spadrna (pittore ceco) 2006-2024 da Spagna
Miroslav Spadrna è un pittore ceco, nato nel 1968 a České Budějovice, Repubblica Ceca. Prima di studiare Belle Arti, dipingeva e vendeva molte delle sue opere. All'età di 21 anni, era conosciuto in Germania, nei Paesi Bassi e in altri paesi europei. A 25 anni, aveva venduto oltre 1.000 opere in tutto il mondo. A 40 anni, ha lasciato la pittura commerciale per immergersi profondamente nel suo arte. Ha abbandonato la sua casa e la vita precedente per fare arte in strada, più vicino alla povertà, alla solitudine e alla passione. Questo cambiamento ha trasformato il suo stile, il pensiero e la tecnica. A 43 anni, ha iniziato una nuova fase della sua vita artistica. Per Špadrna, l'arte è uno spazio di libertà assoluta, un luogo per trovare l'essenza delle cose e i sentimenti più profondi dell'essere. È dove l'unica misura del tempo è il tratto del pennello. Creare o ricreare la vita su una tela, su carta o in scultura è, per lui, l'atto più sublime. I suoi riconoscimenti includono il Premio di Artista Europeo nel 2023 a Milano, Italia, e nel 2021 è stato nominato Coordinatore di Arte e Pittura nella Repubblica Ceca. Le sue esposizioni collettive includono la Mostra Collettiva a Berja, Andalusia, Spagna, nel 2023. Le sue opere hanno ricevuto critiche positive in Spagna e sono apparse in pubblicazioni. Nel 1997, ha avuto una residenza a Garachico, Isole Canarie, Spagna. Spadrna è un artista riconosciuto e premiato, pubblicato in vari mezzi di comunicazione. È stato membro della Galería de Arte Visual Chicote, Spagna, dal 2 aprile 2024. Il suo lavoro può essere trovato in numerosi siti web, che mostrano il suo percorso evolutivo come artista. La sua opera è vibrante e testurizzata, racchiudendo la sua profonda connessione con l'arte come mezzo per esprimere le profondità dell'esperienza umana.
Miroslav Spadrna alias pintorcheco
Un viaggio intimo tra luce, natura e essenza
Por Antonio Sánchez. Direttore e curatore della galleria d'arte 1819.
Questa collezione è una sinfonia pittorica che oscilla tra l'astratto e il figurativo, integrando la struttura visiva con una carica emotiva che permea ogni opera. In un'esibizione di tecnica impressionista ed espressionista, l'artista esplora la relazione simbiotica tra l'essere umano e la natura, dove forme, colore e texture si fondono in una coreografia visiva di grande intensità. Le pennellate spesse e angolari, applicate con una tecnica mista di impasto e tratti energici, conferiscono alla superficie una tridimensionalità quasi tattile, invitando lo spettatore a immergersi nella materialità di ogni pezzo.
La palette cromatica della collezione è densa e multifacetica, giocando con una vibrante gamma di blu, verdi e terre, contrastati da accenti di rossi e arancioni intensi. Questa scelta di colori non è casuale, ma risponde a un discorso poetico in cui le tonalità fredde suggeriscono serenità e introspezione, mentre i colori caldi agiscono come contrappunti visivi di energia e passione. I rossi, in particolare, con le loro sfumature di carmine e vermiglio, si distinguono in alcune figure e elementi naturali, suggerendo sia la vitalità della vita sia la fugacità dei momenti catturati sulla tela.
L'artista impiega la texture come elemento espressivo chiave nella composizione. L'applicazione di strati spessi di olio e acrilico, strappati e sovrapposti in diverse direzioni, conferisce a ogni opera una densità visiva che riflette la complessità del mondo naturale. Questo trattamento tattile non solo valorizza la materialità della pittura, ma crea anche un'atmosfera coinvolgente, quasi immersiva, che colloca lo spettatore in uno spazio liminale tra ciò tangibile e ciò intangibile. I tratti diventano gestuali, con un'energia contenuta che suggerisce il battito organico della vita stessa, creando una sorta di linguaggio pittorico che allude sia all'effimero che all'eterno, simultaneamente.
In termini compositivi, l'artista sfida le convenzioni della simmetria e dell'ordine formale, costruendo scene che evocano il caos controllato della natura. Gli elementi sono disposti in un equilibrio dinamico, dove la disposizione apparentemente casuale delle figure e dei paesaggi risponde a una logica interna di armonia asimmetrica. Questo approccio crea una tensione visiva che mantiene lo sguardo in costante movimento, attraversando ogni centimetro della tela alla ricerca di dettagli nascosti e significati sottesi.

La composizione, così, diventa un'esperienza interattiva, uno spazio in cui l'occhio dello spettatore naviga liberamente, scoprendo nuove stratificazioni e prospettive ad ogni osservazione. Uno degli aspetti più notevoli di questa serie è il modo in cui viene presentata la figura umana in uno stato di fusione con l'ambiente. In diverse opere, i corpi sembrano emergere dal paesaggio, come se fossero estensioni naturali degli alberi, dell'acqua o della terra. Questa integrazione sottolinea l'idea di una connessione intrinseca tra l'essere umano e la natura, un legame che va oltre la semplice coesistenza per trasformarsi in un'unione simbiotica e spirituale. La figura umana non è rappresentata come un'entità isolata, ma come un elemento inseparabile dall'ecosistema visivo che la circonda, in un abbraccio perpetuo con il cosmo.
Lo spazio pittorico in questa collezione è profondamente atmosferico, costruito a partire da strati di trasparenza e opacità che suggeriscono diversi piani di profondità. La sovrapposizione di velature e macchie di colore crea un'illusione di movimento, come se il paesaggio stesso respirasse e si trasformasse davanti ai nostri occhi. Questa tecnica, che combina il sfumato con l'uso di contrasti di luci e ombre, aggiunge una dimensione quasi eterea alle opere, avvolgendo le figure in una nebbia che le trasforma in spettri fluttuanti in un universo parallelo.

La narrativa implicita della collezione si struttura attorno a temi universali come il tempo, la metamorfosi e la persistenza della natura. Ogni opera funge da frammento di un racconto più ampio, dove gli elementi ricorrenti – alberi, acqua e figure umane – operano come simboli archetipici che alludono all’eternità e al ciclo della vita. Gli alberi, con le loro radici profonde e i rami che si innalzano, rappresentano la stabilità e la connessione con la terra, mentre l’acqua, con il suo flusso costante, simboleggia il passaggio inevitabile del tempo e la trasformazione. La presenza umana, invece, si presenta in uno stato di contemplazione o movimento, come se fosse consapevole della sua fugacità di fronte all’immensità del paesaggio che la circonda.
L'uso della luce è un altro aspetto fondamentale nella costruzione di queste atmosfere cariche di simbolismo. L'illuminazione, morbida e diffusa, emana da diversi punti della composizione, creando contrasti sottili che rivelano e nascondono frammenti del paesaggio. Questa luce non è solo una risorsa tecnica, ma un simbolo dello trascendentale; diventa una metafora della coscienza e della percezione, illuminando le parti visibili mentre suggerisce che molto di più è nascosto nell'ombra. La luce, in questo senso, guida lo spettatore in un viaggio introspettivo, rendendolo partecipe dell'opera come un esploratore dei misteri e dei significati che abitano ogni angolo della tela.