Jean-Michel Basquiat (1960-1988) - In Italian - Artestar licensed print

Fotolitografia di Jean-Michel Basquiat (*)
Riproduzione di alta qualità dell'opera “In Italian”, creata da Basquiat nel 1983.
Edizione deluxe su carta per acquerello Monte Carlo ad alta grammatura (300 g/m2)
Stampa autorizzata da Artestar New York.
Copyright dell'Estate di Jean-Michel Basquiat.

Specifiche

Dimensioni supporto: 50 x 45 cm
Dimensioni della macchia: 40 x 35 cm
- Stato: Eccellente (questa opera non è mai stata incorniciata né esposta, ed è sempre conservata in una cartella professionale d'arte, quindi si presenta in perfette condizioni).

L'opera sarà accuratamente manipolata e imballata in un pacchetto di cartone piano rinforzato. La spedizione sarà certificata con numero di tracciamento, gestita dalle migliori compagnie di trasporto (UPS, DPD, DHL, FedEx).

La spedizione includerà inoltre assicurazione completa per il valore finale dell'opera, con rimborso totale in caso di perdita o danno, senza alcun costo per l'acquirente.

(*) Jean-Michel Basquiat fu il primo dei tre figli di Matilde Andrades e Gerard Basquiat. Suo padre era un contabile haitiano di considerevoli risorse e sua madre una graphic designer portoricana molto stimata. Jean-Michel crebbe in un ambiente familiare travagliato; i suoi genitori divorziarono e, di conseguenza, dovette cambiare scuola più volte. Studiò in una scuola cattolica privata, poi in una scuola pubblica e infine, a 16 anni, si iscrisse alla City-As-School, una scuola per adolescenti dotati, dalla quale fu espulso per comportamento ribelle un anno prima del diploma.
Fin da giovane, entrò in contatto con la sottocultura metropolitana legata all'uso di droga e alle gang di strada. Nel 1977, insieme ad Al Díaz, entrò nel mondo dei graffiti, dipingendo sui vagoni della metropolitana e nella zona di SoHo, un quartiere di New York ricco di gallerie d'arte.
L'anno successivo, abbandonò la scuola un anno prima del diploma e se ne andò di casa per vivere per strada per due anni, in edifici abbandonati o con amici a Lower Manhattan, sopravvivendo vendendo cartoline e magliette che decorava lui stesso. Continuò a dedicarsi ai graffiti; i suoi dipinti e i suoi scritti avevano una forte carica poetica e filosofica, ma soprattutto satirica. Lo pseudonimo del suo alter ego, condiviso con Al Díaz, era SAMO (acronimo di "Same Old Shit"), che entrambi usavano per firmare le loro tag e i loro graffiti con messaggi criptici. L'uso di questo nome fu decisivo nella sua vita.
Questi murales recavano iscrizioni come "SAMO salva gli idioti" o "SAMO pone fine al lavaggio del cervello religioso, alla politica del nulla e alla falsa filosofia". Un articolo sulla scrittura di strada di SAMO pubblicato su The Village Voice fu il primo segnale che il mondo dell'arte si stava interessando a lui.
L'artista ebbe diverse relazioni che influenzarono il suo lavoro, una delle più significative fu quella con l'artista Andy Warhol.
Nella sua vita sentimentale, ebbe diverse relazioni con donne, una delle più note delle quali fu Madonna. All'epoca vivevano a Lower Manhattan e fu nel 1982 che iniziarono a trascorrere più tempo insieme e ad andare alle feste nelle gallerie. Una cosa che li univa, ha detto Madonna in un'intervista, era che "ero una grande fan di Miles Davis e Charlie Parker".
Nel 1988, si tennero mostre a Parigi e New York e, nell'aprile dello stesso anno, tentò di superare le sue dipendenze e si ritirò nella sua casa alle Hawaii. Tornò a New York a giugno, annunciando la sua liberazione dalla dipendenza, ma il 12 agosto 1988, all'età di 27 anni, morì per overdose di eroina, diventando l'artista visivo di maggior successo nella storia dell'arte afroamericana. È sepolto nel cimitero di Green-Wood a Brooklyn.
Nel corso della sua breve ma intensa carriera artistica, ha tenuto più di 40 mostre personali e partecipato a circa 100 collettive. L'autopromozione e la pubblicità erano fondamentali per Basquiat, come lo erano stati in precedenza per Andy Warhol e Julian Schnabel.
Il neoespressionismo prevalse gradualmente sull'appropriazionismo, in parte grazie al boom economico che fece impennare i prezzi dell'arte, soprattutto dei dipinti, e in parte grazie al sostegno di galleristi e collezionisti. La valutazione critica, tuttavia, non fu unanime e la mancanza di un fondamento teorico per il discorso neoespressionista fu una lamentela comune. Si sosteneva che l'arte praticata dai neoespressionisti fosse priva di qualsiasi significato politico o sociale; era semplicemente una merce e, pertanto, soggetta ai capricci e alle fluttuazioni del mercato. La pittura neoespressionista fu quindi ridotta a un prodotto di consumo e, come tale, considerata creativamente svalutata e volgare.