Sonia J. - " Rupture" - "Here, There and Everywhere" Series - XXL

"Rottura" è stato creato oTitolo: Rottura
Artista: Sonia J. (1971, Portogallo)
Collection: Here, There and Everywhere
Tecnica: acrilico e media misti su tela
Dimensioni: 116 × 148 cm (formato XXL)
Anno: 2025
Condizione: Nuovo – direttamente dallo studio dell'artista
Firma: firmato a mano sul retro
Certificato: Include un Certificato di Autenticità firmato.
Spedizione: arrotolato in un tubo protettivo resistente (tracciata e assicurata)


Descrizione dell'opera d'arte:

«Rupture» — dalla serie Here, There and Everywhere — è stata creata in un giorno in cui si sono scontrate molte emozioni: tristezza, gioia, rabbia, confusione e l'urgenza di comprendere se stesse come donna. I profondi blu stratificati formano un campo atmosferico di introspezione, ancorando il dipinto con una presenza silenziosa ma potente.

Al centro, bagliori di rosso e verde emergono come un battito sott'acqua — crudo, irrisolto e chiaramente umano. Questi colori non cercano equilibrio; si sollevano e interrompono, incarnando le fessure emotive che emergono quando il mondo interiore non può più rimanere contenuto.

I segni gestuali presenti nell'opera sono più confessionali che decorativi. Ogni tratto porta con sé la tensione tra trattenere e aprire, silenzio ed espressione, disciplina e liberazione. «Rupture» non mira all'armonia — abbraccia la complessità e le contraddizioni dell'esperienza vissuta. Rivela le fratture intime del cuore, i momenti vulnerabili in cui l'emozione trabocca verso l'interno invece che verso l'esterno.

Da una prospettiva di arredo, questo pezzo XXL introduce una profonda intensità emotiva in interni raffinati. La sua ricca e sofisticata palette e la presenza imponente ne fanno un punto focale eccezionale per spazi abitativi contemporanei, ambienti architettonici, case di collezionisti e ambienti di lusso. "Rupture" si presenta come una dichiarazione audace ed elegante — portando intensità, sfumature e una forza silenziosa in ogni spazio che onora l'arte con una gravità emotiva.

Informazioni sull'artista — Sonia J. (Portogallo, 1971):

Dalle sale riunioni alla tela...
Dalla capacità negli affari alla natura selvaggia...
Dalla strategia a una visione oltre la tela...
L'empowerment delle donne attraverso l'arte.

Vivo tra due mondi — quello che ho costruito con precisione e quello che ho riconquistato attraverso l'emozione. 'Dual Hirathe' è il luogo in cui si incontrano.

Ho trascorso tre decenni in un mondo definito da chiarezza, velocità e controllo. Ogni decisione era misurata. Ogni minuto contava. Ogni obiettivo, una linea su una mappa strategica. Era una vita costruita sulla precisione — analizzare, emozionare, esigere, e a volte consumare. Per anni, ho creduto che la leadership significasse portare peso con grazia, senza esitazioni, senza rallentare. Ero circondato da persone che prosperavano di ambizione e logica, e ho imparato a eccellere in quella struttura. Ma da qualche parte tra il movimento costante e le riunioni perfezionate, ho iniziato a perdere il suono della mia voce. Quando finalmente ho fatto una pausa (metà 2024) — una vera pausa — quello che ho sentito è stato silenzio. Non vuoto, ma un silenzio pieno di potenziale. Il tipo di silenzio che invita qualcosa di nuovo a emergere. Quello fu l'inizio della mia metamorfosi.

Il mio lavoro nasce da un dialogo tra mondi — tra il razionale e l'intuitivo, il misurato e l'istintivo. Riflette il viaggio dall'acume imprenditoriale all'espressività, da una vita di strategia globale a una vita plasmata dalla texture, dal silenzio e dal paesaggio. Dopo tre decenni di leadership nel mondo aziendale, ho imparato il linguaggio della struttura — chiarezza, precisione, scopo. Mi ha allenato a vedere i sistemi, a riconoscere i modelli, a bilanciare complessità e semplicità. Ma quando mi sono rivolto all'arte, quel linguaggio ha cominciato a dissolversi. Al suo posto è emerso un altro vocabolario — tattile, emotivo, fluido — che poteva essere espresso solo attraverso pigmento e sabbia, attraverso la pazienza stratificata di una tela che si evolve nel tempo.

Lasciare il mondo aziendale non fu un atto di coraggio singolo; fu una resa graduale. All'inizio, cercai di portare le stesse regole nella mia nuova vita — obiettivi, risultati, indicatori di performance. Ma l'arte si rifiutava di essere gestita. Esigeva vulnerabilità. Mi richiedeva di ascoltare invece di dirigere. Quando toccai per la prima volta una tela bianca, non sapevo che sarebbe diventata la mia nuova lingua. Sapevo solo che le parole avevano limiti, e che le emozioni — quelle che avevo sepolto sotto efficienza e professionalità — chiedevano di respirare. I colori divennero il mio vocabolario. La texture divenne la mia sintassi. Ogni strato di sabbia, gesso e pigmento parlava ciò che ancora non riuscivo a dire ad alta voce: che la trasformazione non riguarda l'eliminare chi eri, ma permettere a tutte le versioni di te stesso di coesistere.

Nella leadership, ho vissuto secondo l'energia maschile: decisionale, analitica, rivolta all'esterno. Nell'arte, ho incontrato la sua controparte — quella femminile: recettiva, intuitiva, espansiva interiormente.
Né è superiore; entrambi sono sacri. Ho scoperto che la creazione avviene proprio dove questi due si incontrano. Troppa struttura e l'arte diventa rigida. Troppo flusso e si dissolve nel caos. Lo stesso vale per la vita. La pittura mi ha insegnato l'equilibrio. Mi ha ricordato che la forza può esistere nella quiete, e che la sensibilità non è debolezza — è saggezza in un'altra forma. In molti modi, la mia pratica è diventata una riconciliazione di energie: l'assertiva e la docile, il concreto e l'etereo, la logica che ha costruito il mio passato e l'intuizione che definisce il mio presente.

Ora vivo tra due altri mondi: l'intensità cosmopolita del mio passato e la pura serenità di Serra da Estrela, il paesaggio montano che ora plasma il mio studio e la mia anima. Dalla geometria di cemento di Lisbona all'erosione naturale di roccia e vento, il mio ritmo creativo rispecchia questa transizione — dall'accelerazione alla quiete, dalla performance alla presenza. Attraverso l'astrazione testurizzata, traduco questi contrasti vissuti in forma visiva. I miei dipinti sono topografie emotive — superfici stratificate dove coesistono resilienza, liberazione e potere silenzioso. Non sono rappresentazioni di luoghi, ma stati dell'essere: paesaggi interiori plasmati dal movimento, dalla memoria e dalla metamorfosi.

Il mio lavoro naviga continuamente tra tensioni duali — tra ordine ed emozione, luce e materia, memoria e rinnovamento, logica e intuizione, leadership e creatività, controllo e resa, passato e rinascita, strategia e sensibilità, precisione aziendale e natura selvaggia. Queste tensioni non sono contraddizioni, ma armonie in evoluzione. Sono il attrito che genera espressione, il battito invisibile sotto ogni segno che lascio. Ogni tela inizia in dialogo con il controllo — quella parte di me che cerca ancora struttura, chiarezza, risultato. Ma man mano che il processo si sviluppa, il controllo cede il passo all'istinto. Anche quando il caos sembra dominare, la mia intenzione rimane umana — riflettere l'equilibrio emotivo che tutti cerchiamo tra forza e resa, tra organizzazione e libertà.

Credo che l'arte non sia un lusso; è un modo per tornare a noi stessi. In un mondo che valorizza il risultato più della presenza, l'arte ci rallenta abbastanza da farci sentire di nuovo. Per me, l'arte è recupero — non di ciò che è stato perso, ma di ciò che è stato dimenticato. La dolcezza, la sensualità, la bellezza senza misura del semplicemente essere. Attraverso l'astrazione tattile, creo non per impressionare ma per lenire, per radicare, per restaurare. Il mio lavoro invita al tatto — non letterale, ma emotivo. Chiede agli spettatori di soffermarsi, di respirare, di sentire il proprio riflesso nel silenzio della texture. Dipingo per spazi che hanno bisogno di calma, e per donne che hanno vissuto portando gli altri, guidando, raggiungendo, esibendosi. La mia arte offre loro rifugio — un momento in cui non devono dimostrare, raggiungere o spiegare. Ogni dipinto è un atto silenzioso di ribellione contro il rumore della produttività. È un promemoria che la quiete può essere potente, e che la guarigione può avvenire nel silenzio.

"Dual Hirathe" non è solo un titolo; è la mia identità artistica — una bussola per tutto ciò che creo. 'Hirathe' deriva da hearth e heart, dal calore e dall'origine, dal luogo intimo dove inizia la creazione. 'Dual' rappresenta la convivenza degli opposti — i due mondi in cui vivo: il regno strutturato e logico della leadership e il mondo intuitivo e sensoriale dell'arte. Insieme, 'Dual Hirathe' significa il cuore in dualità — l'intersezione vivente dove mente e materia, ordine ed emozione, maschile e femminile convergono. È il battito dietro la mia pratica, l'architettura invisibile sotto ogni pennellata, ogni texture, ogni linea. Quando i collezionisti vivono con le mie opere, non stanno semplicemente acquisendo un'immagine — stanno entrando in contatto con quella dualità viva. La linea diventa il loro specchio: una tensione che possono sentire, una soglia che possono attraversare, un invito a abitare lo spazio tra gravità e grazia.

Ognuna delle mie collezioni è un frammento di una conversazione più ampia — una narrazione continua di trasformazione. Differiscono per tono, ritmo e forma, ma restano unite da una domanda fondamentale: come possiamo conciliare struttura e libertà?

Dopo anni di leadership attraverso la logica, ora guido attraverso il sentimento. Quello che un tempo era strategia è diventato sensibilità — un cambiamento dal gestire i risultati al plasmare le esperienze, dal guidare le organizzazioni al guidare l'emozione attraverso la forma. La mia arte collega arte e design, traducendo l'emozione in presenza tangibile. Ogni pezzo è più di un'immagine; è un ambiente — una superficie vivente che interagisce con lo spazio, la luce e la memoria. Sono opere create per vivere con le persone, non lontano da loro. Che siano collocate in una casa privata, in un hotel, in un atrio aziendale, in una galleria o in un museo, i miei dipinti sono concepiti come parte dell'architettura dell'esperienza. Sono pensati per respirare, contenere, guarire — non per essere appesi come decorazione, ma per trasformare l'atmosfera intorno a loro.


Per me, l'arte non è un oggetto. È un'atmosfera, un PORTALE — un linguaggio tattile e visivo di armonia e presenza. Vive attraverso la vibrazione: colore, texture, silenzio e luce in dialogo con lo spazio che occupa. Quando qualcuno si ferma davanti a un dipinto, non sta osservando qualcosa di esterno; sta entrando in un campo di risonanza. Una superficie testurizzata, una linea sottile, una tonalità smorzata — questi diventano inviti a rallentare, a riconnettersi, a respirare diversamente. Ogni opera porta con sé la memoria del gesto umano — energia resa visibile.

In uno spazio aziendale, quell'energia ammorbidisce la rigidità. In una casa privata, porta ancoraggio e intimità. In un centro benessere o in un hotel, ristabilisce la calma. In una galleria, dialoga con la luce e l'architettura, trasformando la contemplazione in emozione. In un museo, diventa dialogo — tra passato e presente, tra il corpo dello spettatore e la memoria collettiva. In una mostra, raccoglie presenza — una coreografia di colore, materia e silenzio che connette gli sconosciuti attraverso una quiete condivisa.

Ovunque esista, crea presenza — quel cambiamento invisibile ma percepibile che rende uno spazio vivo, e 'la presenza è il nuovo lusso'. - Sonia J.

Dall'autorità all'esperienza: il mondo dell'arte sta cambiando.
Per secoli, ha operato attraverso l'autorità — musei, esperti, collezionisti che decidevano cosa fosse importante. Ma oggi, nel 21º secolo, stiamo passando da un sistema basato sull'autorità a uno basato sull'esperienza. L'arte non è più confinata a pareti bianche o a stanze esclusive; si sta espandendo nel ritmo della vita quotidiana. Le persone vogliono vivere con l'arte — sentirla, abitarla, lasciarla influenzare i loro ambienti e le loro emozioni. Ed è esattamente ciò che fa una piattaforma come CATAWIKI — aiutare le persone a vivere con l'arte! E questa è anche la ragione per cui sono qui.

Le mie opere non sono create solo per gallerie o mostre. Nonostante le gallerie rimangano gli spazi più democratici per l'arte — luoghi dove possiamo incontrare la creazione nella sua forma più pura, viverla fisicamente e permettere ai nostri sensi, non ai sistemi, di determinarne il valore. Le mie opere sono anche per gli spazi dove si svolge la vita reale — case, ritiri di benessere, uffici, hotel, musei che invitano al tatto e all'interazione. Appartengono a un'epoca in cui l'arte si integra con il design, l'architettura e il benessere emotivo. Per me, questo non è un'erosione — è un'espansione. È l'arte che torna al suo scopo originale: accompagnare la vita umana, segnare uno spazio sacro, creare connessione.

Grandi artisti come Pollock, Mitchell, Bourgeois, Rembrandt, Van Gogh — e tanti altri — non hanno mai creato le loro opere pensando a gallerie o musei. Hanno dipinto per necessità, dall’interno verso l’esterno. Le loro tele erano strumenti di sopravvivenza — specchi dell’anima, estensioni del respiro. Attraverso la loro onestà cruda, hanno inventato nuovi linguaggi di espressione; NON PER IMPRESSIONARE, MA PER ESISTERE. Molti di loro hanno lottato profondamente — con isolamento, povertà, depressione — alcuni hanno persino perso la battaglia con il proprio caos interiore. Eppure, la loro arte perdura perché parla al bisogno collettivo di bellezza, significato e verità emotiva. Non hanno cercato di fare storia; hanno cercato di SENTIRE — e, così facendo, hanno permesso all’arte stessa di evolversi. Ancora una volta, la loro eredità ci ricorda che il massimo scopo dell’arte non è il prestigio, ma la PRESENZA! È sempre stata destinata ad accompagnare la vita umana — a testimoniare gioia e dolore, ad abitare case e cuori, a segnare spazi sacri e momenti condivisi.

La «Visione Oltre la Tela»
Quindi, nel XXI secolo, lo scopo dell'arte non è aspettare cinquant'anni per una convalida nei musei o nelle gallerie — è VIVERE ORA — esistere in dialogo con la nostra vita quotidiana, trasformare gli ambienti che abitiamo e risvegliare emozioni in tempo reale. L'arte oggi deve respirare con noi: nelle nostre case, nei nostri luoghi di lavoro, nei nostri ritiri, nelle nostre città, nelle nostre istituzioni, nelle nostre società, sul nostro pianeta e nei nostri angoli più silenziosi. Deve integrarsi nel nostro modo di vivere, non rimanere distante come qualcosa da visitare. Deve ammorbidire l'architettura della vita moderna e reintrodurre tenerezza nei nostri spazi. Questa è la visione che porto oltre la tela — la convinzione che il valore dell'arte risieda non solo in ciò che rappresenta, ma in ciò che risveglia. Proprio come coloro che sono venuti prima dipingevano per sopravvivere alle proprie tempeste interiori, io dipingo per riconnettere le parti frammentate dell'esistenza moderna — per unire emozione e ambiente, logica e sentimento, arte e vita. Questo è il nuovo capitolo dell'evoluzione dell'arte: NON LA SEPARAZIONE DELL'ESTETICA DALL'ESPERIENZA, MA LA LORO RIUNIONE — dove l'arte diventa di nuovo ciò che è sempre stata nel suo essenza: una necessità umana.

In questa visione, l'artista diventa sia creatore che compositore — plasmando non solo ciò che si vede, ma anche come si percepisce. Ogni decisione — dal pigmento alla scala, dalla texture alla disposizione — risponde all'energia di una stanza e alle persone che la abitano. Spesso penso ai miei dipinti come architetture di sentimento. Ancorano lo spazio come compagni silenziosi, portando ritmo dove c'è vuoto, calma dove regna il caos. Non impongono significato; invitano all'esperienza. Quando collaboro con interior designer o curatori, il dialogo va oltre l'estetica. Si tratta di come l'opera possa migliorare l'architettura emotiva dello spazio — come possa amplificare la luce, bilanciare l'energia o offrire contrasto dove è necessaria la quiete. È una fusione di sensibilità e strategia, una continuazione della mia vita precedente — ma tradotta in forma creativa. È l'incontro di due intelligenze: la precisione razionale della strategia aziendale e la profondità intuitiva della visione artistica. Non si tratta di un rifiuto della logica, ma della sua trasformazione in empatia. Dove una volta progettavo strutture per team, ora progetto ambienti per l'emozione.

Ambienti di vita
In definitiva, il mio lavoro è un atto di integrazione — unendo la chiarezza strutturale del mio passato aziendale con la fluidità organica dell'arte. Ogni tela è un ecosistema: colore, texture, gravità e silenzio trovano equilibrio. In un mondo che spesso frammenta — separando mente e corpo, arte e vita, ragione ed emozione — mi sforzo di riconnettere ciò che la vita moderna ha diviso. Questo è ciò che intendo con Art Integration: la riunificazione dell'esperienza estetica, umana e spaziale. I miei dipinti non sono da guardare — sono da vivere. Sono compagni, ancore, soglie di calma. Ci ricordano che l'arte può ancora avere significato in un mondo iper-digitale — non attraverso spiegazioni, ma attraverso la presenza.

Questa è la mia visione oltre la tela: riportare l'arte nella vita quotidiana, rendere gli spazi più umani e sostituire il rumore dell'autorità con l'intimità dell'esperienza. Le mie collezioni non riguardano la rappresentazione, ma la presenza. Non sono fatte solo per decorare, ma per INHABIT — per creare atmosfere che radicano e restaurano. Appartengono tanto a uno spazio privato quanto a uno pubblico, a un ambiente aziendale quanto a una casa in montagna. La mia visione è rendere l'arte parte di come viviamo, non solo di ciò che guardiamo — trasformare gli spazi in ambienti viventi dove emozione e design si fondono, dove l'arte diventa un'atmosfera di rinnovamento. Dalla capacità imprenditoriale all'espressività, dal ritmo cosmopolita alla quiete della montagna — ogni dipinto che creo porta con sé entrambi i mondi e ci sono i ponti tra logica e intuizione, tra il desiderio umano di ordine e il bisogno dell'anima di libertà. Ogni tela è una negoziazione tra queste forze — e in questa negoziazione, la mia arte stessa trova la sua voce.


Risultati artistici e mostre

Il riconoscimento internazionale crescente di Sonia J. include:

• Revisione del portfolio — Charlotte Paritzky, direttrice di Z&B Gallery e co-fondatrice di OBRA Art (maggio 2025)
I 10 migliori artisti contemporanei di Berlino (2024–2025)
• 5ª Fiera Internazionale d'Arte Contemporanea, IT’S LIQUID Group — Barcellona, Spagna (18–28 luglio 2025)
Artista del mese — IT’S LIQUID Group (settembre 2025)
• Mostra d'arte contemporanea di Braga — Braga, Portogallo (12–14 settembre 2025)
• Revisione del portfolio — Quentin Métayer, PR & Communication, Perrotin (ottobre 2025)
• Revisione del portafoglio — Flavio Scaloni, responsabile di galleria, Galerie Lo Scalo (ottobre 2025)
Progetto Centro di Assistenza Sanitaria Terapeutica — raccolta completa commissionata per uno spazio sanitario in Portogallo.
Progetto artistico dell'ufficio notarile — collezione completa commissionata ispirata alla Blues Collection.
• SensesART, IT’S LIQUID Group — Lecce, Italia (dicembre 2025)
European Artist Award 2025 — IT’S LIQUID Group, Venezia, Italia (5 dicembre 2025)
• Verona SPA Art Project — collezione completa commissionata per una spa in un hotel a Verona, ispirata alle texture mediterranee.
• Artista in evidenza su Singulart, Artmajeur e inserito su Artprice.com
• Valutazione AKOUN (giugno 2025) — Ufficialmente certificata a €550 per formato 15P (65 × 50 cm)

Packaging & Shipping

L'opera d'arte sarà inviata arrotolata all'interno di un tubo protettivo robusto, avvolta con carta senza acidi e multiple stratificazioni di rinforzo per garantire la massima sicurezza e ridurre significativamente i costi di spedizione.
La spedizione include il numero di tracciamento e l'assicurazione.

Consegna stimata:
• UE: 3–7 giorni
• Non-EU: 7–15 giorni (soggetto a dogana)