Marco dal Pino (1525-1583), Seguace di - Compianto sul Cristo morto - NO RESERVE

Dipinto antico, olio su tavola, di epoca databile tra la fine del XVI e la prima parte del XVII secolo, raffigurante Compianto sul Cristo morto.


L’opera raffigura un intenso Compianto sul Cristo morto. Il corpo di Gesù, appena deposto dalla croce, appare reclinato tra le braccia dei suoi dolenti. A sinistra si riconosce San Giuseppe d’Arimatea, anziano e dalla lunga barba grigia, che sorregge il braccio del Cristo con gesto partecipe e commosso. Accanto a lui si piega la Vergine, con il volto reclinato e sofferente, caratterizzato da un’espressione malinconica molto raffinata. A destra è presente San Giovanni Evangelista, giovane, dagli incarnati morbidi e dallo sguardo mestissimo, che sostiene la scena con gestualità misurata. In basso si inginocchia Maria Maddalena, col volto volto verso Cristo e le mani giunte, mentre accanto a lei campeggia il tradizionale vaso degli unguenti.
Ai piedi del gruppo, ai margini della composizione, compaiono due elementi iconografici significativi: la corona di spine e i tre chiodi della Crocifissione, disposti teatralmente a terra davanti alla figura di San Giuseppe d’Arimatea. Questa scelta, molto ricorrente nella pittura napoletana tardo-cinquecentesca, aggiunge una forte carica emotiva e rientra pienamente nel linguaggio devozionale post-tridentino.
L’attribuzione dell’opera all’ambito napoletano di fine Cinquecento risulta oggi la più solida: le cromie calde, l’uso di terre brune e verdi nei passaggi in ombra, la morbidezza degli incarnati e il taglio teatrale della scena corrispondono perfettamente ai modi delle botteghe attive a Napoli nella generazione successiva all’arrivo di Marco Pino da Siena, figura fondamentale per l’evoluzione artistica della città a partire dal 1557.
Molti dettagli richiamano direttamente la tradizione romanista portata da Pino: la costruzione diagonale della scena, la disposizione drammatica dei personaggi, la volumetria dei corpi e la resa delle mani. Tuttavia, emergono affinità ancora più strette con la produzione della cerchia di Fabrizio Santafede, uno dei protagonisti della pittura religiosa napoletana tra 1580 e 1620. La Madonna, in particolare, presenta quella tipica eleganza malinconica, con sguardo abbassato e modellato lenticolare degli incarnati, che ricorre spesso nelle opere santafediane. Anche i panneggi, definiti da lumeggiature lineari in biacca, appartengono a quel mondo, così come la resa dei capelli, a ciocche sottili e leggermente serpentine.
Accanto a questo, si riconoscono aspetti vicini anche alla cerchia di Giovanni Bernardo Lama, soprattutto nella conformazione del giovane San Giovanni e negli accordi cromatici dei tessuti. Nel complesso, l’opera si colloca con sicurezza entro quel grande filone napoletano tardo-manierista che, tra gli anni 1580 e i primi decenni del Seicento, sviluppò un linguaggio fortemente devozionale, ricco di pathos ma ancora legato a modelli romani e toscani.
L’opera può essere pertanto assegnata con coerenza a un Maestro napoletano attivo tra la fine del XVI e l’inizio del XVII secolo, formato nella scia di Marco dal Pino e vicino ai modi della cerchia di Fabrizio Santafede e Giovanni Bernardo Lama. Il dipinto presenta diversi passaggi di buona qualità, in particolare nella resa della Vergine e del Cristo, dimostrando una piena assimilazione del linguaggio tardo-manierista partenopeo.

In condizioni generali abbastanza buone considerando l’epoca del dipinto. La superficie pittorica presenta alcuni punti di ritocco sparsi, leggere abrasioni e svelature, oltre a screpolature diffuse; tali difetti risultano non invasivi e non compromettono la buona lettura dell’opera, che mantiene piena leggibilità iconografica e cromatica. Il cretto è regolare, stabile e coerente con l’epoca. La tavola presenta alcune rotture verticali passanti, che risultano riparate e consolidate, ma ancora leggermente visibili frontalmente. La craquelure è omogenea e riferibile al periodo, senza segni di distacchi attivi. Non si evidenziano problemi di tipo conservativo.

Il dipinto è corredato da una cornice a cassetta di gusto classico ma di epoca relativamente recente, che si abbina in modo armonioso alla composizione e ne valorizza l’impianto scenico. Si notano piccoli difetti e restauri della stessa, complessivamente non invasivi e compatibili con l’uso. La stessa è inclusa a titolo di cortesia e non costituisce parte integrante del bene artistico; eventuali danni ad essa non costituiranno motivo di reclamo o annullamento dell’ordine.



Misure del dipinto: 64 x 49.5 cm - Misure della cornice: 78 x 64 cm

Opera corredata di certificato di autenticità fotografico, come da normativa di legge vigente. 



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