Anton Kaestner - #319 - M - " Light from Within ".

Unikt kunstverk, originalt maleri av Anton Kaestner, direkte fra atelieret.
#319 - M - "Lyset innenfra".

Sprayakryl på plexiglassplate på 3 mm.
Gjennomsiktighet på utskrift.
Dette er ikke et trykk. Det er et originalt 'multi-lags' verk med en blank, 'glossy' finish som er nærmest som påført en harpiks, og som er unik.

Dimensjoner : Tommer 17,3 * 12,6 * 0,12 / 44 * 32 * 0,3 cm uten ramme.

Dette bildet leveres uten ramme.
Kvalitetsramme fra det tyske merket Nielsen i aluminium, referanse 34 Natura 514 Oak (tommer 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) anbefales og er tilgjengelig ved forsendelse for et tillegg på €90 inkludert mva.

Verket er signert på b bak.
Et ekthetssertifikat følger med.
Leveransen er dekket av en forsikring.

Anton Kaestner er en sveitsisk maler, skulptør og forfatter basert i Paris. Verkene hans er utstilt over hele Europa, i Sveits og i Dubai. Mer informasjon og flere valg finner du på www.antonkaestner.com.

Neste utstilling - Lausanne mars 2026.


Biografi

Jeg ble født i Genève i Sveits, og vokste opp omgitt av den naturlige skjønnheten og kulturelle rikdommen i hjemlandet mitt. Kreativitet ble verdsatt i familien min, og det var min avdøde bestefar, en håndverker og kunstner, hvis innflytelse sådde frøet til det som til slutt skulle bli min livs lidenskap.
I 1993 begynte jeg å male privat, og eksperimenterte med utallige akrylmalerier i A4- og deretter A3-notatblokker - Jeg har alltid følt at store bilder kommer rett mot deg, dominerende og skremmende, mens mindre verk kan inspirere mye mer kjærlighet. Jeg ble først tiltrukket av ikke-figurativt maleri og abstrakt ekspresjonisme.
Over tid, og selv om jeg regner meg som ateist, utviklet jeg også en forkjærlighet for åndelige materialer, ettersom de ga gjenklang i min utforskning av menneskelig eksistens og naturens og livets dypere sannheter.

Veien til å bli en skikkelig kunstner var imidlertid ikke umiddelbar.

I over tre tiår fulgte jeg en internasjonal forretningskarriere som tok meg over hele kloden, fra USA til Marokko, Belgia, gjennom Asia og Frankrike. Reisene mine utvidet perspektivet mitt og eksponerte meg for et bredt spekter av kulturelle påvirkninger. Uansett hvor jeg dro, fordypet jeg meg i den lokale kunstscenen og engasjerte meg i den kreative energien på hvert sted.
Til tross for fokuset på forretningskarrieren min, var kunsten alltid en del av meg, stille og rolig under overflaten. I nesten 30 år ble maleri en form for hemmelig meditasjon for meg – en måte å bryte løs fra verden og fokusere på mitt indre jeg.

Jeg har alltid funnet enorm tilfredsstillelse i å male. Hvert nytt verk er en reise der jeg kan teste kreativiteten min, utforske nye teknikker og oppleve ekte opplevelser. Gjennom kunsten min har jeg alltid håpet å tilby andre et oppriktig møte med skjønnhet, en mulighet til å se verden fra et annet perspektiv og reflektere over sine egne liv.

I 2023, etter å ha trukket meg tilbake fra min forretningskarriere, viet jeg meg fullt og helt til maleriet. Jeg etablerte mitt studio i Paris og begynte å vie meg helt til kunsten. Mot slutten av 2024 lanserte jeg min offentlige kunstneriske karriere, og til min overraskelse fikk verkene mine rask anerkjennelse, og fant hjem i private samlinger over hele Europa, spesielt i Tyskland, Portugal, Belgia, Italia og Nederlandene.

På slutten av 2025 flyttet jeg til et større studio i en ledig sakristi i Lisieux, Normandie.


Kunstnerisk CV

Min første soloutstilling, "Échos," holdt i Paris mot slutten av 2024, viste en særegen tilnærming til kunst, bortenfor tradisjonelle maleteknikker: Jeg maler med akryl, metalliske pigmenter og sprayer på baksiden av resirkulert ekstrudert plexiglass (Perpex), et lett, glatt, glanset og noen ganger
Skjør overflate. Denne prosessen hindrer meg i å se verket slik det utvikler seg. Jeg får ingen visuell tilbakemelding eller kontroll under prosessen—noe jeg like godt ønsker. Jeg tillater «tilfeldige eksperimenter» - alt går for å kortslutte fornuften! - å veilede utfallet, lagene og speileffektene jeg skaper, og gir rom for åpenbaring og oppdagelse når verket endelig blir avslørt. Men la oss være klare: i bildene mine tar ikke tilfeldighetene beslutningene; mest av alt stiller tilfeldighetene spørsmålene; meningsfulle «samsyner» er bare mulig med stor disiplin. Denne tilnærmingen, som gjentar seg i relasjonen mellom åpenbaring og fastlåsing i fotografiet, er utfordrende og frigjørende. Verdiem i kominasjonen blir beriket av lag og transparens, likevel gir hver verk et «asketisk» preg: jeg er fornøyd når jeg gjenkjenner «uunnværlige nødvendigheter», dvs. hva vi sannsynligvis vil oppdage når vi stopper opp i stillhet og lys.

Jeg holder tilnærmingen min bevisst enkel. Verken "emosjon" eller "teoretisk begrep" men opplevelsen av å være. Verken "raskt innhold/forbruk" eller "intellektualisering / intellektuell besittelse", men utvidelse av bevissthet og utforskning av virkeligheten, av dens synlige og usynlige historier; min kunst er et søk etter «livet i livets kjernen», for det Alain Damasio kaller «le vif». Selv om nostalgi alltid har vært en del av arbeidet mitt, er maleriene mine uten objekt. Som alle objekter, er de objekter i seg selv. Følgelig har de verken innhold, betydning eller sans; de er som ting, trær, dyr, menn, eller dager, som også verken har grunn til å være, ende, eller formål. Mens arbeidet mitt noen ganger kan fremkalle gjennomsiktigheten og lysstyrken i farget glass, forblir det nesten helt abstrakt. Dessuten gir plexiglass maleriet en skimrende overflate der man kan skimte sin egen silhuett, ulik for hver ny betrakter. Hvert verk fungerer som et diskret speil: det lever, det endrer seg, det ser. Samspillet mellom lys, farge og tekstur, også av de manglende delene, krever bare empati. Forhåpentlig vil spill mellom «detaljer på nært hold» - et lite detalj av et bilde er et helt nytt bilde - og «avstand til helheten», oppmuntre betrakterne til å begi seg ut på sine egne introspektive reiser.

Jeg påstår ikke å ha alle svarene og ønsker å være ydmyk om hva som kan oppnås. Enkelt sagt finner jeg tilfredsstillelse i den kontinuerlige prosessen med å stille spørsmål og vokse. Hver ny skapelse er en konfrontasjon med mine grenser, som presser meg til å finpusse ferdighetene mine og utforske nærmere hva jeg kan få til. For meg er maleri et daglig håndverk, en utforskning, en måte å utløse meningsfulle samtaler, en jakt etter en maling som er så perfekt at den ikke trenger oss. Den uformelle epoken har bare nettopp begynt.

Som Jean Bazaine ville si: «Den daglige praksisen øker lidenskapen for å se.»



Om sammenhengen i min praksis

I den landskapet av samtidskunst, hvor konsept og form har lik vekt, søker jeg å skape verk som defineres ikke av synlighet, men av nærvær. Mine malerier—skinnende felt av farge og lys innenfor plexiglass—er de stille resultatene av en lang og bevisst undersøkelse. For meg er det egentlige fokuset mindre på det endelige bildet enn på det stille samspillet mellom tanke og prosess som gjør det mulig å oppstå.

Denne praksisen hviler på tre samstemte intensjoner.

Det første er et tilbaketrekk fra pålagt betydning. Ved å beskrive verkene som «uten objekt» og som har «verken innhold, eller betydning, eller mening», håper jeg å mykt løsne forventningen om fortelling. Det er en invitasjon til å trekke seg unna avkoding, og mot en mer direkte måte å se på.

Dette fører til den andre intensjonen: levd erfaringens primat. Inn i dette åpne rommet prøver jeg å plassere det jeg tenker på som en «opplevelse av å være». Verket blir mindre et objekt som skal tolkes enn en stille hendelse som skal føles—formet av skiftende lys, gjennomsiktige lag og den svake refleksjonen av at betrakteren møter sitt eget blikk. Som jeg ofte påpeker, «lever verket, det endrer seg, det ser».

Det tredje er der ideen møter hånden: Prosess som legemliggjort tanke. Maling på baksiden av plexiglass, og arbeid uten visuell tilbakemelding, er en fysisk praksis i å slippe taket. Det er en bevisst frigivelse av kontroll i skapelsesakten. Jeg setter betingelser, men overgir utfallet, og lar maleriet bli det jeg kaller et uavhengig «objekt i seg selv», fullt avslørt først når det er komplett. Det er et stille parallell til fotografisk utvikling—en tålmodig venting på det som kommer «her og nå».

Å holde fast ved disse intensjonene er noen milde paradokser som opprettholder arbeidet:

Tilfeldighet og disiplin
Jeg snakker om «meningsfulle ‘tilfeldigheter’», men de er bare mulige innenfor nøye avgrensede rammer. Tilfeldigheten er en velkommen gjest, men strukturen bygges med omtanke.

Kommunikasjon uten budskap
Jeg håper å «kommunisere noe» gjennom verk jeg kaller meningsløse. Kanskje det som deles ikke er en påstand, men en tilstand—en tekstur av lys, en stille tilstedeværelse, en påtagelig ro.

Nostalgi for nåtiden
En myk nostalgi hviler i verket, men den er underlig rettet mot nåtiden: et ønske om de «uunngåelige nødvendighetene» som finnes i «stillhet og lys»—et ønske om ren tilstedeværelse som verket selv stille byr på.
Anstrengelse og letthet

Prosessen krever konstant fokus, men har som mål et resultat som føles autonomt, som om det oppstod av seg selv. Jeg trekkes mot det som føles helt uunngåelig.
I denne ånden har jeg kommet til å føle at «den uformelle tidsalder har bare begynt». Min praksis er forankret i ånden til Art Informel, om enn kanskje med mindre angst og mer ro—en uformellhet der tilfeldigheten ikke er et brudd, men en stille samarbeidspartner.

I kjernen er jakten på “le vif”—den levende kjernen. Verket legger vekt på direkte erfaring snarere enn intellektualisering. Den beskjedne skalaen jeg ofte velger er ment å oppmuntre til intimitet, ikke et spektakel.
Til slutt er dette ganske enkelt én kunstners vei. Min biografi, min prosess og mine refleksjoner er ikke separate tråder, men deler av en enkelt søken. Jeg har funnet ut at en praksis som hviler på stille paradoks ikke trenger å være sårbar. Gjennom disiplin og tydelighet kan slike spenninger, tror jeg, bli en kilde til motstandsdyktighet.

Anton Kaestner