Anton Kaestner - #377 - S - " Glass Sea 2 ".

Ett unikt verk, original maleri av Anton Kaestner, direkte fra atelieret.
Mitt andre maleri på glass, et glass funnet i Marokko i 1994.
#377 - S - " Glass Sea 2 ".

Akrylspray på 3 mm glassplate.
Dette bildet er ikke et trykk. Det er et origina lt verk med flere lag der den blanke, glossy finishen som minner om epoxy er enestående.
Gjennomsiktighet på trykk.

Dimensjoner: Tommer 8,9 x 10 x 0,12 / 22,5 x 25,5 x 0,3 cm uten ramme.

Dette bildet leveres uten ramme.
En svært liten hakk er til stede på baksiden; den hører med til verket.
Ramme av høy kvalitet fra det tyske merket Nielsen i aluminium, referanse 34 (Tommer 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm) anbefalt og tilgjengelig ved forsendelse mot et tillegg på 60 € inkl. mva.

Verket er signert på baksiden.
Et autentisitetssertifikat følger med.
Leveransen er dekket av en forsikring.

Anton Kaestner er en sveitsisk maler, billedhugger og forfatter bosatt i Paris. Verken hans viser deles over hele Europa, i Sveits og i Dubai. Mer informasjon og utvalg på www.antonkaestner.com.

Neste separatutstilling: Genève 18/28 juni 2026.

Biografi

Født i Genève, Sveits, vokste jeg opp omgitt av min hjemlands naturlige skjønnhet og kulturelle rikdom. Kreativitet ble verdsatt i min familie, og det var min avdøde bestefar, en håndverker og kunstner, hvis innflytelse plantet frøet til det som senere skulle bli lidenskapen i livet mitt.
I 1993 begynte jeg å male privat, eksperimenterte med utallige akryler i A4- og deretter A3-notatbøker — jeg har alltid følt at store bilder møter deg rett i ansiktet, dominerende og skremmende, mens små arbeider kan inspirere mye mer kjærlighet. Jeg ble først tiltrukket av ikke-figurativ maleri og abstrakt uttrykk.
Over tid, og selv om jeg anser meg som ateist, utviklet jeg også en forkjærlighet for åndelige materialer, ettersom de resonnerte med min utforskning av menneskelig tilværelse og naturens og livets dypere sannheter.

Likevel var veien til å virkelig bli kunstner ikke umiddelbar.
I over tre tiår forfulgte jeg en internasjonal forretningskarriere som tok meg verden rundt, fra USA til Marokko, Belgia, Asia og Frankrike. Mine reiser utvidet mitt syn, og eksponerte meg for et bredt spekter av kulturelle påvirkninger. Uansett hvor jeg dro, fordypet jeg meg i den lokale kunstscenen og engasjerte meg i den kreative energien i hvert sted.
Til tross for fokuset på forretningskarrieren var kunst alltid en del av meg, stille simmerende under overflaten. I nesten 30 år ble maleri en form for hemmelig meditasjon for meg — en måte å bryte fri fra verden og fokusere på mitt indre.

Jeg har alltid funnet enorm tilfredsstillelse i å male. Hver nye arbeid er en reise hvor jeg kan teste min kreativitet, utforske nye teknikker og leve gjennom ekte opplevelser. Gjennom kunsten har jeg alltid håpet å tilby andre et oppriktig møte med skjønnhet, en mulighet til å se verden fra et annet perspektiv og reflektere over eget liv.

I 2023, etter å ha trukket meg tilbake fra forretningskarrieren, har jeg helt forpliktet meg til maleri. Jeg etablerte studio i Paris og begynte å vie meg helt til min kunst. Innen utgangen av 2024 lanserte jeg min åpne kunstneriske karriere, og, til min overraskelse, fikk arbeidet raskt anerkjennelse, og fant hjem i private samlinger over hele Europa, spesielt i Tyskland, Portugal, Belgia, Italia og Nederland.

Ved utgangen av 2025 flyttet jeg til et større studio i en ledig bispedømme i Lisieux, Normandie.

Kunstnerisk CV

Mitt første soloutstilling, "Échos", holdt i Paris mot slutten av 2024, viste en særegen tilnærming til kunst, bortenfor tradisjonelle maleteknikker: Jeg maler med akryl, metalliske pigmenter og spray på baksiden av resirkulert ekstrudert plexiglass (Perpex), en lett, glatt, glassaktig og noen ganger skjør overflate. Prosessen hindrer meg i å se verket mens det utvikler seg. Jeg har ingen visuell tilbakemelding eller kontroll under prosessen — noe jeg velger å omfavne. Jeg tillater tilfeldige eksperimenter — alt går for å korte ned rasjonens gang! — å lede resultatet, lagene og speileffektene jeg skaper, og gi rom for åpenbaring og oppdagelse når stykket endelig blir vist. Men la oss være klare: i bildene mine tar sjansen aldri beslutningene; mest av alt stiller sjansen spørsmål; meningsfulle "sammenfaller" er kun mulig med mye disiplin. Denne tilnærmingen som resonnerer med avslørings-/fikseringsprosessen i fotografi, er utfordrende og frigjørende. Verdiene i komposisjonen blir beriket av lag og transparens, samtidig som hvert verk får en "asketisk" kvalitet: jeg er fornøyd når jeg gjenkjenner "uunngåelige nødvendigheter", dvs. hva vi sannsynlig finner når vi stopper i stillhet og lys.

Jeg holder tilnærmingen min bevisst enkel. Verken "følelse" eller " teoretisk begrep" men erfaringen av å være. Verken "rask konsumering" eller "intellektualisering / intellektuell besittelse", men utvidelse av bevissthet og utforskning av virkeligheten, dens synlige og usynlige historier, min kunst er en søken etter "livet i hjertet av livet", for det Alain Damasio kaller "le vif". Selv om nostalgi alltid har vært en del av arbeidet mitt, er maleriene mine uten objekt. Som alle objekter, er de objekter av seg selv. Følgelig har de verken innhold, mening eller sans; de er som ting, trær, dyr, menn eller dager, som også har verken grunn til å være, ende eller formål. Mens arbeidet mitt noen ganger kan fremkalle gjennomsiktigheten og lysstyrken til glassmalerier, forblir det nesten helt abstrakt. Dessuten gir plexiglass maleriet en skimrende hud der man kan få øye på sin egen silhuett, ulik for hver ny betrakter. Hvert verk fungerer som et diskret speil: det lever, det endres, det ser. Samspillet mellom lys, farge og tekstur, også mellom de manglende delene, krever bare empati. Forhåpenlig vil lek mellom "detaljer for nærhet" - et detalj i et bilde er et helt nytt bilde - og "avstand for helheten", oppmuntre betraktere til å begi seg ut på sine egne introspektive reiser.

Jeg tar ikke på meg å ha alle svarene og ønsker å være ydmyk om hva som kan oppnås. Enkelt sagt finner jeg tilfredsstillelse i den kontinuerlige spørsmål og vekst. Hvert nytt verk er en konfrontasjon med mine grenser, som presser meg til å forbedre mine ferdigheter og utforske videre hva jeg kan oppnå. Maleri for meg er et daglig håndverk, en utforskning, en måte å fremkalle meningsfulle samtaler, en søken etter et maleri så perfekt at det ikke har behov for oss. Alderens uformellhet har bare så vidt begynt.

Som Jean Bazaine ville sagt: "Den daglige praksisen forstørrer lidenskapen for å se."

Om sammenheng i min praksis

I samtidskunstens landskap, der begrep og form har lik vekt, søker jeg å skape verk definert av tilstedeværelse snarere enn synlighet. Maleriene mine — glitrende frod av farge og lys innenfor plexiglass — er de stille resultatene av en lang og bevisst undersøkelse. For meg er det sanne fokuset mindre finalbildet enn den stille samhandlingen mellom tanke og prosess som lar det å oppstå.

Denne praksisen hviler på tre sammenfallende intensjoner.

Den første er et Tilbaketrekning fra pålagt mening. Ved å beskrive verkene som "uten objekt" og som har "hverken innhold, mening eller sans", håper jeg å løsne forventningen om narrativ. Det er en invitasjon til å trekke seg tilbake fra å dekode, og mot en mer direkte måte å se på.

Dette leder til den andre intensjonen: Primacy of Lived Experience. Inn i det åpne rommet prøver jeg å plassere det jeg tenker på som en "erfaring av å være". Verket blir mindre et objekt å tolke enn en stille hendelse å føle — formet av skiftende lys, translucente lag og den svake refleksjonen av betrakteren som møter sitt eget blikk. Som jeg ofte påpeker, lever stykket, det endrer seg, det ser.

Den tredje er hvor idé møter hånd: Prosess som Legemlig Tanke. Maleri på baksiden av plexiglass, arbeid uten visuell tilbakemelding, er en fysisk praksis i å slippe kontroll. Det er et bevisst frigjøring av kontroll i skapelsesakten. Jeg setter betingelser, men overgir resultatet, og lar maleriet bli det jeg kaller et uavhengig "objekt i seg selv", fullt avslørt først når det er komplett. Det er en stille parallell til fotografisk utvikling — et tålmodig venting på hva som blir til her og nå.

Å holde disse intensjonene innebærer noen få milde paradokser som opprettholder arbeidet:

Tilfeldighet og disiplin
Jeg snakker om "meningsfulle ‘sammenfaller’", men de er bare mulige innenfor omhyggelige grenser. Tilfeldighet er en velkommen gjest, men strukturen er bygget med omtanke.

Kommunikasjon uten budskap
Jeg håper å "kommunisere noe" gjennom verk jeg kaller meningsløse. Kanskje det som deles er ikke en påstand, men en tilstand — en tekstur av lys, en stille tilstedeværelse, en håndgripelig stillhet.

Nostalgia for the present
En myk nostalgi henger igjen i arbeidet, men den retter seg mer mot nåtiden: et ønske om de "uunngåelige nødvendigheter" funnet i "stillhet og lys" — et ønske om ren nærvær som verket selv stille tilbyr.

Anstrengelse og letthet
Prosessen krever jevn oppmerksomhet, men har som mål et resultat som føles autonomt, som om det "oppsto av egen vilja". Jeg trekkes mot det som virker helt uunngåelig.
I denne ånd har jeg kommet til å føle at "åpenbare uformelle har så vidt begynt". Min praksis er i gjeld til ånd av Art Informel, om enn kanskje med mindre angst og mer ro — en uformellhet der tilfeldighet ikke er et brudd, men en stille medarbeider.

I kjernen ligger et søk etter «le vif» — den levende kjernen. Verket heller mot direkte erfaring enn intellektualisering. Den beskjedne skala jeg ofte velger er ment å oppmuntre til intimitet, ikke påkalling.
Til slutt er dette enkelt et en kunstners sti. Min biografi, min prosess og mine refleksjoner er ikke separate tråder, men deler av en enkelt jakt. Jeg har funnet ut at en praksis forankret i stillt paradoks ikke trenger å være skjør. Gjennom disiplin og klarhet kan slike spenninger bli, tror jeg, en kilde til motstandsdyktighet.

Anton Kaestner