Tijs Dragtsma (1992) - A Parasol Scratched From Wind

Vinden kommer først, før kvinnen selv er helt tilgjengelig i bildet: et felt av fine riper samlet i et bølgete slør som faller tilbake fra ansiktet hennes, i gresset som bøyer seg lavt under føttene hennes, i de åpne ribbeina til en parasoll holdt opp mot en himmel som ikke gir noe annet enn svart.

Dette er etter Woman with a Parasol, Madame Monet and Her Son av Claude Monet, malt i 1875 og i dag i National Gallery of Art i Washington. Sett nedenfra, med skjørt og slør som fanges midt i en vindkast, er det fortsatt et av maleriene som mest har bidratt til ideen om at været selv, ikke kvinnen som står i det, kan være det sanne motivet i et bilde.

Det originalet er elsket for er dets nekt til å stå stille. Monet bygde hele lerretet rundt en eneste vindkast som øyet ikke kan se, bare utlede fra skjørtets vinkel, slørets trekk, avstanden et lite barn holder i gresset bak henne. Denne versjonen beholder den samme ustabiliteten, en figur som snappes opp når den lener seg mot en kraft som aldri slipper taket.

Det som overlever her, er den fulle arkitekturen av gesten, parasollen hevet og vinklet mot lyset, sløret løftet klart fra skulderen, skjørtet frosset i bevegelse, guttens hatt som et lite klart spiss i spektret nede i marken. Det som gir seg, er alt Monet malte i blått, grønt og drivende skyer, himmelen og åsryggen overlatt helt til svart, og lar bare figurene bære bildet.

Ingen maling, ingen trykk. Kvinnen, hennes parasoll og gutten bak henne holdes i et felt av fine riper innfelt i overflaten av akrylglasset, til stede enten rommet er opplyst eller mørkt. Lys skaper ikke dette bildet. Det skjerper det, trekker ribbene i parasollen og fallet i sløret fremover, og utdyper kontrasten mellom gresset ved føttene hennes og det svarte som svelger himmelen over henne.

A Parasol Scratched From Wind hører til After the Masters, en serie i Art with Scratch av Tijs Dragtsma hvor bildemotivet bygges opp gjennom kontrollert overflate-skade snarere enn pigment eller trykk, og hvor den samme skaden blir et middel til å stille spørsmål om hvor lite av et maleri som trenger å overleve før øyet fortsatt fullfører det, inkludert vinden. Dette er et uavhengig verk av Tijs Dragtsma, en ny tolkning i riper og ikke et menneskelig kopikopi, reproduksjon eller trykk av Monets maleri.

"Vinden var alltid motivet. Her er den også det eneste som er igjen."

Om Kunst med Riper

Kunst med Rip er en samling verker hvor bildet ikke tegnes, men slippes fri. Hugget linje for linje inn i en dyp svart overflate, står hvert verk fram gjennom utallige presise riper som fanger lyset og frembringer form ut av mørket.

På avstand fremstår bildet som nærmest fotografisk. Kraftfullt, gjenkjennelig og fullt av tilstedeværelse. Men på nært hold oppløses verket til et tett felt av enkelte merker. Sakte, skjøre og nesten vektløse. Det som virket solid, viser seg å være et delikat nett av linjer, hver enkelt et bevisst gesture, hver eneste en essensiell for helheten.

Lyset skaper ikke bildet. Det skjerper det. Den svarte overflaten absorberer, mens de rippede linjene reflekterer. Etter hvert som lyset beveger seg over overflaten, puster bildet. Fra en vinkel står figuren klart og definert. Fra en annen mykner den og trekker seg tilbake mot mørket den kom fra, uten noen gang å forsvinne. Under et fokusert spotlight blir kontrasten dypere og bildet får et skulpturalt, nærmest luminescente preg.

Hva som gjør dette mediet så fengslende, er dets stille spenning. Ripingen er direkte og ugjennomtrengelig. Hver linje er en beslutning som ikke kan gjøres om. Likevel er resultatet ikke hardt. Det er intimt, atmosfærisk og levende med bevegelse. Hardhet blir til mykhet. Ødeleggelse blir skapelse. Fravær blir til nærvær.

I verker som dette portrettet er figuren aldri helt fastlåst. Gjennom samspillet mellom linje, lys og skygge endres bildet med perspektiv og atmosfære. På visse øyeblikk ser motivet ut til å stige ut av det svarte. Andre ganger trekker det seg tilbake i stillhet. Det er i bevegelsen mellom skarphet og ro at verket kommer til live.

Som alle materialer som tiden har berørt, bærer overflaten sitt eget stille liv. Hver ripe holder et øyeblikk, et åndedrag, en gest. Sammen utgjør de ikke bare et bilde, men en tilstedeværelse som fortsetter å åpenbare seg ved hvert lysskifte.

Om Kunstneren

Mitt navn er Tijs Dragtsma, grunnlegger av TD Fine Art Studio.

Som kunstner drives jeg av et konstant ønske om å utforske nye visuelle språk. Jeg ser ikke kunst som en fast stil, men som et utviklende felt av oppdagelse hvor materiale, struktur, lys og følelse møtes.

Arbeidet mitt begynner ofte med et enkelt spørsmål. Hvordan kan et materiale tale på en ny måte. Hvordan kan hardhet bli intimitet. Hvordan kan presisjon skape følelse. Den søken ligger i hjertet av alt jeg skaper.

Innen TD Fine Art Studio tilnærmes hvert verk som sin egen verden, med sin egen logikk, atmosfære og visuell identitet. Noen verk bygges gjennom rytme, repetisjon og struktur. Andre oppstår gjennom fravær, skygge, refleksjon eller spenning. Det som knytter dem sammen er et felles engasjement for originalitet, klarhet og følelsesmessig tilstedeværelse.

Jeg er fascinert av kontrast. Mellom styrke og skrøpelighet. Mellom kontroll og følelse. Mellom det som er synlig og det som står åpent for tolkning. Mitt mål er ikke bare å lage et bilde, men å skape et verk som holder på oppmerksomheten, innbyr til refleksjon og fortsetter å avsløre seg over tid.

TD Fine Art Studio er rommet hvor disse utforskningene samles. Det er ikke bare et studio, men et utviklende kunstnerisk univers formet av nysgjerrighet, presisjon og ambisjonen om å skape arbeid som føles særegent, målrettet og levende.