Bruno Munari - Libro illeggibile bianco nero giallo. - 1956-2011

Bruno Munari. Książka Illeggibile Bianco Nero Giallo 1956. Mediolan, Giorgio Lucini Editore, 2011. Wydanie wycofane z obiegu z egzemplarzami dedykowanymi osobiście, za uprzejmym pozwoleniem Alberta Munari. Wymiary 30x24 cm. Oprawa miękka, w półskórze, w kartonowej okładce w żółtym kartonowym opakowaniu. Odpis podpisu Munari na przedniej stronie okładki i na przedostatnim arkuszu. 50 białych, czarnych i żółtych kart, nieponumerowanych, ciętych na różne sposoby, tworzących wzory geometryczne. W doskonałym stanie – minimalne, marginalne i nieistotne ślady użytkowania na okładce.


Bruno Munari (Milano, 24 października 1907 – Milano, 30 września 1998) był włoskim artystą, projektantem i pisarzem.

Razem z przestrzennym Lucio Fontaną, Bruno Munari zaznaczył się na scenie milanowskiej lat pięćdziesiątych i sześćdziesiątych; są to lata boomu gospodarczego, w których narodziła się postać artysty-operującego-wizualnie, który staje się doradcą biznesowym i aktywnie przyczynia się do włoskiego odrodzenia przemysłowego powojennej Europy.

Munari bardzo wcześnie uczestniczył w Futuryzmie, od którego odszedł z poczuciem lekkości i humoru, wynajdując samolot (1930), pierwszy ruchomy w historii sztuki, oraz maszyny niepotrzebne (1933). W 1948 roku założył MAC (Movimento Arte Concreta) razem z Gillo Dorflesem, Gianni Monnetem i Atanasio Soldatim. Ten ruch działa jako koalicja włoskich tendencji abstrakcyjnych, proponując syntezę sztuk, która może połączyć tradycyjną malarstwo z nowymi narzędziami komunikacji i pokazać przemysłowcom i artystom możliwość zbieżności między sztuką a techniką. W 1947 roku stworzył Concavo-convesso, jedną z pierwszych instalacji w historii sztuki, niemal równocześnie, choć wcześniej, z czarnym środowiskiem, które Lucio Fontana zaprezentował w 1949 roku w Galleria Naviglio w Mediolanie. To wyraźny znak, że problematyka sztuki, która staje się środowiskiem, jest już dojrzała, a odbiorca jest zachęcany nie tylko mentalnie, lecz także w sposób wielozmysłowy.
W 1950 roku realizuje projekcyjne malarstwo poprzez kompozycje abstrakcyjne zamknięte między szybami slajdów i rozszczepia światło dzięki użyciu filtra Polaroid, tworząc w 1952 roku malarstwo spolaryzowane, które prezentuje w MoMA w 1954 roku na wystawie Munari's Slides. Uważany jest za jednego z głównych przedstawicieli sztuki programowanej i kineticznej, ale wymyka się jednoznacznym określeniom i katalogom ze względu na wielość swoich działań i ogromną, intensywną kreatywność, charakteryzującą jego sztukę jako niezwykle wyrafinowaną.

Biografia
Kiedy ktoś mówi: 'To potrafię zrobić też', oznacza, że potrafi to odtworzyć, bo inaczej zrobiłby to już wcześniej.
Bruno Munari, Verbale scritto, 1992

Urodzony w Mediolanie z Pia Cavicchioni, hafciarki wachlarzy, oraz Enrico Munari, natywny kelner z Badia Polesine, Bruno Munari spędził dzieciństwo i młodość w ojczystym Badia Polesine, gdzie jego rodzice przeprowadzili się, aby prowadzić hotel. W 1925 roku wrócił do Mediolanu, aby pracować w kilku studiach graficznych. W 1927 roku zaczął spotykać się z Marinetti i ruchem futurystycznym, wystawiając z nimi na różnych wystawach. W 1929 roku Munari założył studio grafiki i reklamy, dekoracji, fotografii i aranżacji wraz z Riccardo Castagnedi, innym artystą z grupy futurystycznej z Mediolanu, podpisując prace inicjałami R + M co najmniej do 1937 roku. W 1930 roku stworzył jedno z pierwszych mebli w historii sztuki, znane jako maszyna powietrzna, które Munari zaprezentował ponownie w 1972 roku w limitowanej serii 10 egzemplarzy dla wydawnictwa Danese w Mediolanie.
W 1933 roku kontynuowano poszukiwania dzieł sztuki w ruchu za pomocą niepotrzebnych maszyn, zawieszonych obiektów, gdzie wszystkie elementy są w harmonijnym związku ze sobą, pod względem wymiarów, kształtów i ciężarów.
Podczas podróży do Paryża w 1933 roku spotkał Louis Aragon i André Breton.

W 1934 roku poślubił Dilma Carnevali.
Od 1939 do 1945 roku pracował jako grafik w wydawnictwie Mondadori oraz jako dyrektor artystyczny czasopisma Tempo, jednocześnie zaczynając pisać książki dla dzieci, początkowo dla syna Alberta. W 1948 roku, wraz z Gillo Dorflesem, Gianni Monnetem, Galliano Mazzonem i Atanasio Soldatim, założył Ruch Sztuki Konkretnej.

W latach pięćdziesiątych jego badania wizualne skłoniły go do tworzenia negatywów-pozytywów, abstrakcyjnych obrazów, które pozwalają widzowi na wybór formy pierwszoplanowej spośród tła. W 1951 roku prezentuje maszyny arytmetyczne, w których powtarzalny ruch maszyny jest przerywany przez przypadkowość za pomocą humorystycznych interwencji. Również z lat pięćdziesiątych pochodzą jego nieczytelne książki, w których opowieść jest wyłącznie wizualna. W 1954 roku, korzystając z soczewek Polaroid, tworzy obiekty sztuki kinetycznej znane jako Polariscopi, dzięki którym można wykorzystywać zjawisko rozszczepienia światła w celach estetycznych. W 1953 roku prezentuje badania nad morzem jako rzemieślnikiem, odzyskując obiekty przetworzone przez morze, natomiast w 1955 roku tworzy wyimaginowane muzeum Wysp Eolskich, gdzie powstają teoretyczne rekonstrukcje obiektów wyobrażonych, abstrakcyjne kompozycje na granicy antropologii, humoru i fantazji.
W 1958 roku, modelując ostrogi widelców, stworzył język znaków za pomocą mówiących widelców. W tym samym roku zaprezentował rzeźby podróżne, które stanowią rewolucyjne reinterpretacje pojęcia rzeźby — już nie monumentalnej, lecz podróżnej, dostępnej dla nowych nomadów dzisiejszego zglobalizowanego świata. W 1959 roku stworzył fosylia z roku 2000, które z humorem skłaniają do refleksji nad przestarzałością nowoczesnej technologii.

W latach sześćdziesiątych coraz częściej podróżował do Japonii, do której kultura zaczynała mu coraz bardziej odpowiadać, znajdując odzwierciedlenie w jego zainteresowaniu duchem zen, asymetrią, designem i opakowaniami w japońskiej tradycji. W 1965 roku w Tokio zaprojektował fontannę z pięcioma kroplami, które spadały losowo w wyznaczonych punktach, tworząc przecięcia fal, których dźwięki, rejestrowane przez mikrofony umieszczone pod wodą, były odtwarzane i wzmacniane na placu, na którym znajdowała się instalacja.

W latach sześćdziesiątych zajmował się: dziełami seryjnymi, takimi jak aconà biconbì, podwójne sfery, dziewięć sfer w kolumnie, tetrakono (1961-1965) czy flexy (1968); eksperymentami wizualnymi z użyciem kopiarki (1964); performansami, takimi jak akcja pokazania powietrza (Como, 1968); eksperymentami filmowymi, w tym filmy Kolory światła (muzyka Luciano Berio), inox, moire (muzyka Pietro Grossi), czas w czasie, mat, na ruchomych schodach (1963-64). W rzeczywistości, razem z Marcello Piccardo i jego pięciorgiem dzieci w Cardina, na wzgórzu Monteolimpino w Como, w latach 1962-1972, tworzył filmy awangardowe. Z tego doświadczenia narodziła się 'Cineteca di Monteolimpino - Międzynarodowe Centrum Filmu Poszukiwawczego'.
Cardina, znana również jako „Wzgórze kina”, Bruno Munari mieszkał i pracował przez długi czas każdego lata, aż do ostatnich lat swojego życia. Jego dom-laboratorium, które wciąż istnieje i jest dziś siedzibą Stowarzyszenia Cardina, znajdował się dokładnie na końcu drogi dojazdowej, przy ulicy Conconi, naprzeciwko restauracji Crotto del Lupo.
W książce "La collina del cinema" autorstwa Marcello Piccardo (NodoLibri, Como 1992) podsumowano doświadczenia tamtych lat. W opowiadaniu "Alta tensione" (1991) Bruno Munari, artysta, przedstawia swoje bliskie relacje z lasami na wzgórzu Cardina.

W 1974 roku bada możliwości fraktalne krzywej, która nosi imię włoskiego matematyka Giuseppe Peano, krzywej, którą Munari wypełnia kolorami wyłącznie w celach estetycznych.

W 1977 roku, na szczycie stałego zainteresowania światem dzieci, stworzył pierwsze laboratorium dla dzieci w muzeum, w Pinacoteca di Brera w Mediolanie.

W latach osiemdziesiątych i dziewięćdziesiątych jego kreatywność nie wygasła i realizował różne cykle dzieł: rzeźby filipezy (1981), konstrukcje graficzne imion przyjaciół i kolekcjonerów (od 1982), rotory (1989), struktury wysokiego napięcia (1990), duże rzeźby ze stali corten wystawione na nadbrzeżu Neapolu, Cesenatico, Riva del Garda, Cantù, xeroritratti (1991), ideogramy materialne drzewa (1993).

Po licznych i ważnych wyróżnieniach za jego szeroką działalność, Munari stworzył swoje ostatnie dzieło kilka miesięcy przed śmiercią w wieku 91 lat w swoim rodzinnym mieście.

Malarz i poeta Tonino Milite był jego współpracownikiem i przez lata pracował w jego studio.

Munari był szóstym z kolei spośród ośmiu wielkich osobistości z Mediolanu pochowanych na Famedio, na Cmentarzu Monumentale.

Arti visive
Marzeniem artysty jest dotarcie do Muzeum, podczas gdy marzeniem projektanta jest dotarcie na rynki lokalne.
(Bruno Munari, artysta i projektant, 1971)

Wulkaniczna produkcja "artystyczna" w ścisłym sensie Munariego, pojawiająca się na ponad 200 wystawach indywidualnych i 400 zbiorowych, jest pot-pourri technik, metod i form.

W latach faszyzmu Munari pracował jako grafik w dziedzinie dziennikarstwa, tworząc okładki różnych czasopism. Z futurystami wystawił kilka obrazów, ale już w 1930 roku stworzył pierwsze 'bezużyteczne maszyny', prawdziwe dzieła abstrakcyjne rozwijane w przestrzeni, które angażują otoczenie, poświęcając się coraz mniej konwencjonalnym dziełom, takim jak 'maszyna lotnicza' (1930), 'tablica dotykowa' (1931), 'bezużyteczne maszyny' (1933), kolaże (1936), mozaika na Triennale w Mediolanie (1936), struktury z elementami oscylującymi (1940).

W latach czterdziestych i pięćdziesiątych zaczął wyznaczać pewne wytyczne swojej eksploracji.

Sztuka jako środowisko: Munari był jednym z pierwszych, którzy wymyślili i wyprzedzili trendy w instalacjach („Concavo-convesso”, 1946) oraz wideoinstalacjach („proiezioni dirette”, 1950) i „proiezioni a luce polarizzata”, 1953).
Sztuka kinetyczna ('Ora X' z 1945 roku jest prawdopodobnie pierwszym dziełem kinetycznym wyprodukowanym seryjnie w historii sztuki).
Arte concreto (i 'Negativi positivi' od 1948 roku)
światło (zdjęcia z 1950 roku, eksperymenty z polaryzowanym światłem z 1954 roku)
natura i przypadek („Obiekty znalezione” z 1951 r., „Morze jako rzemieślnik” z 1953 r.)
il gioco (i "Giocattoli d'artista" del 1952)
obiekty wyobrażone (le «Scritture illeggibili di popoli sconosciuti», z 1947 roku, «Museo immaginario delle isole Eolie» na Panarei z 1955 roku, «Forchette parlanti» z 1958 roku, «Fossili del 2000» z 1959 roku)
W 1949 roku zaczął tworzyć 'książki nieczytelne', czyli dzieła, w których słowa znikają, pozostawiając miejsce dla wyobraźni tych, którzy potrafią wyobrazić sobie inne opowieści, czytając kartki w różnych kolorach, rozdarcia, dziury i nici przecinające strony. Seria książek nieczytelnych trwała do 1988 roku, a w 1954 roku stworzył swoją fontannę na Biennale di Venezia.

W latach sześćdziesiątych, dzięki przyjęciu wszystkich nowych technologii dostępnych dla szerokiej publiczności (projektory, kserokopiarki, kamery filmowe), działalność artystyczna Munariego stała się encyklopedią sztuki DIY, gdzie każde dzieło zawierało implicitny przekaz dla obserwatora: "spróbuj też ty": xerografie, badania nad ruchem, fontanny, elastyczne struktury, iluzje optyczne, filmy eksperymentalne („Kolory w świetle”, z 1963 roku, zawierały muzykę Luciano Berio). W 1962 roku zorganizował pierwszą wystawę sztuki programowanej, w sklepie Olivetti w Mediolanie.

W 1969 roku Munari, zaniepokojony błędnym krytycznym postrzeganiem swojej pracy artystycznej, która do dziś jest często mylona z innymi dziedzinami (edukacją, designem, grafiką), wybrał historyczkę sztuki Miroslavę Hájek do opracowania selekcji swoich najważniejszych dzieł sztuki. Zbiór, ułożony chronologicznie, ilustruje jego nieustającą kreatywność, spójność tematyczną oraz ewolucję jego estetycznej filozofii aż do jego śmierci.

W latach siedemdziesiątych, ze względu na większe zainteresowanie samą dydaktyką i pisaniem, produkcja artystyczna w ścisłym tego słowa znaczeniu zaczęła się rozrzedzać, by wznowić działalność dopiero pod koniec dekady. W 1979 roku otrzymał z Teatru Miejskiego we Florencji zlecenie na stworzenie partytury chromatycznej do opery symfonicznej Prometeusz Aleksandra Nikolaeviča Skrjabina. Opera z opracowaniem chromatycznym, stworzoną we współpracy z Davide Mosconim i Piero Castiglionim, została więc wystawiona w marcu 1980 roku.

W latach osiemdziesiątych i dziewięćdziesiątych Munari kontynuował eksplorację twórczą, tworząc 'oleje na płótnie' (z 1980 roku, wystawione w osobnej sali na Biennale w Wenecji w 1986 roku), rzeźby 'filipesi' w 1981 roku, 'rotory' w 1989 roku oraz rzeźby 'wysokiego napięcia' z lat 1990–91, a także duże instalacje publiczne w latach 1992–96, oraz materialne ideogramy 'drzew' z 1993 roku.

W najnowszych dziełach coraz bardziej zaznacza się wymiar prywatny, który ma swoje odzwierciedlenie w szerokiej produkcji limitowanych książek drukowanych z Maurizio Corraini dla przyjaciół i bibliofilów.

Współpraca z czasopismem "Domus"
Bruno Munari, między końcem lat czterdziestych a początkiem lat pięćdziesiątych, został pochłonięty przez eksplozję twórczą, która doprowadziła do powstania ważnych dzieł, w tym maszyn niepotrzebnych i obrazów negatyw-pozytyw, abstrakcyjnych i znakowych. Wszystkie te eksperymenty przyczyniają się, choć z różnym ciężarem, do projektowania i realizacji niektórych okładek czasopisma „Domus”, które można łatwo zaklasyfikować do nurtu sztuki konkretnej. Ta ostatnia, w przeciwieństwie do czystego abstrakcjonizmu, uważa, że podmiotem jest sama malarstwo, czyli formy i kolory swobodnie wymyślane.


Bruno Munari sfotografowany przez Federico Patellani, 1950
Sztuka konkretna to ta, która ukazuje wewnętrzną naturę człowieka lub kobiety, ludzką myśl, wrażliwość, estetykę, poczucie równowagi i wszystko, co należy do natury wewnętrznej, równie istotnej jak ta zewnętrzna.

Abstrakcjonizm concret proponuje zatem autonomiczne formy, które nie są figurami rzeczywistości, lecz same stanowią autonomiczną rzeczywistość, rzeczywistość konkretną. Wśród różnych okładek stworzonych przez autora wyróżniają się numer 357, 361, 367, na których głównymi motywami są podstawowe figury, takie jak kwadraty i prostokąty, ułożone pojedynczo w linie ciągłe. We wszystkich trzech czasopismach obecne są czerń i biel, zestawione odpowiednio z żółtym, kombinacją czerwieni i zieleni oraz szarością, z płaskimi wypełnieniami, które silnie nawiązują do maszyn nieużywanych. Dzięki temu wyrazowi formy zdają się poruszać zawieszone w przestrzeni, jakby były połączone cienkim nylonowym sznurem; jednocześnie jednak wydają się niezależne od siebie, współtworząc pozorny ruch.

Nietrwałość percepcyjna jest zatem poszukiwana przez Munari poprzez zestawienia podstawowych form i przeciwstawnych kolorów podstawowych, dążąc do przekroczenia wszelkich reguł związanych z podporą lub użytymi materiałami. Jednakże, aby zrozumieć wybory artysty, konieczne jest odwołanie się do jego obrazów pozytyw-negatyw. W tych ostatnich każda forma i każda część kompozycji odgrywa pierwszoplanową rolę lub tło, w zależności od interpretacji widza. Obowiązują następujące zasady:

- Za formami materialnymi nie ma już żadnego tła.

- każda forma, która jest w obrazie, ma dokładną wartość kompozycyjną, obraz żyje w każdym punkcie;

- każdy element, który tworzy obraz, musi być uważany za 'podmiot'.

Nie może być postaci umieszczonej na tle.

Strukturyzacja dzieła na podstawie tych zasad powoduje właśnie percepcyjną niestabilność w kompozycji, uzyskaną poprzez sposób, w jaki wyznaczone linie ją dzielą. Powoduje to zanikanie tła względem postaci na pierwszym planie.

Brak tła jest kluczowy dla uzyskania równości i współpłaszczyznowości między kształtami narysowanymi, jak sam artysta wyjaśnia w tekście: „I negativi positivi”.

Linia jest granicą między dwoma równoważnymi formami.

Figura i tło się równoważą.

A i B razem w kwadracie, albo też oddzielnie.

Efekt, który z tego wynika, sprawia, że każda forma tworząca dzieło wydaje się się poruszać, przesuwać do przodu lub do tyłu w przestrzeni optyczno-percepcyjnej widza, tworząc dynamikę chromatyczną, optyczną niestabilność w zależności od tego, jak widz rozważa każdą formę.

W szczególnym przypadku okładki nr 357 czasopisma „Domus” tło jest podzielone na pionowe pasy przez linie z sąsiadujących i nakładających się kwadratów, podczas gdy jest podzielone na poziome pasy przez odstępy między kwadratami w tym samym rzędzie. Jak właśnie wyjaśniono, figura kwadratu jest równie istotna w tym czasopiśmie, co w innych, ponieważ jest podstawowym elementem, za pomocą którego tworzone są formy negatywne i pozytywne; te wydają się być bliżej lub dalej w pierwszym planie, w zależności od tego, co postrzega obserwator, trochę jak na szachownicy (choć w tym przypadku biały i czarny są równoważne, podczas gdy w pozytywach-negatywach występuje dysproporcja przestrzeni i koloru). Kolejnym powodem, dla którego kwadrat odgrywa szczególnie ważną rolę w tworzeniu grafiki, jest fakt, że dzięki swoim cechom strukturalnym zapewnia harmonijny szkielet, na którym można oprzeć konstrukcję artystyczną, co sam Munari uważa za element kluczowy każdego okresu i stylu.

Również interesujący jest wpływ, jaki malarstwo Mondriana wywarło na Munariego, ponieważ wiele z jego cech można odnaleźć również w tych kompozycjach, na przykład:

- obecność form elementarnych;

- asymetria kompozycji.

- obecność dużej ilości pustej przestrzeni i pustki.

Jednak artysta wykracza poza minimalistyczną esencję Mondriana: negatyw-pozytyw jest w istocie bardziej projektem niż malarstwem. W tych nowych dziełach nie ma już poczucia głębi i ekspresji, a kolory są płaskie; dlatego negatyw-pozytyw można "czytać" jako architektury form-kolorów. Koncepcja ta jest podsumowana przez samego Munariego słowami: "Niebieski nie jest niebem, zielony nie jest łąką, choć w nas te kolory wywołują uczucia niebios i łąk. Konkretne dzieło sztuki nie da się już nawet zdefiniować w kategoriach malarstwa, rzeźby itd.: jest to obiekt, który można powiesić na ścianie lub suficie, albo położyć na ziemi. Czasami może przypominać obraz lub rzeźbę (w nowoczesnym sensie), ale nie ma z nimi nic wspólnego".

W tej ostatniej okładce, numer 361, widoczna jest preferencja artysty dla zestawiania kolorów komplementarnych: w tym przypadku czerwonego i zielonego. Ten wybór nie jest przypadkowy, lecz odnosi się do teorii negatyw-pozytywów, ponieważ Munari uważa, że zestawienie kontrastujących elementów może nadać kompozycji szczególną harmonię. Należy również wziąć pod uwagę pasję Munari do kultury orientalnej, z której czerpie koncepcję Yin i Yang, reprezentujących jedność utworzoną przez równowagę dwóch przeciwstawnych, równych i sprzecznych sił. Ta jedność przejawia się w dynamicznym kole składającym się z dwóch form obracających się w przeciwnych kierunkach (czarno-białe). "Yang to siła pozytywna: jest męski, to ciepło, twardość, stanowczość, światło, słońce, ogień, czerwony, podstawa wzgórza, źródło rzeki. Yin to zasada negatywna: jest żeńska, to tajemnicze, miękkie, wilgotne, sekretne, ciemne, efemeryczne, mętne i nieaktywne, to cień północnego wzgórza, ujście rzeki. Yang i Yin występują we wszystkich rzeczach (...). To równowaga przeciwstawnych sił: zmęczenie na przemian z odpoczynkiem, światło z ciemnością, tak z nie."

W siatkówce oka nadmiar czerwonego światła powoduje obrazy zielone (…)” .[6]

Design industriale
Struktura montowana i demontowana w różnych konfiguracjach. Habitacle to struktura mieszkalna, niemal niewidzialne wsparcie dla własnego mikroświata. Waży 51 kilogramów i może pomieścić nawet dwadzieścia osób.
(Bruno Munari, artysta i projektant, 1971)

Pewnego dnia poszedłem do fabryki skarpet, żeby sprawdzić, czy mogą mi zrobić lampę. — My nie robimy lamp, proszę pana. — Zobaczy pan, że będą. I tak się stało.
Bruno Munari, na temat lampy Falkland

Jako wolny strzelec, Munari od 1935 do 1992 roku zaprojektował kilkadziesiąt przedmiotów wyposażenia wnętrz (stoły, fotele, biblioteczki, lampy, popielniczki, taczki, meble modułowe itp.), z których większość powstała dla Bruno Danese. To właśnie w dziedzinie projektowania przemysłowego Munari stworzył swoje najbardziej udane przedmioty, takie jak zabawka małpa Zizi (1953), składana 'rzeźba podróżna' mająca na celu odtworzenie w hotelowych pokojach anonimowego otoczenia estetycznego (1958), stojak na długopisy Maiorca oraz popielniczka Cubo (1958), lampa Falkland, Abitacolo (1971) i lampa Dattilo (1978).

Oprócz projektowania mebli, Munari tworzył także aranżacje witryn (La Rinascente, 1953), zestawienia kolorów dla lakierów samochodowych (Montecatini, 1954), elementy ekspozycyjne (Danese, 1960, Robots, 1980), a nawet tkaniny (Assia, 1982). W wieku 90 lat podpisał swoje ostatnie dzieło, zegarek „Tempo libero” Swatch z 1997 roku.

Książki i grafika wydawnicza
Produkcja wydawnicza Munari obejmuje siedemdziesiąt lat, od 1929 do 1998 roku, i zawiera prawdziwe książki (eseje techniczne, poezję, podręczniki, książki „artystyczne”, książki dla dzieci, teksty szkolne), broszury reklamowe dla różnych przemysłów, okładki, obwoluty, ilustracje, fotografie. We wszystkich jego dziełach obecny jest silny impuls eksperymentalny, który popycha go do eksplorowania nietypowych i innowacyjnych form, począwszy od układu stron, przez książki nieczytelne bez tekstu, aż po hipertekst przed literaturą w dziełach popularyzatorskich, takich jak słynny Artysta i designer (1971). Do jego obszernej twórczości jako autora należy dodać liczne okładki i ilustracje do książek Gianni Rodari, Nico Orengo i innych.

Aby ocenić wpływ, jaki prace projektowe Munariego wywarły na wizerunek kultury we Włoszech, można wziąć za przykład jego działalność dla wydawnictwa Einaudi. Munari stworzył wraz z Max Huber w latach 1962–1972 grafikę dla serii Piccola Biblioteca (z kwadratem w kolorze u góry), Nuova Universale (z czerwonymi pasami poziomymi), Collezione di poesia (z wierszami na białym tle na okładce), Nuovo Politecnico (z czerwonym kwadratem w centrum), Paperbacks (z niebieskim kwadratem w centrum), Letteratura, Centopagine oraz dla serii wielotomowych (Storia d'Italia, Enciclopedia, Letteratura italiana, Storia dell'arte italiana). Wśród innych znaczących osiągnięć graficznych wymienia się Nuova Biblioteca di Cultura oraz Opere di Marx-Engels dla Editori Riuniti, a także dwie serie esejów dla Bompiani.

W 1974 roku, wraz z Bobem Noordą, Pino Tovaglią i Roberto Sambonetem, zaprojektował markę i spójną identyfikację wizualną Regionu Lombardia.

Gry edukacyjne i warsztaty
Zawsze jest jakaś starsza pani, która podchodzi do dzieci, robiąc miny straszne i mówiąc głupoty w nieformalnym języku pełnym ciccì, coccò i piciupaciù. Zazwyczaj dzieci patrzą na te osoby z dużą surowością, bo są one na darmo postarzałe; nie rozumieją, czego chcą, i wracają do swoich gier, prostych i bardzo poważnych.
(Bruno Munari, Arte come mestiere, 1966)

Od 1988 do 1992 roku Munari osobiście współpracował z laboratoriami edukacyjnymi Centrum dla Sztuki Współczesnej Luigi Pecci w Prato, szkoląc personel wewnętrzny, czyli Barbarę Conti i Riccardo Farinelli, którzy kontynuowali i koordynowali laboratoria muzealne aż do 2014 roku, kiedy to kierownictwo Pecci zdecydowało o likwidacji działalności dydaktycznej Munari.

Budowle drewniane „Skrzynka architektoniczna” autorstwa Castelletti (1945)
Zabawki Gatto Meo (1949) i Scimmietta Zizì (1953) dla Pirelli
Od 1959 do 1976 roku, różne gry dla Danese (Proiezioni dirette, ABC, Labirinto, Più e meno, Metti le foglie, Strutture, Trasformazioni, Dillo coi segni, Immagini della realtà)
Le mani guardano (1979), Milano
Pierwsza pracownia dla dzieci w Akademii Sztuk Pięknych w Brerze w Mediolanie (1977)
Laboratorium 'Zabawa z sztuką' w Muzeum Międzynarodowym Ceramiki w Faenzie (1981) we współpracy z Gian Carlo Bojani.
Laboratoria dla dzieci Kodomo no shiro (Zamek dzieci) w Tokio (1985)
Zabawa z sztuką (1987) Palazzo Reale, Mediolan
Giocare con la natura (1988) Muzeum Historii Naturalnej, Mediolan
Gry z sztuką (1988) Centrum Sztuki Współczesnej Luigi Pecci, Prato, warsztaty stałe
Ritrovare l'infanzia (1989) Fiera Milano, Warsztaty dedykowane osobom starszym, Mediolan
Un fiore con amore (1991) Zabawa z Munari w Laboratorium Beba Restelli
Gry z kserokopiarką (1991) Gry z Munari w Laboratorium Beba Restelli
Il 'Libro letto', narzuta z napisem, która jest zarówno książką, jak i łóżkiem (1993) dla Interflex.
Lab-Lib (1992) Zabawa z Munari w Laboratorium Beba Restelli
Zabawa z punktówką (1994) Zabawa z Munari w Laboratorium Beba Restelli
Tablice dotykowe (1995) Zabawa z Munari w Laboratorium Beba Restelli
Nagrody i wyróżnienia
Nagroda 'Compasso d'Oro' Stowarzyszenia Projektowania Przemysłowego (1954, 1955, 1979)
Złoty medal Triennale w Mediolanie za nieczytelne książki (1957)
Nagroda Andersen za najlepszego autora dla dzieci (1974)
Wyróżnienie honorowe od Akademii Nauk w Nowym Jorku (1974)
Nagroda graficzna Targów Bolonia dla dzieci (1984)
Nagroda Fundacji Design Japan, "za intensywną wartość ludzką jego designu" (1985)
Nagroda LEGO za wyjątkowy wkład w rozwój kreatywności u dzieci (1986)
Nagroda 'Spiel Gut' od Ulma (1971, 1973, 1987)
Nagroda Feltrinelli ex aequo za grafikę (1988), przyznana mu przez Accademia dei Lincei.
Tytuł doktora honoris causa w architekturze nadany przez Uniwersytet w Genui (1989)
Członek honorowy Akademii Sztuk Pięknych w Brerze - Nagroda Marconi (1992)
Cavaliere di Gran Croce (1994)
„Compasso d'oro” za osiągnięcia zawodowe (1995)
Członek honorowy Uniwersytetu Harvarda
Bruno Munari w muzeach
Muzeum sztuki MAGA w Gallarate (VA)
MART - Muzeum sztuki nowoczesnej i współczesnej w Trento i Rovereto (prowincja Trento)
Wybrane mostry
Bruno Munari. Wszystko, (2023), redakcja Marco Meneguzzo, Fondazione Magnani-Rocca, Mamiano di Traversetolo, Parma
PataAsemica, (2023), w opracowaniu Duccio Scheggi, Marco Garofalo i Giuseppe Calandriello, Stecca 3, Mediolan.
Bruno Munari, (2022), pod redakcją Manuela Fontána Del Junco, Marco Meneguzzo i Aidy Capa, Fundación Juan March, Madryt
Tra Munari i Rodari, (2020), Palazzo delle Esposizioni, Rzym
XXXV Biennale di Venezia, (1970), Wenecja
XXXIII Biennale di Venezia, 1966, Wenecja
Książki Bruno Munari
Design i komunikacja wizualna
ALBERO
najwolniejszy wybuch
o nasionku
(Bruno Munari, "Fenomeni bifronti", 1993)

Paleta możliwości graficznych, z Ricas - Muggiani wydawnictwo (1935)
Fotokroniki Munari - Domus (1944)
Aneks do słownika włoskiego - Carpano (1958)
Le forchette di Munari - La Giostra (1958)
Odkrycie kwadratu - Scheiwiller (1960)
Teoremy o sztuce - Scheiwiller (1961)
Witryny włoskich sklepów - Edytorial L'ufficio moderno (1961)
Dobry design - Scheiwiller (1963)
La scoperta del cerchio - Scheiwiller (1964)
Arte come mestiere - Laterza (1966)
Design i komunikacja wizualna - Laterza (1968)
Artysta i projektant - Laterza (1971)
Oczywisty kod - Einaudi (1971)
Odkrycie trójkąta - Zanichelli (1976)
Fantasia - Laterza (1977)
Xerografie originali - Zanichelli (1977)
Przewodnik po pracach z drewna - Mondadori (1978)
Z małego zaczyna się coś większego - Laterza (1981)
Laboratorium dla dzieci w Brera - Zanichelli (1981)
Laboratorium dla dzieci w Faenzie w Międzynarodowym Muzeum Ceramiki - Zanichelli (1981)
Ciccì Coccò - FotoSelex (1982)
Pokaz światła - Zanichelli (1984)
I laboratori tattili - Zanichelli (1985)
Direzione sorpresa, con Mario De Biasi - Cordani (1986)
Gry i grafika - gmina Soncino (1990)
Il słownik gestów włoskich - adnkronos libri (1994)
Il castello dei bambini w Tokio - Einaudi (1995)
Przestrzeń do zamieszkania 1968-1996 - Stampa Alternativa (1996)
Supplemento al Dizionario Italiano, Mantova, Włochy, Corraini. (2014)
Księgi badań
W tej kategorii nieliczne książki poetyckie są grupowane razem z wszystkimi tomami 'd'artista' lub innymi niekonwencjonalnymi, często drukowanymi w ograniczonych nakładach lub w edycjach wyłączonych z obiegu.

Nieczytelne książki - Libreria Salto (1949)
Książka nieczytelna nr 8 - (1951)
Książka nieczytelna nr 12 - (1951)
Libro illeggibile n. 15 - (1951)
Niedrukalna książka - (1952)
Nieczytelny kwadratowy druk - Hilversum (1953)
"Sei linie w ruchu" (1958)
Niedrukalna książka nr XXV - (1959)
Niezdatna do czytania książka z wymiennymi stronami - (1960)
Libro illeggibile n. 25 - (1964)
Nieczytelna książka 1966 - Galleria dell'Obelisco (1966)
Nieczytelna książka N.Y.1 - The Museum of Modern Art (1967)
Guardiamoci negli occhi - Giorgio Lucini wydawnictwo (1970)
Nieczytelna książka MN1 - Corraini (1984)
Reguła i przypadek - Mano (1984)
I negativi-positivi 1950 - Corraini (1986)
Munari 80 milimetr ode mnie - Scheiwiller (1987)
Niedrukowalna książka MN1 - Corraini (1988)
Libro illeggibile 1988-2 - Arcadia (1988)
Synchronia przeciwieństw - Corraini (1989)
Alta tensione - Vismara Arte (1990)
Niedrukowalna książka NA-1 - Beppe Morra (1990)
Strappo alla regola - (1990)
Amici della Sincron - Galeria Sincron (1991)
Rito segreto - Laboratorium 66 (1991)
Metamorfoza plastyk - Triennale w Mediolanie (1991)
Na przekór! Esercizi di stile - Corraini (1992)
Nieczytelna książka MN3. Kapryśna Luna - Corraini (1992)
Pozdrowienia i buziaki. Ćwiczenia ucieczki - Corraini (1992)
Viaggio nella fantasia - Corraini (1992)
Myślenie myli pomysły - Corraini (1992)
Przetarte aforyzmy - Pulcinoelefante (1991)
Sprawozdanie pisemne - il melangolo (1992)
Fenomeni bifronti - Etra/Arte (1993)
Nieczytelna książka MN4 - Corraini (1994)
Tablica dotykowa - Alpa Magicla (1994)
Wystawa zbiorowa Bruno Munari - Corraini (1994)
Dorośli i dzieci w nieodkrytych strefach - Corraini (1994)
Najserdeczniejsze życzenia - NodoLibri (1994)
Aforisma - Pulcinoelefante (1994)
Nieczytelna książka MN5 - Corraini (1995)
Il mare come artigiano - Corraini (1995)
Emocje - Corraini (1995)
O torroni - Pulcinoelefante (1996)
Przed rysunkiem - Corraini (1996)
Kim jest Bruno Munari? - Corraini (1996)
Segno & segno - Etra/arte (1996)
Książki dla dzieci
Każda książka jest czytana.
Każdy łóżko nie jest też książką.
(Bruno Munari, w Domus n.760, 1994)

Movo: latające modele i oddzielne części - Grafitalia (1940)
Mondo aria acqua terra - (1940)
„Le macchine di Munari” - Einaudi (1942)
Abecedario di Munari - Einaudi (1942)
Pudełko architektury - Castelletti (1945)
Mai contenti - Mondadori (1945)
L'uomo del camion - Mondadori (1945)
Toc toc - Mondadori (1945)
Il prestigiatore verde - Mondadori (1945)
Historie trzech ptaszków - Mondadori (1945)
Il venditore di animali - Mondadori (1945)
Gigi szuka swojej czapki - Mondadori (1945)
Czym jest zegarek - Wydawnictwo Piccoli (1947)
Czym jest termometr - Edycja Piccoli (1947)
Meo il gatto matto - Pirelli (1948)
Acqua terra aria - Orlando Cibelli Edytor (1952)
W ciemną noc - Muggiani (1956)
L'alfabetiere - Einaudi (1960)
ABC Bruno Munari'ego - World Publishing Company (1960)
Zoo Bruno Munari - Światowa Firma Wydawnicza (1963)
La torta in cielo - Einaudi (1966)
W mgle w Mediolanie - Emme edizioni (1968)
Z daleka była to wyspa - Emme edizioni (1971)
Mały ptaszek Tic Tic, z Emanuele Luzzati - Einaudi (1972)
Cappuccetto Verde - Einaudi (1972)
Cappuccetto Giallo - Einaudi (1972)
Dokąd idziemy?, z Mari Carmen Diaz - Emme edizioni (1973)
Kwiat z miłością - Einaudi (1973)
Kraj z plastiku, z Ettore Maiotti - Einaudi (1973)
Róża w sałatce - Einaudi (1974)
Pantera nera, z Franca Capalbi - Einaudi (1975)
Przykład wielkich, z Florenzio Corona - Einaudi (1976)
Il furbo colibrì, con Paola Bianchetto - Einaudi (1977)
Narysuj drzewo - Zanichelli (1977)
Rysować słońce - Zanichelli (1980)
Przedmioty (12 książek) - Danese (1980)
Czerwony, Zielony, Żółty, Niebieski, Biały - Einaudi (1981)
Tantagente - Muzeum Sztuki Współczesnej (1983)
Kawka straciła dziób, z Giovanni Belgrano - Danese (1987)
Baśń baśni - Publi-Paolini (1994)
La rana Romilda - Corraini (1997)
Żółwy czarodziej - Corraini (1997)
Dobranoc wszystkim - Corraini (1997)
Cappuccetto bianco - Corraini (1999)
Książki do szkoły
Tec 90 - Minerva Italica (1990)
Oko i sztuka - Ghisetti i Corvi (1992)
Metody, modele i techniki - Minerva Italica (1993)
Dźwięki i pomysły na improwizację - Ricordi (1995)
Modulart - Atlas (1999)
Reklama i przemysł
Linoleum, z Ricas - Spółka zajmująca się linoleum (1938)
Wiedza jest w nici - Bassetti (1964)
Xerografia - Rank Xerox (1972)
Alfabeto Lucini - Lucini (1987)
Occhio alla luce - Osram (1990)
Film o Bruno Munari
La collina del cinema - Andrea Piccardo (1995)
W studiu z Munari - Andrea Piccardo (2007)
Album muzyczny dla Bruno Munari
Opera naprawiona. Hołd dla Bruno Munari (2012) - Filippo Paolini alias Økapi i Aldo Kapi Orchestra
Kolektyw muzyków z Turynu, 'Lastanzadigreta', w 2020 roku wydał album 'Bezużyteczne maszyny', zainspirowany bezużytecznymi maszynami Munariego.