Alessandro Padovan (1983) - BERNARD AUBERTIN

Dzieło artysty Alessandro Padovanego, słynnego na całym świecie z jego techniki Screw Art.
Dzieło jest ozdobione szkłem klejnotowym z plexiglass.

To dzieło wpisuje się w dialog z radykalną monochromią Bernarda Aubertina, reinterpretując jego język poprzez materię przemysłową.
Absolutna czerwień – kolor tożsamości i totalizujący – nie jest tu jedynie powierzchnią, lecz polem energetycznym. Podobnie jak u Aubertina, monochromia staje się przestrzenią mentalną, czystym napięciem, duchową wibracją. Jednak zamiast ognia i spalania, mamy śrubę: element mechaniczny, modul- ary, seryjny.
Śruby wyłaniają się z planu niczym dynamiczny splot, tworząc rytm wizualny, który łamie dwuwymiarowość i przemienia czerwień w terytorium przenikane przez siły. Jeśli Aubertin palił materię, aby uwolnić jej istotę, tutaj materia jest wkręcana, przepreparowywana, budowana. To gest przeciwny, lecz koncepcyjnie zbliżony: akt radykalny na monochromię.
Przezroczysta szklarniowa osłona izoluje i chroni, przekształcając dzieło w współczesną relikwię. Czerwień to nie tylko kolor, lecz doświadczenie immersyjne; nie tylko powierzchnia, lecz napięcie między porządkiem a impulsem, między kontrolą mechaniczną a emocjonalną wibracją.
Z tej perspektywy dzieło jawi się jako ewolucja monochromii: od ognia po śrubę, od energii destrukcyjnej do konstruktywnej, zachowując nienaruszoną siłę absolutu czerwieni.

Dzieła tego współczesnego artysty wpisują się w tradycję Pop Art, Screw Art, sztuki koncepcyjnej i sztuki miejskiej, nawiązując pod względem języka wizualnego i oddziaływania kulturowego do pracy takich gigantów jak Andy Warhol, Jean‑Michel Basquiat, Banksy, Jeff Koons, Keith Haring, Fontana, Imbue, obey, Padovan, Schifano, Nicole Lubbers, Bani, kev munday invader, murakami i Damien Hirst.
Jednocześnie poszukiwanie artystyczne dialoguje z wyobrażeniem luksusu, ikonowej mody i globalnego designu, przywołując symbole sakralne i marki powszechnie rozpoznawalne jak Louis Vuitton, Gucci, Chanel, Hermès, Rolex, Ferrari, Porsche, Lamborghini.
Dzieła nie są replikami ani oficjalnymi współpracami z artystami czy markami wymienionymi powyżej, lecz oryginalnymi kreacjami, realizowanymi w osobistym stylu, który odzwierciedla krytykę i ponowne odczytanie konsumpcjonizmu, wartości symbolicznej marki i sztuki jako współczesnego przedmiotu kultury.
To podejście sprawia, że dzieła cieszą się szczególnym uznaniem kolekcjonerów i miłośników sztuki współczesnej, luksusowej Pop Art, sztuki ulicznej koncepcyjnej oraz sztuki inspirowanej wielkimi kultowymi markami, zachowując przy tym silną autonomiczną tożsamość artystyczną.