Mateo Orduña Castellano (1915-1989) - Bodegón

Urodził się w wiosce gminy Almoster la Real (Huelva) w rodzinie o skromnych zasobach. Będąc stypendystą Ministerstwa Oświaty Publicznej i Sztuk Pięknych, w 1932 r. przeniósł się do Huelvy, aby wejść do Akademii Sztuk Pięknych w Huelvie, kierowanej przez malarza z Malagi José Fernández Alvarado, będącego wówczas dyrektorem Muzeum Sztuk Pięknych miasta. Po śmierci Fernández Alvarado w 1935 r. Akademia utraciła także nadzieje młodego Orduñi, mimo wysiłków Brunta na kontynuację aż do 1936 r. oraz następnie Pedra Gómeza i Enriqueta García Orty. Od tego momentu Orduña lawił życie w obliczu dramatycznych wydarzeń, które zaciemniały Hiszpanię. Po zakończeniu wojny domowej i porzuceniu pracy biurowej poświęcił się zawodowo malarstwu.
W 1942 r. odniosł pierwsze sukcesy na wystawie Sztuka i Odpoczynek, zdobywając pierwszą nagrodę. Od 1944 r. prezentował prace w Huelvie, Sewilli, Bilbao i Jacecie: Orduña porzucił surowość klasycznego malarstwa, z nastrojami septywnymi, ascetyczność, a także swoją depcję wobec realistycznych nauk swojego mistrza Fernández Alvarado, aby zanurzyć się w wolności impresjonistycznej, w duchu Sorolli.
Idea podróżowania, zdobywania światów i poznawania – kwestia niełatwa w powojennej Huelvie – doprowadziła do krótkiego, lecz intensywnego okresu poszukiwań, definicji ludzkiej i artystycznej. Między 1949 a 1953 rokiem Orduña zdefiniował swoje znaczenie malarskie poprzez energetyczny spektakl światła i koloru, będący matrycą jego twórczości, oraz ogromną siłę ekspresyjną z wyraźnym nawiązaniem do ostatniego Goi.
Przez dwadzieścia lat, czyli od 1954 do 1974 r., ukształtowało się jego dojrzałe dzieło, noszące charakterystyczną własną pieczę. Po wystawach w Gijón, Madrycie, Tangerze, Tetuanie, Gibraltarze, Jerez de la Frontera, Sewilli i Barcelonie, z wielkim sukcesem krytycznym i publicznym, Orduña powrócił do Huelvy ze „stodą” wielkiego malarza i wraz z tym uznaniem jego społeczeństwa, co pomogło mu być uznanym za „malarza Huelvy”, ponad takimi nazwiskami jak Pedro Gómez, García Vázquez, Labrador, Vázquez Díaz czy Caballero.
Podróżował do Szwajcarii, gdzie poznał twórczość Vieira da Silvy i Nicolasa Staëla, oraz do Włoch, kraju, w którym przebywał przez kilka miesięcy. W 1965 r. wyjechał do Nowego Jorku i nie wrócił, dopóki w 1968 r. nie nastąpiła krótka przerwa wystawiennicza w Portoryko. To rozległe okres charakteryzował się wewnętrzną refleksją przy ocenianiu i postrzeganiu natury i ludzi, gdzie wszystko koncentrowało się wokół kompozycji agresywnej, szorstkiej i gorączkowej, a jednocześnie bardzo eleganckiej, z jasnym rozwojem ekspresjonizmu, który w niektórych momentach zbliżał się do abstrakcji.
Od 1973 r. jego twórczość nabrała głębokości i ciszy, porzucił plastyczne i życiowe niepokoje dawnych lat. Wówczas widać wpływ Cézanne’a i bardziej konkretnego Vazquéza Díaz, choć w pewnych momentach malarz z Huelvy poszukuje nowych plastycznych natchnień, idących od Sevillskiego poetyckiego realizmu po surrealistyczny meta-realistyczny.
Po jego śmierci sztuka Huelvy straciła być może najbardziej niespokojnego i nieprzewidywalnego malarza. Przekładał niemal wszystkie języki plastyczne pierwszej połowy XX wieku, nie raniąc przy tym przedstawiania obiektów i ich osobistych kolorystycznych i kompozycyjnych śladów.