Anton Kaestner - #437 - XL - " Fade ".

Jedyny w swoim rodzaju, oryginalny obraz Anton Kaestner, prosto z warsztatu.
#437 - „Fade” - rozmiar XL.
Duży format.

Akrylowe sprayem na 3 mm płycie z pleksiglasu.
Ten obraz nie jest reprodukcją. Jest to dzieło namalowane wielowarstwowo farbą i/lub sprayem, którego błyszczące wykończenie „glossy” przypominające zastosowanie żywicy jest unikalne.

Podczas licytacji prosimy wziąć pod uwagę, że to dzieło w bardzo dużym formacie zostanie dostarczone oprawione w czarną matową ramę, gotowe do powieszenia. Wartość samej ramy to 140€ brutto.

Wymiary: cali 32,3 x 32,3 x 0,12 / 82 x 82 x 0,3 cm bez ramy.
Obraz ten jest sprzedawany z ramą aluminiową marki niemieckiej Nielsen, wykończenie dąb (cal 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm), lub inną z tej samej serii do wyboru nabywcy.

Dzieło podpisane na odwrocie.
Towarzyszy Certyfikat Autentyczności.
Dostawa objęta ubezpieczeniem.

Anton Kaestner to malarz, rzeźbiarz i autor z Szwajcarii, mieszkający w Paryżu. Jego prace są eksponowane w całej Europie, w Szwajcarii i w Dubaju. Więcej informacji i wybór na www.antonkaestner.com.

Następna wystawa indywidualna – Genewa, styczeń 2027.

"Biografia

Urodzony w Genewie, Szwajcaria, dorastałem otoczony naturalnym pięknem i bogactwem kulturowym mojego kraju. Kreatywność była ceniona w mojej rodzinie, a to mój zmarły dziadek, rzemieślnik i artysta, wywarł wpływ na to, co ostatecznie stało się pasją mojego życia.
W 1993 roku zacząłem malować prywatnie, eksperymentując z niezliczonymi akrylami w notesach A4, a następnie A3. Najpierw przyciągnęła mnie abstrakcyjna malarska ekspresja. Z czasem, choć uważam się za ateistę, rozwinąłem też upodobanie do duchowych materiałów, które rezonowały z moim badaniem ludzkiej egzystencji, melancholii i głębszych praw natury i życia.
Jednak droga do prawdziwego zostania artystą nie była natychmiastowa.
Przez ponad trzy dekady prowadziłem międzynarodową karierę biznesową, która przyniosła mnie po całym świecie, od Stanów Zjednoczonych po Maroko, Belgii, przez Azję i Francję. Moje podróże poszerzyły perspektywę, umożliwiając kontakt z różnorodnymi wpływami kulturowymi. Gdziekolwiek byłem, zanurzałem się w lokalnych scenach artystycznych i angażowałem w twórczą energię każdego miejsca.
Pomimo skupienia na karierze biznesowej, sztuka zawsze była częścią mnie, cicho tliła się pod powierzchnią. Przez prawie 30 lat malarstwo stało się dla mnie formą sekretnej medytacji – sposobem na oderwanie się od świata i skupienie na swoim wnętrzu.
Zawsze czerpałem ogromną satysfakcję z malowania. Każde nowe dzieło to podróż, w której mogę testować swoją kreatywność, eksplorować nowe techniki i przeżywać prawdziwe doświadczenia. Poprzez sztukę zawsze miałem nadzieję ofiarować innym szczere spotkanie z pięknem, możliwość zobaczenia świata z innej perspektywy i refleksję nad własnym życiem.
W 2021 roku, po przejściu na emeryturę z kariery biznesowej, całkowicie poświęciłem się malarstwu. Założyłem studio w Paryżu i zacząłem całkowicie poświęcać się sztuce. Do końca 2023 roku uruchomiłem swoją publiczną karierę artystyczną i, ku mojemu zaskoczeniu, moja praca szybko zyskała uznanie, trafiając do prywatnych kolekcji w całej Europie, zwłaszcza we Francji, Portugalii, Niemczech i Holandii.

Artystyczne CV

Moja pierwsza solo wystawa, „Échos”, z końca 2024 roku w Paryżu, ukazała charakterystyczne podejście do sztuki z dala od tradycyjnych technik malarskich: maluję akrylami, metalicznymi pigmentami i sprayami na odwrocie przetworzonego pleksiglasu ekstrudowanego, lekkiej, gładkiej, błyszczącej i czasem kruchiej powierzchni.
Ten proces uniemożliwia mi widok dzieła w trakcie tworzenia. Nie mam wizualnego feedbacku ani kontroli podczas procesu – coś, co akceptuję. Pozwalam na „losowe eksperymenty” - wszystko, co pozwala osłabić racjonalne myślenie! – kierować wynikiem, warstwami i efektami lustra, które tworzę, pozostawiając miejsce na objawienie i odkrycie po ostatecznym wyeksponowaniu pracy. To podejście, które wybrzmiewa jak proces revelation/fiksation fotografii, jest wyzwalające i uwalniające. Wartości kompozycji wzbogacone są przez warstwy i przezroczystości, nadając każdemu dziełu „ascetyczną” jakość: cieszę się, gdy rozpoznaję „niezbywalne potrzeby”, tj. to, co prawdopodobnie odkryjemy, gdy zatrzymamy się w ciszy i świetle.
Utrzymuję mój podejście celowo proste. Ani „emocja”, ani „teoretyczne pojęcie”, lecz doświadczenie bycia. Ani „szybkie konsumowanie”, ani „intelektualizacja / intelektualne posiadanie”, lecz poszerzanie świadomości i eksploracja rzeczywistości, jej widzialnych i niewidzialnych historii; moje sztuka to poszukiwanie „ życia w samym sercu życia”, „le vif”, jak to ujął francuski mistrz SF, Alain Damasio.
Choć moja praca czasem może przywodzić na myśl przejrzystość i luminescję witraża, pozostaje niemal całkowicie abstrakcyjna. Co więcej, pleksiglas nadaje obrazowi migoczącą skórę, w której można dostrzec swoją sylwetkę, różną dla każdego nowego widza. Każde dzieło działa jak dyskretne lustro: żyje, zmienia się, widzi.
Wzajemne oddziaływanie światła, koloru i faktury, a także brakujących części, wymaga jedynie empatii. Mam nadzieję, że gra między „szczegółami do zbliżenia” a „odległością dla całości” zachęci widzów do własnych duchowych podróży w głąb siebie.
Nie twierdzę, że mam wszystkie odpowiedzi, i chcę pozostać pokorny wobec tego, co można osiągnąć. Po prostu czerpię satysfakcję z nieustannego zadawania pytań i rozwoju. Każde nowe dzieło to konfrontacja z moimi ograniczeniami, która zmusza mnie do doskonalenia swoich umiejętności i dalszego poszukiwania, co mogę osiągnąć. Malarstwo dla mnie to codzienny rzemiosło, eksploracja, sposób na pobudzanie znaczących rozmów.

Jak powiedziałby Jean Bazaine: „Codzienna praktyka potęguje pasję do widzenia.”

Anton Kaestner