VANTA - Flare II - NO RESERVE

Flare
Flare to seria obrazów eksplorująca nagły wybuch światła — krótki, błyszczący moment, gdy kolor wydaje się rozszerzać z centrum i na chwilę przejmuje powierzchnię. Każde dzieło koncentruje się na promiennym rdzeniu, który wydaje się rozgałębiać w otaczającej przestrzeni, błysk ciepła uchwycony w ruchu, spokojnie trzymany na płótnie. Obrazy zachowują się mniej jak statyczne obrazy, a bardziej jak momenty iluminacji — intymny, ręcznie wykonany odpowiednik immersyjnych, luminescencyjnych środowisk eksplorowanych w sztuce współczesnej i projektowaniu wnętrz.

Dzieła prowadzą dialog z badaniami Jamesa Turrella nad przestrzenią percepcyjną i czerpią z chromatycznych pól Marka Rothko, nasyconych immersji Yvesa Klein, atmosferycznych instalacji Olafuura Eliassona, pigmentowej pracy Anisha Kapoora, medytacji koloru Josefa Albera oraz delikatnych gradientów abstrakcyjnych fotogramów Wolfganga Tillmansa — artystów, dla których kolor, krawędź i przejście niosą ciężar, jaki gdzie indziej niesie linia i forma. Część dziedzictwa stanowią również geometrii fluorescencyjne Dana Flavina i perceptualne prace świetlne Roberta Irwina — gałąź twórców zainteresowanych światłem jako materiałem samym w sobie, współgrająca z szerszym modernistycznym podejściem projektowym opartym na teorii koloru Bauhausu i skandynawskim minimalizmie.

Każde płótno to praca akrylem na płótnie o wymiarach 140 × 100 cm, ułożone w cienkich, żywych polach. Szeroki pędzel przeciąga po powierzchni jednym, powtarzanym ruchem, aż pigment rozrzedzi się do niemal przezroczystości, pozwalając bieli płótna widocznej spod niej świecić. Pod pewnym oświetleniem obrazy przestają być czytane jako farba i wydają się być oświetlone od wewnątrz, przybierając niemal luminescencyjny, lampowy charakter, który zmienia się w trakcie dnia. Gruba warstwa ochronnego lakieru wykańcza każde dzieło błyszczącą, refleksyjną skórką, która pogłębia wrażenie patrzenia na powierzchzę, a nie w nią — archiwalne wykończenie odpowiednie do długoterminowej kolekcji i prezentacji w nowoczesnych wnętrzach, niezależnie od tego, czy to prywny dom, designowy, czy galeryjny.

Flare to seria o momencie przybycia — kolor wyrzucany na zewnątrz ze źródła, światło uchwycone w szczycie swojego rozkwitu, cicha dramaturgia odcienia sięgania do granicy własnej jasności.

Wysyłka:
Dzieło dostarczane bez ramy (profesjonalne opakowanie, zwinięte w tubie). Można łatwo ponownie naciągnąć przez profesjonalistę lub samodzielnie; to również tańsze niż zastrzeżony wzrost kosztów wysyłki przy wysyłce rozciąganych obrazów.

Wymiary podane odnoszą się do obrazu naciągniętego i zamontowanego na ramie (Rzeczywiste wymiary płótna są większe, by umożliwić montaż na ramie o grubości 2–4 cm).

Zastrzeżenie:
Zdjęcia procesu dołączone do oferty pokazują studia i prace w toku, a także zbliżenia ukazujące strukturę płótna.

VANTA
VANTA to młoda austriacka artystka, której praktyka nie definiuje się przez charakterystyczny temat, lecz przez nieustanny, niemal obsesyjny pęd do eksperymentów w różnych mediach. Malarstwo, mieszane media, eksperymenty rzeźbiarskie i testy materiałowe przechodzą przez studio równolegle — każda nowa seria pojawia się jako odpowiedź na konkretne pytanie, jak daleko można pchnąć ideę, zanim stanie się czymś zupełnie innym.

Mieszka w Wiedniu, VANTA brała udział w najważniejszych współczesnych wydarzeniach sztuki w mieście, w tym Viennacontemporary oraz Parallel Vienna art fair, a także prezentacjach międzynarodowych w Budapeszcie Contemporary i Contemporary Istanbul. Stylowo prace nie chcą zostać w jednym miejscu: odważna, wysoka kontrastowa abstrakcja czarno-biała stoi obok figuratywnych, anatomicznych obrazów olejnych, cichych kompozycji koloru, atmosferycznych gradientów i płynnych prac tuszem — zestawy prac, które na pierwszy rzut oka wydają się należeć do różnych artystów, lecz mają wspólny wątek: dążenie do very określonego obrazu trzymanego w umyśle i poszukiwanie precyzyjnego procesu materiałowego, który przyniesie go do świata.

Zamiast przyjmować rozpoznawalny styl, VANTA traktuje każdą serię jako samodzielne dochodzenie. Jedna część prac może badać próg, w którym pigment rozpuszcza się w czystą luminosość; inna tworzy gęste pola poziomych kolorów poprzez ręcznie wycinane szablony i warstwowy akryl; kolejna zwraca się ku ludzkiej postaci w oleju albo rozpuszcza się w luźnych, nieprzewidywalnych gestach tuszu. Co łączy je, to sam proces — dyscyplina dążenia do ideału od wyobraźni ku powierzchni oraz gotowość do wynalezienia dowolnej techniki, której to poszukiwanie wymaga.

W centrum praktyki stoi proste, uporne pytanie: jak blisko wyprodukowany obiekt może być pierwszemu, widzianemu w umyśle rzeczowi? Każda seria to kolejna próba odpowiedzi.