VANTA - Flare IX - NO RESERVE

Flare
Flare to cykl obrazów badający nagły wybuch światła — krótki, błyskotliwy moment, gdy kolor wydaje się rozszerzać z centrum i na chwilę przejmować powierzchnię. Każde dzieło koncentruje się na promiennym rdzeniu, który wydaje się rozszerzać w przestrzeń wokół niego, błysk ciepła uchwycony w ruchu, spokojnie utrzymany na płótnie. Obrazy zachowują się mniej jak statyczne obrazy, a bardziej jak momenty oświecenia — intymny, ręcznie wykonany odpowiednik immersyjnych, świetlistych środowisk eksplorowanych w sztuce współczesnej i designie wnętrz.

Dzieła są w dialogu z badaniami Jamesa Turrella nad przestrzenią postrzeganą, czerpią z pól chromatycznych Marka Rothko, nasyconych immersji Yves’a Klein’a, atmosferycznych instalacji Olafuura Eliassona, pigmentowych prac Anisha Kapoora, medytacji koloru Josefa Albersa i miękkich gradientów abstrakcyjnych fotogramów Wolfganga Tillmansa — artystów, dla których kolor, krawędź i przejście niosą ciężar, który gdzie indziej nosi linia i forma. Część z fluorescencyjnych geometrii Dana Flavina i perceptualnych prac świetlnych Roberta Irwina również spoczywa w tle serii — genealogia twórców zainteresowanych światłem jako materiałem samym w sobie, obok szerszego nowoczesnego zmysłu projektowania osadzonego w teorii koloru Bauhausu i skandynawskim minimalizmie.

Każde płótno jest malowane farbą akrylową na płótnie o wymiarach 140 × 100 cm, ułożone w cienkie, żywe pola. Szeroki pędzel przeciąga się po powierzchni jednym powtarzanym ruchem, aż pigment rozrzedza się do niemal przezroczystości, pozwalając bieli płótna świecić od środka. Pod określonym oświetleniem obrazy przestają być odbierane jako farba i wydają się świecić od środka, nabierając niemal luminescencyjnego, lampowego charakteru, który zmienia się w ciągu dnia. Gruba, ochronna warstwa lakieru wykańcza każde dzieło błyszczącą, odbijającą skórką, która pogłębia wrażenie patrzenia w głąb, a nie na powierzchnię — archivalne wykończenie przystosowane do długoterminowej kolekcji i prezentacji w nowoczesnych wnętrzach, czy to w domu prywatnym, przestrzeni projektowej, czy w galerii.

Flare to seria o momencie nadejścia — kolor rośnie na zewnątrz ze źródła, światło uchwycone w szczycie swojego rozkwitu, cicha drama odcienia się ku krawędzi własnej jasności.

Wysyłka:
Dzieło dostarczane bez ramy (profesjonalne zapakowanie, zwinięte w tubę). Można łatwo ponownie naciągnąć przez profesjonalistę lub samodzielnie, co jest również tańsze niż wyższy koszt wysyłki przy wysyłce obrazów naciągniętych na ramę.

Wymiary podane odnoszą się do obrazu naciągniętego i zamontowanego na ramie (faktyczne wymiary płótna są większe, aby umożliwić zamontowanie na ramie o grubości 2–4 cm).

Zastrzeżenie:
Zdjęcia procesu w zestawie pokazują studia i prace w trakcie tworzenia, a także zbliżenia ukazujące strukturę płótna.

VANTA
VANTA to młoda austriacka artystka, której praktyka nie jest definiowana przez jeden podpisany temat, lecz przez nieustanną, prawie obsesyjną potrzebę eksperymentowania w różnych mediach. Malowanie, mieszane media, eksperymenty rzeźbiarskie i testy materiałowe przechodzą przez studio równocześnie — każda nowa seria pojawia się jako odpowiedź na konkretne pytanie o to, jak daleko można pchnąć ideę, zanim stanie się ona czymś zupełnie innym.

Z siedzibą w Wiedniu, VANTA brała udział w najważniejszych wydarzeniach sztuki współczesnej w mieście, w tym Vienna Contemporary i Parallel Vienna, a także prezentacjach międzynarodowych w Budapeszcie na Budapest Contemporary i Contemporary Istanbul. Stylowo prace nie chcą stać w miejscu: odważna, kontrastowa czarna i biała abstrakcja obok figuratywnych olejnych malowideł anatomicznych, spokojnych kompozycji pól kolorowych, atmosferycznych gradientów i płynnych prac z tuszem — zbiory, które na pierwszy rzut oka wydają się należeć do różnych artystów, lecz łączą wspólny wątek: dążenie do bardzo konkretnego obrazu utrzymanego w umyśle i poszukiwanie dokładnego procesu materialnego, który przyniesie go na świat.

Zamiast osiedlać się w rozpoznawalnym stylu, VANTA traktuje każdą serię jako własne, samodzielne dochodzenie. Jedna seria może badać próg, na którym pigment rozpuszcza się w czystej jasności; inna może tworzyć gęste pola koloru poziomego za pomocą ręcznie wycinanych szablonów i warstwowych warstw akrylu; jeszcze inna może zwracać się ku postaci ludzkiej w oleju lub rozpuszczać się w luźnych, nieprzewidywalnych gestach tuszu. To, co je łączy, to sam proces — dyscyplina dążenia idei od wyobraźni do powierzchni i gotowość wynalezienia dowolnej techniki, którą to poszukiwanie wymaga.

W centrum praktyki stoi proste, uporne pytanie: jak blisko może stać się wykonany przedmiot do pierwszego wyobrażonego w umyśle? Każda seria to kolejna próba odpowiedzi.