VANTA - Core VII - NO RESERVE
07
dni
12
godziny
22
minuty
04
sekundy
Aktualna oferta
€ 83
Bez ceny minimalnej
 | € 83 | |
|---|---|---|
 | € 80 | |
| € 61 | |
Ochrona nabywców Catawiki
Twoja płatność jest u nas bezpieczna, dopóki nie otrzymasz przedmiotu.Zobacz szczegóły
Trustpilot: 4.4 | opinie: 139556
Doskonała ocena na Trustpilot.
Oryginalne dzieło VANTA w technice mieszanej, Core VII - NO RESERVE, ręcznie podpisane, 140 × 100 cm, Austria, 2020+, sprzedawane bezpośrednio przez artystę, w doskonałym stanie.
Podsumowanie wspomagane sztuczną inteligencją
Opis od sprzedawcy
Core
Core to seria obrazów badająca gęste centrum światła — skondensowane serce luminescencyjnej formy, gdzie kolor gromadzi się najintensywniej, zanim zacznie promieniować na otaczające, łagodniejsze tło. Każde dzieło koncentruje się na głębokim, nasyconym rdzeniu, który wydaje się utrzymywać własną wagę na płótnie, tworząc ciało barwnika przyciągnięte do środka, aż wydaje się prawie stałe, zanim stopniowo uwalnia się w światło otaczające je.
Dzieła prowadzą rozmowę z badaniami Jamesa Turrella nad przestrzenią percepcyjną i odwołują się do chromatycznych pól Marka Rothko, nasyconych immersji Yvesa Kleina, atmosferycznych instalacji Olafura Eliassona, pigmentowej pracy Anisha Kapora, medytacji koloru Josefa Albersa oraz miękkich gradientów abstrakcyjnych fotogramów Wolfganga Tillmana — artystów, dla których kolor, krawędź i przejście noszą ciężar, jaki w innych proporcjach noszą linia i forma. Czegoś z fluorescencyjnych geometrii Dana Flavina i perceptualnych prac świetlnych Roberta Irwina — spójny wątek twórców zainteresowanych samą światłem jako materiałem — obok szerszej nowoczesnej wrażliwości projektowej zakorzenionej w teorii koloru Bauhausu i skandynawskim minimalizmie.
Każde dzieło wykonane wyłącznie farbą akrylową na płótnie, przy użyciu własnoręcznie zaprojektowanego urządzenia malarskiego — układu luźno inspirowanego starym sprzętem do sitodruku, choć nie używa się tu żadnej siatki ani procesu drukowania. Początkowa kompozycja powstaje poprzez ręcznie wycinane plastiki szablonów w prostych kształtach geometrycznych — koła, owalne, prostokąty — użyte do bezpośredniego naniesienia na płótno pierwszych pól nasyconego koloru. Następnie praca wraca do tego samego, DIY-owego aparatu, gdzie system miękkich pędzli porusza się pionowo i poziomo po powierzchni, mieszając i dopracowując malowane obszary przez wiele mechanicznych przesunięć. Efekt powstaje powoli, warstwa po warstwie, aż krawędzie początkowych kształtów całkowicie się zaokrąglą, a pigment rozcieńczy się do niemal przezroczystości, pozwalając bieli płótna spod spod świecić. Pod pewnym oświetleniem malowidła przestają być postrzegane jako farba i wydają się świecić od środka, nabierając niemal lampowego, świetlnego charakteru, który zmienia się w ciągu dnia.
Gruba ochronna warstwa lakieru wykańcza każde dzieło błyskiem, odbijającą skórkę, która pogłębia wrażenie patrzenia w głąb, a nie na powierzchnię — archiwalne wykończenie odpowiednie do długoterminowej kolekcji i prezentacji w nowoczesnych wnętrzach, niezależnie od tego, czy w prywatnym domu, w przestrzeni designerskiej, czy w galerii.
Wysyłka:
Dzieło dostarczane bez ramy (profesjonalne opakowanie, zwinięte w tubę). Można je łatwo ponownie naciągnąć przez profesjonalistę lub samodzielnie; jest to również tańsze niż zwiększone koszty wysyłki przy wysyłce obrazów naciągniętych.
Wymiary podane odnoszą się do malowidła rozciągniętego i zamocowanego w ramie (rzeczywiste wymiary płótna są większe, aby umożliwić zamocowanie w ramie o grubości 2–4 cm).
Zastrzeżenie:
Na liście zamieszczone są zdjęcia procesów, które pokazują studia i prace w trakcie tworzenia, a także zbliżenia pokazujące strukturę płótna.
Historie sprzedawców
VANTA to młody austriacki artysta, którego praktyka nie jest zdefiniowana raczej przez jeden stały motyw, lecz przez nieustanny, niemal obsesyjny pęd do eksperymentowania między mediami.
Malarstwo, techniki mieszane, eksperymenty rzeźbiarskie i testy materiałów przechodzą przez studio równolegle — każda nowa seria pojawia się jako odpowiedź na konkretne pytanie o to, jak daleko da się posunąć ideę, zanim stanie się czymś zupełnie innym.
Based in Vienna, VANTA has exhibited at some of the city's most prominent contemporary art events, including Viennacontemporary and the Parallel Vienna art fair, alongside international presentations at Budapest Contemporary and Contemporary Istanbul.
Stylowo prace nie chcą stać w miejscu: odważna, wysokokontrastowa abstrakcja czarno-biała stoi obok figuratywnych, antycznych olejnych malowideł, cichych kompozycji pól koloru, nastrojowych gradientów i płynących prac z tuszu — zbiory prac, które na pierwszy rzut oka wydają się należeć do całkiem różnych artystów, a jednak łączą je wspólna nić: poszukiwanie bardzo konkretnego obrazu, który utrzymuje się w umyśle, oraz poszukiwanie dokładnego procesu materiałowego, który przyniesie go do świata.
Zamiast dążyć do rozpoznawalnego stylu, VANTA traktuje każdą serię jako własne, samodzielne dochodzenie. Jedna grupa prac może badać próg, na którym pigment rozpuszcza się w czystej jasności; inna może budować gęste pola koloru w poziomie za pomocą ręcznie wycinanych szablonów i warstw malarskich akrylu; jeszcze inna może zwrócić się ku ludzkiej postaci w oleju lub rozpaść się w luźnych, nieprzewidywalnych gestach tuszu.
To, co je łączy, to sam proces — dyscyplina, by gonić ideę od wyobraźni ku powierzchni, oraz gotowość do wynalezienia wszelkiej techniki, której to przedsięwzięcie wymaga.
W sercu praktyki stoi proste, uparte pytanie: jak blisko zrobiony przedmiot może być do rzeczy, która została najpierw wyobrażona w umyśle? Każda seria jest kolejną próbą odpowiedzi.
Przetłumaczone przez Tłumacz GoogleCore
Core to seria obrazów badająca gęste centrum światła — skondensowane serce luminescencyjnej formy, gdzie kolor gromadzi się najintensywniej, zanim zacznie promieniować na otaczające, łagodniejsze tło. Każde dzieło koncentruje się na głębokim, nasyconym rdzeniu, który wydaje się utrzymywać własną wagę na płótnie, tworząc ciało barwnika przyciągnięte do środka, aż wydaje się prawie stałe, zanim stopniowo uwalnia się w światło otaczające je.
Dzieła prowadzą rozmowę z badaniami Jamesa Turrella nad przestrzenią percepcyjną i odwołują się do chromatycznych pól Marka Rothko, nasyconych immersji Yvesa Kleina, atmosferycznych instalacji Olafura Eliassona, pigmentowej pracy Anisha Kapora, medytacji koloru Josefa Albersa oraz miękkich gradientów abstrakcyjnych fotogramów Wolfganga Tillmana — artystów, dla których kolor, krawędź i przejście noszą ciężar, jaki w innych proporcjach noszą linia i forma. Czegoś z fluorescencyjnych geometrii Dana Flavina i perceptualnych prac świetlnych Roberta Irwina — spójny wątek twórców zainteresowanych samą światłem jako materiałem — obok szerszej nowoczesnej wrażliwości projektowej zakorzenionej w teorii koloru Bauhausu i skandynawskim minimalizmie.
Każde dzieło wykonane wyłącznie farbą akrylową na płótnie, przy użyciu własnoręcznie zaprojektowanego urządzenia malarskiego — układu luźno inspirowanego starym sprzętem do sitodruku, choć nie używa się tu żadnej siatki ani procesu drukowania. Początkowa kompozycja powstaje poprzez ręcznie wycinane plastiki szablonów w prostych kształtach geometrycznych — koła, owalne, prostokąty — użyte do bezpośredniego naniesienia na płótno pierwszych pól nasyconego koloru. Następnie praca wraca do tego samego, DIY-owego aparatu, gdzie system miękkich pędzli porusza się pionowo i poziomo po powierzchni, mieszając i dopracowując malowane obszary przez wiele mechanicznych przesunięć. Efekt powstaje powoli, warstwa po warstwie, aż krawędzie początkowych kształtów całkowicie się zaokrąglą, a pigment rozcieńczy się do niemal przezroczystości, pozwalając bieli płótna spod spod świecić. Pod pewnym oświetleniem malowidła przestają być postrzegane jako farba i wydają się świecić od środka, nabierając niemal lampowego, świetlnego charakteru, który zmienia się w ciągu dnia.
Gruba ochronna warstwa lakieru wykańcza każde dzieło błyskiem, odbijającą skórkę, która pogłębia wrażenie patrzenia w głąb, a nie na powierzchnię — archiwalne wykończenie odpowiednie do długoterminowej kolekcji i prezentacji w nowoczesnych wnętrzach, niezależnie od tego, czy w prywatnym domu, w przestrzeni designerskiej, czy w galerii.
Wysyłka:
Dzieło dostarczane bez ramy (profesjonalne opakowanie, zwinięte w tubę). Można je łatwo ponownie naciągnąć przez profesjonalistę lub samodzielnie; jest to również tańsze niż zwiększone koszty wysyłki przy wysyłce obrazów naciągniętych.
Wymiary podane odnoszą się do malowidła rozciągniętego i zamocowanego w ramie (rzeczywiste wymiary płótna są większe, aby umożliwić zamocowanie w ramie o grubości 2–4 cm).
Zastrzeżenie:
Na liście zamieszczone są zdjęcia procesów, które pokazują studia i prace w trakcie tworzenia, a także zbliżenia pokazujące strukturę płótna.
Historie sprzedawców
VANTA to młody austriacki artysta, którego praktyka nie jest zdefiniowana raczej przez jeden stały motyw, lecz przez nieustanny, niemal obsesyjny pęd do eksperymentowania między mediami.
Malarstwo, techniki mieszane, eksperymenty rzeźbiarskie i testy materiałów przechodzą przez studio równolegle — każda nowa seria pojawia się jako odpowiedź na konkretne pytanie o to, jak daleko da się posunąć ideę, zanim stanie się czymś zupełnie innym.
Based in Vienna, VANTA has exhibited at some of the city's most prominent contemporary art events, including Viennacontemporary and the Parallel Vienna art fair, alongside international presentations at Budapest Contemporary and Contemporary Istanbul.
Stylowo prace nie chcą stać w miejscu: odważna, wysokokontrastowa abstrakcja czarno-biała stoi obok figuratywnych, antycznych olejnych malowideł, cichych kompozycji pól koloru, nastrojowych gradientów i płynących prac z tuszu — zbiory prac, które na pierwszy rzut oka wydają się należeć do całkiem różnych artystów, a jednak łączą je wspólna nić: poszukiwanie bardzo konkretnego obrazu, który utrzymuje się w umyśle, oraz poszukiwanie dokładnego procesu materiałowego, który przyniesie go do świata.
Zamiast dążyć do rozpoznawalnego stylu, VANTA traktuje każdą serię jako własne, samodzielne dochodzenie. Jedna grupa prac może badać próg, na którym pigment rozpuszcza się w czystej jasności; inna może budować gęste pola koloru w poziomie za pomocą ręcznie wycinanych szablonów i warstw malarskich akrylu; jeszcze inna może zwrócić się ku ludzkiej postaci w oleju lub rozpaść się w luźnych, nieprzewidywalnych gestach tuszu.
To, co je łączy, to sam proces — dyscyplina, by gonić ideę od wyobraźni ku powierzchni, oraz gotowość do wynalezienia wszelkiej techniki, której to przedsięwzięcie wymaga.
W sercu praktyki stoi proste, uparte pytanie: jak blisko zrobiony przedmiot może być do rzeczy, która została najpierw wyobrażona w umyśle? Każda seria jest kolejną próbą odpowiedzi.
Przetłumaczone przez Tłumacz GoogleSzczegóły
Artysta
VANTA
Sprzedawany z ramą
Nie
Sprzedawane przez
Bezpośrednio od artysty
Edycja
Oryginał
Tytuł dzieła
Core VII - NO RESERVE
Technika
Technika mieszana
Podpis
z odręcznym podpisem
Kraj pochodzenia
Austria
Stan
w idealnym stanie
Wysokość
140 cm
Szerokość
100 cm
Styl
Ekspresjonizm abstrakcyjny
Okres
2020+
