VANTA - Core XIV - NO RESERVE
07
dni
18
godziny
08
minuty
31
sekundy
Aktualna oferta
€ 340
Bez ceny minimalnej
Ekspert
Wyselekcjonowany przez Heiko Neitzel
Posiada tytuł magistra w zakresie mediacji sztuki i kultury oraz doświadczenie jako asystent galerii.
Wycena galerii € 2.000 - € 2.400
 | € 340 | |
|---|---|---|
 | € 320 | |
 | € 300 | |
Ochrona nabywców Catawiki
Twoja płatność jest u nas bezpieczna, dopóki nie otrzymasz przedmiotu.Zobacz szczegóły
Trustpilot: 4.4 | opinie: 139992
Doskonała ocena na Trustpilot.
VANTA, Core XIV - NO RESERVE, oryginalny obraz z 2020+ w technice mieszanej, abstrakcjonizm ekspresjonistyczny, podpis ręczny, 140 cm wysokości i 100 cm szerokości, wyprodukowany w Austrii i sprzedawany bezpośrednio przez artystę.
Podsumowanie wspomagane sztuczną inteligencją
Opis od sprzedawcy
Uwaga: Opóźniona wysyłka z powodu świąt dla tej partii. Szacowany termin wysyłki 11-13 sierpnia!!!
Core
Core to cykl malarski eksplorujący gęsty środek światła — skoncentrowane serce luminującej formy, gdzie kolor zbiera się najpełniej, zanim rozchodzi się na zewnątrz w spokojniejsze otoczenie. Każde dzieło koncentruje się na głębokim, nasyconym jądrze, które zdaje się utrzymywać własną wagę na płótnie, ciało pigmentu pociągnięte do środka, aż do poczucia niemal stałości, zanim stopniowo uwolni się w otaczające światło.
Dzieła są w dialogu z badaniami Jamesa Turrella nad percepcyjnymi przestrzeniami i czerpią z chromatycznych pól Marka Rothko, nasyconych immersji Yves’a Kleina, atmosferycznych instalacji Olafaura Eliassona, pigmentowych prac Anisha Kapora, medytacji kolorów Josefa Albersa i miękkich gradientów abstrakcyjnych fotogramów Wolfganga Tillmansa — artystów, dla których kolor, krawędź i przejście mają wagę, którą inne elementy jak linia i forma niosą gdzie indziej. Część z duchа Dan Flavina w fluorescencyjnych geometriach i perceptualnych pracach świetlnych Roberta Irwina również siedzi cicho w tle — genealogia twórców zainteresowanych światłem jako materiałem samym w sobie, obok szerszego współczesnego zmysłu projektowego osadzonego w teorii koloru Bauhausu i skandynawskiego minimalizmu.
Każde dzieło powstaje całkowicie z farby akrylowej na płótnie, przy użyciu specjalnie zbudowanej, własnoręcznie skonstruowanej aparatury malarskiej — ustawienie luźno inspirowane starą sprzętownią sitodruku, choć żaden ekran ani proces drukowania nie jest tu zaangażowany. Początkowa kompozycja powstaje poprzez ręcznie wycinane, plastikowe szablony w prostych kształtach geometrycznych — koła, owalne, prostokąty — używane do położenia pierwszych pól nasyconego koloru bezpośrednio na płótnie. Następnie praca wraca do tej samej domowej aparatury, gdzie system miękkich pędzli porusza się pionowo i poziomo po powierzchni, mieszając i dopracowując pomalowane obszary przez wiele cykli mechanicznych. Rezultat powstaje powoli, krok po kroku, aż krawędzie początkowych kształtów całkowicie zmiękną, a pigment zrobi się prawie przezroczysty, pozwalając bieli płótna wydobywać blask spod spodziewanego światła. Pod określonym oświetleniem obrazy przestają czytać się jako farba i wydają się być podświetlone od środka, nabierając niemal luminescencyjnego, lampowego charakteru, który zmienia się w ciągu dnia.
Grube lakierowanie kończy każde dzieło błyszczącą, refleksyjną warstwą, pogłębiając wrażenie patrzenia w głąb powierzchni, a nie tylko na nią — archiwalne wykończenie odpowiednie do długoterminowych kolekcji i ekspozycji w nowoczesnych wnętrzach, czy to w prywatnym domu, przestrzeni projektowej, czy w galerii.
Wysyłka:
Dzieło dostarczane bez ramy (profesjonalne opakowanie, zwinięte w tubie). Może być łatwo rozciągnięte ponownie przez zawodowca lub samodzielnie — jest to również tańsze niż dodatkowy koszt wysyłki, gdy obrazy są naciągane.
Podane wymiary odnoszą się do malowidła naciągniętego i zamocowanego na ramie (Rzeczywiste wymiary płótna są większe, aby umożliwić zamocowanie na ramie o grubości 2-4 cm).
Zastrzeżenie:
Zdjęcia procesu dołączone do ogłoszenia pokazują studia i prace w toku, a także zbliżenia ukazujące strukturę płótna.
#mostwanted_art
Historie sprzedawców
VANTA to młody austriacki artysta, którego praktyka nie jest zdefiniowana raczej przez jeden stały motyw, lecz przez nieustanny, niemal obsesyjny pęd do eksperymentowania między mediami.
Malarstwo, techniki mieszane, eksperymenty rzeźbiarskie i testy materiałów przechodzą przez studio równolegle — każda nowa seria pojawia się jako odpowiedź na konkretne pytanie o to, jak daleko da się posunąć ideę, zanim stanie się czymś zupełnie innym.
Based in Vienna, VANTA has exhibited at some of the city's most prominent contemporary art events, including Viennacontemporary and the Parallel Vienna art fair, alongside international presentations at Budapest Contemporary and Contemporary Istanbul.
Stylowo prace nie chcą stać w miejscu: odważna, wysokokontrastowa abstrakcja czarno-biała stoi obok figuratywnych, antycznych olejnych malowideł, cichych kompozycji pól koloru, nastrojowych gradientów i płynących prac z tuszu — zbiory prac, które na pierwszy rzut oka wydają się należeć do całkiem różnych artystów, a jednak łączą je wspólna nić: poszukiwanie bardzo konkretnego obrazu, który utrzymuje się w umyśle, oraz poszukiwanie dokładnego procesu materiałowego, który przyniesie go do świata.
Zamiast dążyć do rozpoznawalnego stylu, VANTA traktuje każdą serię jako własne, samodzielne dochodzenie. Jedna grupa prac może badać próg, na którym pigment rozpuszcza się w czystej jasności; inna może budować gęste pola koloru w poziomie za pomocą ręcznie wycinanych szablonów i warstw malarskich akrylu; jeszcze inna może zwrócić się ku ludzkiej postaci w oleju lub rozpaść się w luźnych, nieprzewidywalnych gestach tuszu.
To, co je łączy, to sam proces — dyscyplina, by gonić ideę od wyobraźni ku powierzchni, oraz gotowość do wynalezienia wszelkiej techniki, której to przedsięwzięcie wymaga.
W sercu praktyki stoi proste, uparte pytanie: jak blisko zrobiony przedmiot może być do rzeczy, która została najpierw wyobrażona w umyśle? Każda seria jest kolejną próbą odpowiedzi.
Przetłumaczone przez Tłumacz GoogleUwaga: Opóźniona wysyłka z powodu świąt dla tej partii. Szacowany termin wysyłki 11-13 sierpnia!!!
Core
Core to cykl malarski eksplorujący gęsty środek światła — skoncentrowane serce luminującej formy, gdzie kolor zbiera się najpełniej, zanim rozchodzi się na zewnątrz w spokojniejsze otoczenie. Każde dzieło koncentruje się na głębokim, nasyconym jądrze, które zdaje się utrzymywać własną wagę na płótnie, ciało pigmentu pociągnięte do środka, aż do poczucia niemal stałości, zanim stopniowo uwolni się w otaczające światło.
Dzieła są w dialogu z badaniami Jamesa Turrella nad percepcyjnymi przestrzeniami i czerpią z chromatycznych pól Marka Rothko, nasyconych immersji Yves’a Kleina, atmosferycznych instalacji Olafaura Eliassona, pigmentowych prac Anisha Kapora, medytacji kolorów Josefa Albersa i miękkich gradientów abstrakcyjnych fotogramów Wolfganga Tillmansa — artystów, dla których kolor, krawędź i przejście mają wagę, którą inne elementy jak linia i forma niosą gdzie indziej. Część z duchа Dan Flavina w fluorescencyjnych geometriach i perceptualnych pracach świetlnych Roberta Irwina również siedzi cicho w tle — genealogia twórców zainteresowanych światłem jako materiałem samym w sobie, obok szerszego współczesnego zmysłu projektowego osadzonego w teorii koloru Bauhausu i skandynawskiego minimalizmu.
Każde dzieło powstaje całkowicie z farby akrylowej na płótnie, przy użyciu specjalnie zbudowanej, własnoręcznie skonstruowanej aparatury malarskiej — ustawienie luźno inspirowane starą sprzętownią sitodruku, choć żaden ekran ani proces drukowania nie jest tu zaangażowany. Początkowa kompozycja powstaje poprzez ręcznie wycinane, plastikowe szablony w prostych kształtach geometrycznych — koła, owalne, prostokąty — używane do położenia pierwszych pól nasyconego koloru bezpośrednio na płótnie. Następnie praca wraca do tej samej domowej aparatury, gdzie system miękkich pędzli porusza się pionowo i poziomo po powierzchni, mieszając i dopracowując pomalowane obszary przez wiele cykli mechanicznych. Rezultat powstaje powoli, krok po kroku, aż krawędzie początkowych kształtów całkowicie zmiękną, a pigment zrobi się prawie przezroczysty, pozwalając bieli płótna wydobywać blask spod spodziewanego światła. Pod określonym oświetleniem obrazy przestają czytać się jako farba i wydają się być podświetlone od środka, nabierając niemal luminescencyjnego, lampowego charakteru, który zmienia się w ciągu dnia.
Grube lakierowanie kończy każde dzieło błyszczącą, refleksyjną warstwą, pogłębiając wrażenie patrzenia w głąb powierzchni, a nie tylko na nią — archiwalne wykończenie odpowiednie do długoterminowych kolekcji i ekspozycji w nowoczesnych wnętrzach, czy to w prywatnym domu, przestrzeni projektowej, czy w galerii.
Wysyłka:
Dzieło dostarczane bez ramy (profesjonalne opakowanie, zwinięte w tubie). Może być łatwo rozciągnięte ponownie przez zawodowca lub samodzielnie — jest to również tańsze niż dodatkowy koszt wysyłki, gdy obrazy są naciągane.
Podane wymiary odnoszą się do malowidła naciągniętego i zamocowanego na ramie (Rzeczywiste wymiary płótna są większe, aby umożliwić zamocowanie na ramie o grubości 2-4 cm).
Zastrzeżenie:
Zdjęcia procesu dołączone do ogłoszenia pokazują studia i prace w toku, a także zbliżenia ukazujące strukturę płótna.
#mostwanted_art
Historie sprzedawców
VANTA to młody austriacki artysta, którego praktyka nie jest zdefiniowana raczej przez jeden stały motyw, lecz przez nieustanny, niemal obsesyjny pęd do eksperymentowania między mediami.
Malarstwo, techniki mieszane, eksperymenty rzeźbiarskie i testy materiałów przechodzą przez studio równolegle — każda nowa seria pojawia się jako odpowiedź na konkretne pytanie o to, jak daleko da się posunąć ideę, zanim stanie się czymś zupełnie innym.
Based in Vienna, VANTA has exhibited at some of the city's most prominent contemporary art events, including Viennacontemporary and the Parallel Vienna art fair, alongside international presentations at Budapest Contemporary and Contemporary Istanbul.
Stylowo prace nie chcą stać w miejscu: odważna, wysokokontrastowa abstrakcja czarno-biała stoi obok figuratywnych, antycznych olejnych malowideł, cichych kompozycji pól koloru, nastrojowych gradientów i płynących prac z tuszu — zbiory prac, które na pierwszy rzut oka wydają się należeć do całkiem różnych artystów, a jednak łączą je wspólna nić: poszukiwanie bardzo konkretnego obrazu, który utrzymuje się w umyśle, oraz poszukiwanie dokładnego procesu materiałowego, który przyniesie go do świata.
Zamiast dążyć do rozpoznawalnego stylu, VANTA traktuje każdą serię jako własne, samodzielne dochodzenie. Jedna grupa prac może badać próg, na którym pigment rozpuszcza się w czystej jasności; inna może budować gęste pola koloru w poziomie za pomocą ręcznie wycinanych szablonów i warstw malarskich akrylu; jeszcze inna może zwrócić się ku ludzkiej postaci w oleju lub rozpaść się w luźnych, nieprzewidywalnych gestach tuszu.
To, co je łączy, to sam proces — dyscyplina, by gonić ideę od wyobraźni ku powierzchni, oraz gotowość do wynalezienia wszelkiej techniki, której to przedsięwzięcie wymaga.
W sercu praktyki stoi proste, uparte pytanie: jak blisko zrobiony przedmiot może być do rzeczy, która została najpierw wyobrażona w umyśle? Każda seria jest kolejną próbą odpowiedzi.
Przetłumaczone przez Tłumacz GoogleSzczegóły
Artysta
VANTA
Sprzedawany z ramą
Nie
Sprzedawane przez
Bezpośrednio od artysty
Edycja
Oryginał
Tytuł dzieła
Core XIV - NO RESERVE
Technika
Technika mieszana
Podpis
z odręcznym podpisem
Kraj pochodzenia
Austria
Stan
w idealnym stanie
Wysokość
140 cm
Szerokość
100 cm
Styl
Ekspresjonizm abstrakcyjny
Okres
2020+
