Alessandro Padovan (1983) - 3D BERNARD AUBERTIN NEW! (con teca plexiglass)

Opera narodzi się z idealnego dialogu z badaniem Bernarda Aubertina, artysty Nouveau Réalisme, który uczynił z czerwieni, powtarzalności i materii centralne elementy swojej poetyki. W jego dziełach serializacja prostych, codziennych elementów staje się językiem mogącym wywołać napięcie, energię, zniszczenie i przemianę.

W tym dziele jednak tradycja jest reinterpretowana przez element charakterystyczny dla moich badań: winoroślą.

Zamiast gwoździ używanych przez Aubertina, wykorzystuję setki śrub, ułożonych według precyzyjnej struktury geometrycznej na czerwonej powierzchni. Śruba, element zwykle kojarzony z łączeniem, budową i mechaniką, tutaj przekształca się w autonomny element artystyczny. Jej powtarzanie tworzy powierzchnię trójwymiarową, na której światło, cień i głębia nieustannie modyfikują percepcję dzieła.

Czerwień otacza kompozycję jako powierzchnia nasycona energią, podczas gdy śruby wyłaniają się z planu, tworząc pewien rodzaj wizualnej wibracji. Z perspektywy frontalnej kompozycja wydaje się zorganizowana i minimalistyczna; patrząc z boku, ujawnia swoją prawdziwą trójwymiarową i materialną naturę.

Dzieło nie ma być jedynie cytatem Aubertina, lecz współczesną reinterpretacją jego języka, zastępując gwoździa śrubą i przekształcając przedmiot industrialny w znak artystyczny.

Śruba staje się więc symbolem budowania i destrukcji jednocześnie: to, co normalnie służy do łączenia i mocowania, jest używane do tworzenia powierzchni niepokojącej, intensywnej i głęboko materialnej.

To właśnie w tym kontraście między porządkiem a napięciem, budowaniem a zniszczeniem, dwu- i trójwymiarowością rodzi się tożsamość dzieła.

Dzieło artysty Alessandra Padovana, znanego na całym świecie ze swojej techniki Screw Art.

Dziełu towarzyszy szkatuła z plexiglasu.

Przezroczysta szkatuła izoluje i chroni, przekształcając dzieło w współczesną relikwią.

Twórczość tego współczesnego artyście wpisuje się w ślad Pop Art, Screw Art, sztuki konceptualnej i sztuki miejskiej, nawiązując pod względem języka wizualnego i wpływu kulturowego do pracy takich gigantów jak Andy Warhol, Jean‑Michel Basquiat, Banksy, Jeff Koons, Keith Haring, Fontana, Imbue, obey, Padovan, Schifano, Nicole Lubbers, Bani, kev munday invader, murakami i Damien Hirst.
W tym samym czasie poszukiwanie artystyczne dialoguje z wyobrażeniem luksusu, ikonowej mody i designu globalnego, przywołując symbole sakralne i marki powszechnie rozpoznawalne jak Louis Vuitton, Gucci, Chanel, Hermès, Rolex, Ferrari, Porsche, Lamborghini.

Dzieła nie są replikami ani oficjalnymi kolaboracjami z wymienionymi artystami lub markami, lecz oryginalnymi kreacjami, wykonanymi w osobistym stylu, który odzwierciedla krytykę i reinterpretację konsumpcjonizmu, wartości symbolicznej marki i sztuki jako przedmiotu kultury współczesnej.

To podejście czyni dzieła szczególnie cenionymi przez kolekcjonerów i miłośników sztuki współczesnej, luksusowej Pop Art, konceptualnego street artu i sztuki inspirowanej wielkimi ikonami marek, jednocześnie utrzymując silną autonomiczną tożsamość artystyczną.