Tijs Dragtsma (1992) - Where a Face Once Bloomed

„Gdy twarz kiedyś zakwitła” zaczyna się od brązowej popiersia noszącej zielonkawą patynę, którą jedynie dekady powietrza i deszczu mogą pozostawić. Tam, gdzie powinna być twarz, nic nie ma: idealnie okrągła, idealnie gładka pustka, zamknięta i czarna, pochłaniająca szeroką część kadru. Przetrwa jedynie wąski, jasny brzeg wokół czaszki, ostatnia linia światła trzymająca kształt głowy, która w innym wypadku zostałaby wymazana.

Portret nie jest nałożony na powierzchnię. Żadna farba. Żadny druk. Żadny atrament. Zarysowany jest w gładkim, zielonym lustrowanym szkle, a ten kolor nie jest przypadkowy: to barwa, jaką sam brąz został wycierpiany, patyna czasu, utrwalona w materiale, a nie jedynie sfotografowana. Podobizna istnieje tylko dlatego, że materiał został usunięty, kontrolowane uszkodzenia powierzchni zastępują pigment.

Widok z drugiej strony sali daje wrażenie jednego monumentalnego gestu, ciężaru, cienia i pustki, która przyciąga oko do swego centrum. Zbliżając się, pewność ta rozpada się na pole drobnych zadrapań, z których każde łapie światło inaczej, żadne z nich nie samodzielnie, wszystkie razem stanowią powód, dla którego twarz może być nieobecna, a portret nadal istnieć.

System lustra nigdy nie pozwala widzowi stać poza dziełem. Wokół popiersia, w nietkniętym szkle między zadrapaniami, pokój i osoba patrząca zostają złączone w odbiciu, tak że ktokolwiek bada ten zrujnowany portret, na chwilę również w niego się składa, stojąc tam, gdzie kiedyś zakwitła twarz.

Światło nie tworzy tego obrazu. Ostrzy go. Zadrapania utrzymują swoją formę zarówno przy słabym, jak i przy pełnym świetle, w cichym pokoju i w jasnym; jedyne, co się zmienia, to odbicie przesuwające się po powierzchni, nigdy sam portret, nigdy pustka w jego centrum.

Pusta przestrzeń jest tak samo tematem, jak sam popiersie, identyficja zniszczona, aż pozostaje tylko zarys, osadzony w zieleni tak głębokiej, że czytana niemal jako nieobecność, z twarzą widza wrysowaną w przestrzeń, gdzie kiedyś była inna twarz. „Gdy twarz kiedyś zakwitła” kontynuuje serię Art on Mirror – Green, w której zadrapane wizerunki są wstawiane w kolorowe lustro szklane, a widz staje się częścią dzieła. Język wizualny, w którym uszkodzenie nie oznacza zniszczenia, lecz strukturę, a lustro zamienia patrzenie w udział.

„Twarz może zostać zabrana. Kształt, który po niej pozostaje, nie może.”

O Art on Mirror – Green

Art on Mirror to zestaw prac, w których obraz jest zarysowywany w kolorowym lustrowanym szkle, a świat przed dziełem staje się jego częścią. Każda linia jest wycięta w głęboko zielone, lustrzane powierzchnie z tworzywa sztucznego. Zadrapania są zawsze obecne, jasne na tle koloru, podczas gdy otaczająca je powierzchnia odbija pokój, światło dzienne i osobę patrzącą.

Z dystansu obraz czytelny i pełny, blada postać utrzymana w zielonym polu. Zbliż się, a dzieło rozkwitnie w delikatną sieć indywidualnych oznaczeń, drobnych i celowych, z których każde jest niezbędne dla całości. Za nimi i między nimi lustro robi to, co lustro czyni. Przenosi pokój i widza do kompozycji, tak że otoczenie w dziele zmienia się w zależności od miejsca, w którym wisi, podczas gdy sam obraz pozostaje na miejscu.

Światło nie tworzy obrazu. Ostrzy go. Zielone tło pochłania i odbija, zadrapane linie chwytają i trzymają, a pod światłem punktowym kontrast pogłębia się, aż postać zyskuje rzeźbiarski, niemal luminescencyjny charakter. W jaśniejszym świetle kolor wysuwa się naprzód, a dzieło przybiera spokojniejszy charakter, nie tracąc jednak swojego tematu.

Zieleń to kolor wzrostu, lasów i rzeczy, które powracają. To emocjonalne tło, wobec którego każda praca z tej serii została osadzona, a tematy zostały wybrane tak, by do niego należeć.

Art on Mirror kontynuuje zadrapaną ikonografię Art with Scratch Tijs Dragtsma, na nowym tle. Gdy czarne prace czerpią moc z braku, te czerpią ją z odbicia. Widz nie patrzy już tylko na dzieło. Widz jest w nim.

O artyście

Nazywam się Tijs Dragtsma, założyciel TD Fine Art Studio.

Jako artysta napędzany jestem ciągłą chęcią eksplorowania nowych języków wizualnych. Nie postrzegam sztuki jako stałego stylu, lecz jako rozwijające się pole odkryć, gdzie materia, struktura, światło i emocje spotykają się.

Moja praca często zaczyna się od prostego pytania. Jak materiał może przemówić w nowy sposób. Jak twardość może stać się intymnością. Jak precyzja może tworzyć emocję. To poszukiwanie leży u serca wszystkiego, co tworzę.

W ramach TD Fine Art Studio każdy zestaw prac traktowany jest jak własny świat, z własną logiką, atmosferą i wizualną tożsamością. Niektóre prace powstają poprzez rytm, powtarzalność i strukturę. Inne pojawiają się dzięki braku, cieniu, refleksji lub napięciu. Łączy je wspólne zobowiązanie do oryginalności, klarowności i emocjonalnej obecności.

Fascynuje mnie kontrast. Między siłą a kruchością. Między kontrolą a uczuciem. Między tym, co widoczne, a tym, co pozostawione otwarte do interpretacji. Celem nie jest jedynie tworzenie obrazu, lecz stworzenie dzieła, które przyciąga uwagę, zaprasza do refleksji i nadal odkrywa się z czasem.

TD Fine Art Studio to przestrzeń, w której te eksploracje łączą się. To nie tylko studio, lecz ewoluujący wszechświat artystyczny kształtowany przez ciekawość, precyzję i ambicję tworzenia prac, które brzmią wyjątkowo, celowo i żyją.