Anton Kaestner - #123 - M - " Lava #2 ".

Unikatowy obraz, oryginalna farba Anton Kaestner, prosto z pracowni.
#123 - M - " Lava #2 ".

Akryl w sprayu na tablicy z pleksi 3 mm (UV-filter).
Przejrzystości na wykończeniu pomarańczowym.
Ten obraz nie jest wydrukiem. To oryginalne dzieło "wielowarstwowe", o błyszczącym wykończeniu glossy, z efektem podobnym do nałożenia żywicy, co czyni go unikalnym.

Wymiary : 44,0 cm * 32,0 cm * 0,3 cm bez ramki. (Inch 17,3 * 12,6 * 0,12)

Ten obraz dostarczany jest bez ramy.
Ramka o wysokiej jakości marki niemieckiej Nielsen, aluminium, referencja 34 Czarny Mat (Inch 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) rekomendowana i dostępna podczas wysyłki za dodatkowe 90€ brutto.

Dzieło podpisane z tyłu.
Towarzyszy mu Certyfikat Autentyczności.
Wysyłka objęta ubezpieczeniem.

Anton Kaestner to szwajcarski malarz, rzeźbiarz i autor, mieszkający w Paryżu. Jego prace wystawiane są w całej Europie, w Szwajcarii i w Dubaju. Więcej informacji i wybór na www.antonkaestner.com.

Kolejna wystawa indywidualna - Genewa, styczeń 2027.

Biografia

Urodzony w Genewie, Szwajcaria, dorastałem otoczony naturalnym pięknem i bogactwem kulturowym mojego kraju. Kreatywność była ceniona w mojej rodzinie, a to ja, mój zmarły dziadek, rzemieślnik i artysta, wywarli wpływ, który zasiał ziarno tego, co stało się pasją mojego życia.
W 1993 roku rozpocząłem prywatne malowanie, eksperymentując z niezliczonymi akrylami w notesach A4, a potem A3 – zawsze czułem, że duże obrazy napierają na ciebie, dominują i przerażają, podczas gdy małe prace mogą wzbudzić znacznie większą miłość. Najpierw pociągało mnie malarstwo niefiguratywne i abstrakcyjny ekspresjonizm.
Z biegiem czasu, choć uważam się za ateistę, rozwinąłem także upodobanie do duchowych materiałów, które rezonowały z moimi poszukiwaniami ludzkiej egzystencji i głębszych praw natury i życia.

Jednak droga do prawdziwego bycia artystą nie była od razu prosta.

Przez ponad trzy dekady prowadziłem międzynarodową karierę biznesową, która zabrała mnie po całym świecie, od Stanów Zjednoczonych po Maroko, Belgię, przez Azję i Francję. Moje podróże poszerzyły mi perspektywę, wystawiając mnie na szeroki zakres wpływów kulturowych. Gdziekolwiek bym nie był, zanurzałem się w lokalnych scenach artystycznych i współdziałałem z twórczą energią każdego miejsca.
Mimo że skupiłem się na karierze biznesowej, sztuka zawsze była częścią mnie, cicho bulgotała pod powierzchnią. Przez prawie 30 lat malowanie stało się formą sekretnej medytacji – sposobem na uwolnienie się od świata i skoncentrowanie na swoim wnętrzu.

Zawsze czułem ogromną satysfakcję z malowania. Każde nowe dzieło to podróż, w której mogę testować swoją kreatywność, eksplorować nowe techniki i przeżywać autentyczne doświadczenia. Poprzez sztukę zawsze miałem nadzieję ofiarować innym szczere spotkanie z pięknem, możliwość spojrzenia na świat z innej perspektywy i refleksji nad własnym życiem.

W 2023 roku, po przejściu na emeryturę z kariery biznesowej, całkowicie poświęciłem się malowaniu. Założyłem studio w Paryżu i zacząłem całkowicie poświęcać się sztuce. Do końca 2024 roku uruchomiłem swoją publiczną karierę artystyczną, i ku mojemu zaskoczeniu, moje prace szybko zyskały uznanie, trafiając do kolekcji prywatnych w całej Europie, zwłaszcza w Niemczech, Portugalii, Belgii, Włoszech i Holandii.

Pod koniec 2025 przeniosłem się do większego studia w opuszczonym wikariacie w Lisieux, Normandia.

CV artystyczne

Moja pierwsza wystawa solo, „Échos”, którą zorganizowano w Paryżu pod koniec 2024 roku, ukazała wyraziste podejście do sztuki, inne niż tradycyjne techniki malarskie: maluję akrylami, metalicznymi pigmentami i sprayami na tylnej stronie recyklingowanego ekstrudowanego plexiglasu (Perpex), lekkiej, gładkiej, błyszczącej, a czasem delikatnej powierzchni. Proces ten uniemożliwia mi obserwowanie dzieła w jego rozwoju. Nie mam wizualnej informacji zwrotnej ani kontroli podczas procesu — to coś, co cenię. Pozwalam na „losowe eksperymenty” — cokolwiek idzie, aby skrócić dystans między rozumem a działaniem — by prowadzić efekt końcowy, warstwy i efekt lustra, które tworzę, i pozostawić miejsce na objawienie i odkrycie, gdy dzieło zostanie ostatecznie wyeksponowane. Ale dla jasności: w moich obrazach przypadek nigdy nie podejmuje decyzji; w najlepszym razie przypadek zadaje pytania; znaczące „zbieżności” są możliwe tylko przy dużej dyscyplinie. To podejście, które rezonuje z procesem objawienia / utrwalania fotografii, jest wyzwaniem i uwalnia. Wartości kompozycji są wzbogacone przez warstwy i transparentność, a mimo to nadają każdemu dziełu cechę „ascetyczną”: jestem szczęśliwy, gdy rozpoznaję „nieodłączalne potrzeby”, tj. to, co prawdopodobnie odkryjemy, gdy zatrzymamy się w ciszy i świetle.

Świadomie utrzymuję podejście proste. Nie chodzi o „emocje” ani „teoretyczne założenia”, lecz o doświadczenie bycia. Nie o „szybkie zużycie” ani „intelektualizację / intelektualne posiadanie”, lecz o poszerzanie świadomości i eksplorację rzeczywistości, jej widzialnych i niewidzialnych historii; moja sztuka to poszukiwanie „życia w samym sercu życia”, tego, co Alain Damasio nazywa „le vif”. Chociaż nostalgia zawsze była częścią mojej pracy, moje malarstwo jest bez przedmiotu. Podobnie jak wszystkie przedmioty, są to przedmioty same w sobie. W związku z tym nie mają treści, ani znaczenia, ani sensu; są jak rzeczy, drzewa, zwierzęta, ludzie lub dni, które również nie mają powodu bytu, końca ani celu. Choć moje prace czasami kojarzą się z przezroczystością i luminescencją witraży, pozostają prawie całkowicie abstrakcyjne. Co więcej, plexiglas nadaje obrazowi błyszczącą skórkę, pod którą można dostrzec własny kontur, różny wobec każdego nowego widza. Każde dzieło działa jak dyskretny lustro: żyje, zmienia się, widzi. Wzajemne oddziaływanie światła, koloru i faktury, a także brakujących części, wymaga jedynie empatii. Mam nadzieję, że gra między „szczegółami z bliska” - szczegół obrazu to zupełnie nowy obraz - a „odległością dla całości” zachęci widzów do podjęcia własnych podróży introspekcyjnych.

Nie twierdzę, że mam odpowiedzi na wszystkie pytania i chcę pozostawać pokorny co do tego, co można osiągnąć. Po prostu znajduję satysfakcję w nieustannym procesie pytania i rozwoju. Każde nowe dzieło to konfrontacja z moimi ograniczeniami, które skłaniają mnie do doskonalenia umiejętności i dalszych poszukiwań, co mogę osiągnąć. Malarstwo to dla mnie codzienny rzemień, eksploracja, sposób na wywołanie sensownych rozmów, poszukiwanie farby tak doskonałej, że nie potrzebuje nas. Era informalności właśnie się dopiero zaczyna.

Jak mawiał Jean Bazaine: „Codzienne praktykowanie pomnoży pasję do widzenia”.

O spójności w mojej praktyce

W krajobrazie sztuki współczesnej, gdzie koncepcja i forma mają równy ciężar, dążę do tworzenia prac zdefiniowanych nie przez wybitność, lecz przez obecność. Moje malowidła – błyszczące pola koloru i światła w pleksie – są cichymi rezultatami długiego i przemyślanego dochodzenia. Dla mnie prawdziwe skupienie to mniej finalny obraz, a bardziej cicha współzależność myśli i procesu, która pozwala mu się wyłonić.

Ta praktyka opiera się na trzech spójnych zamiarach.

Pierwszy to Wycofanie z narzuconego sensu. Opisując prace jako „bez przedmiotu” i posiadające „ani treść, ani znaczenie, ani sens”, mam na celu delikatne rozluźnienie oczekiwań narracyjnych. To zaproszenie do odsunięcia się od dekodowania i ku bezpośredniejszemu spojrzeniu.

To prowadzi do drugiego zamiaru: Pierwszeństwo Doświadczenia Przeżywowego. Do tej otwartej przestrzeni staram się włożyć to, co nazywam „doświadczeniem bycia”. Praca staje się mniej obiektem do interpretacji, bardziej cichym wydarzeniem do odczucia — kształtowanym przez zmieniające się światło, translucencyjne warstwy i subtelne odbicie spojrzenia widza w swoim własnym spojrzeniu. Jak często podkreślam, dzieło „żyje, zmienia się, widzi.”

Trzeci to punkt, w którym pomysł spotyka rękę: Proces jako Umyślmy Twórcze. Malowanie na odwrotnej stronie pleksiglassu, praca bez wizualnej informacji zwrotnej, to fizyczna praktyka pozwalająca odejść od kontroli. To świadome uwolnienie kontroli w akcie tworzenia. Ustalam warunki, ale poddaję wynik, pozwalając malowaniu stać się tym, co nazywam niezależnym „obiektem samego w sobie”, całkowicie ukazanym dopiero gdy jest kompletne. To cichy parallel do rozwoju fotograficznego — cierpliwe oczekiwanie na to, co przychodzi „tu i teraz.”

Utrzymując te zamiary, towarzyszy im kilka delikatnych paradoksów, które podtrzymują pracę:

Szansa i Dyscyplina
Mówię o „znaczących ‘zbieżnościach’”, ale są one możliwe tylko w obrębie ostro wyznaczonych granic. Szansa to mile widziany gość, lecz struktura jest budowana z troską.

Komunikacja Bez Wiadomości
Mam nadzieję, że „komunikuję coś” poprzez prace, które nazywam bez sensu. Być może to, co dzielimy, nie jest oświadczeniem, lecz stanem — teksturą światła, cichą obecnością, namacalnym spokojem.

Nostalgia dla Teraz
W dziele utrzymuje się miękka nostalgia, która jednak celuje w teraźniejszość: tęsknota za „nieodłączalnymi potrzebami” odnalezionymi w „ciszy i świetle” — pragnienie czystej obecności, którą sama praca cicho oferuje.

Wysiłek i Łatwość
Proces wymaga stałej uwagi, lecz dąży do rezultatu, który wydaje się autonomiczny, jakby „wyłonił się samoistnie.” Pragnę tego, co wydaje się całkowicie nieuniknione.
W tym duchu doszedłem do przekonania, że „ epoka informalności właśnie się zaczyna.” Moja praktyka jest w dużej mierze hołdem dla ducha Art Informel, choć może z mniejszym lękiem i większym spokojem — formą informalności, w której przypadek nie jest przerwą, lecz cichym współpracownikiem.

W swojej istocie to poszukiwanie „le vif” — żywego rdzenia. Praca skłania się ku bezpośredniemu doświadczeniu, a nie intelektualizacji. Skala, którą często wybieram, ma na celu zachęcenie do intymności, a nie spektaklu.

Na koniec to po prostu ścieżka jednego artysty. Moja biografia, mój proces i moje refleksje nie są oddzielnymi nitkami, lecz częściami jednego poszukiwania. Odkryłem, że praktyka osadzona w cichych paradoksach nie musi być krucha. Dzięki dyscyplinie i jasności te napięcia mogą stać się, wierzę, źródłem odporności.

Anton Kaestner