Anton Kaestner - #480 - M - " Punta del Este #1 ".

Jednorazowy obraz, oryginalna farba Anton Kaestnera prosto z pracowni.
#480 - M - "Punta del Este #1".

Akrystaliczny spray na planszy ze szkła pleksiglasowego o grubości 3 mm (chroniony UV).
To dzieło nie jest wydrukiem. To oryginalne dzieło „wielowarstwowe”, o błyszczącym wykończeniu „glossy”, przypominającym zastosowanie żywicy, co czyni je unikalnym.

Wymiary : 17,3" x 12,6" x 0,12" / 44 x 32 x 0,3 cm bez ramy.

Obraz dostarczany jest bez ramy.
Ramka wysokiej jakości niemieckiej marki Nielsen wykonana z aluminium, referencja 34 520 fornirowana bielonym dębem (0,23" x 1,38" / 0,6" x 3,5 cm) zalecana i dostępna przy wysyłce za dodatkową kwotę 90€ brutto.

Dzieło podpisane na odwrocie.
Towarzyszy mu Certyfikat Autentyczności.
Dostawa objęta ubezpieczeniem.

Anton Kaestner to szwajcarski malarz, rzeźbiarz i autor osiadły w Paryżu. Jego prace prezentowano w całej Europie, w Szwajcarii i w Dubaju. Więcej informacji i wybór prac na www.antonkaestner.com.

Nadchodząca wystawa indywidualna - Genewa, styczeń 2027.

Biografia

Urodzony w Genewie, Szwajcaria, dorastałem w otoczeniu naturalnego piękna i kulturowej różnorodności mojej ojczyzny. Kreatywność była ceniona w mojej rodzinie, a to mój zmarły dziadek, rzemieślnik i artysta, swoim wpływem zasiał ziarno, które ostatecznie stało się moją życiową pasją.
W 1993 roku zacząłem malować prywatnie, eksperymentując z niezliczonymi akrylami w notatnikach A4, a potem A3 — zawsze czułem, że duże obrazy atakują nas bezpośrednio, dominująco i przerażająco, podczas gdy mniejsze prace mogą zainspirować znacznie więcej miłości. Pierwszym moim impulsem było malarstwo niefiguratywne i abstrakcyjny ekspresjonizm.
Z czasem, chociaż uważam się za ateistę, rozwinąłem także sympatię do duchowych materiałów, które rezonowały z moim poszukiwaniem ludzkiej egzystencji i głębszych praw natury i życia.

Jednak droga do tego, by naprawdę stać się artystą, nie była natychmiastowa.
Przez ponad trzy dekady prowadziłem międzynarodową karierę biznesową, która zabrała mnie po całym świecie — od Stanów Zjednoczonych po Maroko, Belgię, przez Azję i Francję. Moje podróże poszerzyły mój punkt widzenia, otwierając się na szeroki zakres wpływów kulturowych. Gdziekolwiek bym nie był, zanurzałem się w lokalnych scenach artystycznych i angażowałem się w twórczą energię każdego miejsca.
Pomimo nacisku na karierę biznesową, sztuka zawsze była częścią mnie, cicho bulgoczącą pod powierzchnią. Przez prawie 30 lat malarstwo stało się dla mnie formą secret e meditation — sposobem na oderwanie się od świata i skoncentrowanie na moim wewnętrznym ja.

Zawsze odczuwałem ogromną satysfakcję z malowania. Każde nowe dzieło to podróż, w której mogę testować swoją kreatywność, eksplorować nowe techniki i przeżywać autentyczne doświadczenia. Poprzez moją sztukę zawsze miałem nadzieję zaoferować innym szczere spotkanie z pięknem, możliwość zobaczenia świata z innej perspektywy i refleksji nad własnym życiem.

W 2023 roku, po przejściu na emeryturę z kariery biznesowej, całkowicie poświęciłem się malarstwu. Założyłem studio w Paryżu i zacząłem całkowicie oddawać się sztuce. Pod koniec 2024 roku uruchomiłem swoją publiczną karierę artystyczną i ku mojemu zaskoczeniu moje prace szybko zyskały uznanie, trafiając do prywatnych kolekcji w całej Europie, zwłaszcza w Niemczech, Portugalii, Belgii, Włoszech i Holandii.

Pod koniec 2025 roku przeniosłem się do większego studia w opuszczonej zakrystii w Lisieux, Normandia.

Artystyczne CV

Moja pierwsza wystawa solowa, „Échos”, która miała miejsce w Paryżu pod koniec 2024 roku, ukazała odrębne podejście do sztuki, z dala od tradycyjnych technik malarskich: maluję akrylami, metalicznymi pigmentami i sprayami na odwrotnej stronie recyklingowanego plexiglasu (Perpex), lekka, gładka, błyszcząca i czasem krucha powierzchnia. Proces ten uniemożliwia mi postrzeganie dzieła w trakcie jego powstawania. Nie mam wizualnego feedbacku ani kontroli podczas procesu — to coś, co cenię. Pozwalam na „losowe eksperymenty” — wszystko, co pozwala na skrócenie myślenia! — aby prowadziły do efektu końcowego, warstw i efektów lustrzanych, które tworzę, i pozostawić miejsce na objawienie i odkrycie, gdy dzieło w końcu zostanie zaprezentowane. Ale żeby było jasne: w moich obrazach przypadek nigdy nie podejmuje decyzji; co najwyżej przypadek stawia pytania; znaczące „zbieg okoliczności” są możliwe tylko dzięki dużej dyscyplinie. To podejście, które współgra z procesem objawienia / utrwalenia fotografii, jest wyzwaniem i uwalnia. Wartości kompozycji są wzbogacane przez warstwy i przezroczystości, a jednocześnie nadają każdemu dziełu „ascetyczną” jakość: jestem szczęśliwy, gdy rozpoznaję „niepodważalne konieczności”, tj. to, co prawdopodobnie odkryjemy, gdy zatrzymamy się w milczeniu i świetle.

Co do mojego podejścia, utrzymuję je celowo proste. Zarówno „emocje”, jak i „teoretyczne pojęcie” nie, ale doświadczenie bycia. Zarówno „szybka konsumpcja”, ani „ intelektualizacja / intelektualne posiadanie”, lecz poszerzanie świadomości i eksploracja rzeczywistości, jej widocznych i niewidocznych opowieści — moje sztuka to poszukiwanie „życia w samym sercu życia”, tego, co Alain Damasio nazywa „le vif”. Chociaż nostalgia zawsze była częścią mojej pracy, moje malarstwo nie ma przedmiotu. Jak wszystkie przedmioty, są same w sobie przedmiotem. W związku z tym nie mają ani treści, ani znaczenia, ani sensu; są niczym rzeczy, drzewa, zwierzęta, ludzie lub dni, które również nie mają powodu istnienia, ani końca, ani celu. Podczas gdy moje prace czasem mogą wywołać transparentność i jasność witraża, pozostają w dużej mierze abstrakcyjne. Co więcej, plexiglas nadaje malarstwu lśniącą skórę, pod którą można dostrzec swoją własną sylwetkę, inną dla każdego nowego widza. Każde dzieło działa jak dyskretne lustro: żyje, zmienia się, widzi. Gra światła, koloru i faktury, a także brakujące elementy, wymaga tylko empatii. Mam nadzieję, że gra między „szczegółem dla bliska” — szczegół obrazu to zupełnie nowy obraz — a „odległością dla całości” zachęci widzów do podjęcia własnych, introspekcyjnych podróży.

Nie twierdzę, że mam wszystkie odpowiedzi i chcę pozostać pokorny wobec tego, co można osiągnąć. Po prostu znajduję satysfakcję w ciągłym pytaniu i rozwoju. Każde nowe dzieło to konfrontacja z moimi ograniczeniami, skłaniająca do doskonalenia umiejętności i pogłębiania tego, co mogę osiągnąć. Malarstwo jest dla mnie codziennym rzemiosłem, eksploracją, sposobem na wywołanie znaczących rozmów, poszukiwaniem farby tak doskonałej, że nie potrzebuje nas. Wiek nieformalności dopiero się zaczął.

Jak mówił Jean Bazaine: „Codzienna praktyka potraja pasję do widzenia”.

O spójności w mojej praktyce

W krajobrazie współczesnej sztuki, gdzie pojęcie i forma mają równą wagę, dążę do tworzenia prac, które nie są definiowane przez ich pierwszeństwo, lecz przez ich obecność. Moje malarstwa — połyskujące pola koloru i światła w plexiglasie — są cichymi rezultatami długiego i przemyślanego dochodzenia. Dla mnie prawdziwe skupienie to mniej na końcowym obrazie niż na cichym współgraniu myśli i procesu, które pozwalają mu się ujawnić.

Ta praktyka opiera się na trzech spójnych intencjach.

Pierwsza to Wycofanie się z narzuconego sensu. Opisując prace jako „bez przedmiotu” i mające „nie zawierać treści, ani znaczenia, ani sensu”, mam nadzieję delikatnie rozluźnić oczekiwanie narracyjne. To zaproszenie, by odstąpić od dekodowania i skierować się ku bezpośredniejszemu spojrzeniu.

To prowadzi do drugiej intencji: Pierwszeństwo Doświadczenia Przeżywanego. W tej otwartej przestrzeni staram się umieścić to, co uważam za „doświadczenie bycia”. Praca staje się mniej obiektem do interpretowania, a raczej cichym zdarzeniem do odczuwania — kształtowanym przez zmieniające się światło, przezroczyste warstwy i delikatne odbicie widza spotykającego własny wzrok. Jak często zauważam, dzieło „żyje, zmienia się, widzi.”

Trzeci to punkt, w którym idea spotyka rękę: Proces jako Uświadomiona Myśl. Malowanie na odwrotnej stronie plexiglasu, praca bez widocznego feedbacku, to fizyczna praktyka umożliwiająca odpuszczenie kontroli. To świadome uwolnienie z kontroli w akcie tworzenia. Ustalam warunki, ale poddaję wynik, pozwalając malarstwu stać się tym, co nazywam niezależnym „obiektem samego w sobie”, całkowicie ukazanym dopiero gdy jest kompletne. To ciche porównanie do wywoływania fotograficznego — cierpliwe oczekiwanie na to, co przychodzi „tu i teraz.”

Trzymanie tych intencji to kilka delikatnych paradoksów, które podtrzymują pracę:

Przypadek i Dyscyplina
Mówię o „znaczących ‘zbiegach okoliczności’”, lecz są one możliwe tylko w ramach ostrożnych granic. Przypadek jest mile widzianym gościem, ale struktura jest zbudowana z dbałością.

Komunikacja bez Przesłania
Mam nadzieję, że „komunikuję coś” poprzez prace, które nazywam bezsensownymi. Być może to, co współdzielone, nie jest stwierdzeniem, lecz stanem — teksturą światła, cichą obecnością, namacalną ciszą.

Nostalgia za Obecnym?
Delikatna nostalgia utrzymuje się w pracy, lecz jest zaskakująco skierowana ku teraźniejszości: tęsknota za „niepodlegającymi redukcji koniecznościami” odnalezionymi w „milczeniu i świetle” — pragnienie czystej obecności, którą sama praca skrycie oferuje.

Wysiłek i Lekkość
Proces wymaga stałej uwagi, lecz dąży do wyniku, który wydaje się autonomiczny, jakby „wystąpił samoistnie.” Przyciąga mnie to, co wydaje się całkowicie nieuniknione.
W tym duchu czuję, że „wiek nieformalności dopiero się zaczął.” Moja praktyka jest wdzięczna duchowi Art Informel, choć być może z mniejszym cierpieniem i większym spokojem — nieformalność, gdzie przypadek nie jest przerwą, lecz cichym współpracownikiem.

W sercu tkwi poszukiwanie „le vif” — żyjącego jądra. Praca skłania się ku bezpośredniemu doświadczeniu, a nie inktymentalizacji. Skala, którą często wybieram, ma na celu zachęcić do intymności, a nie spektaklu.

Ostatecznie to po prostu droga jednego artysty. Moja biografia, mój proces i moje refleksje nie są oddzielnymi nitkami, lecz częściami jednego poszukiwania. Odkryłem, że praktyka osadzona w cichym paradoksie nie musi być krucha. Dzięki dyscyplinie i klarowności takie napięcia mogą stać się, wierzę, źródłem odporności.

Anton Kaestner