Anton Kaestner - #485 - M - " Paysage #1 ".

Unikatowa sztuka, oryginalny obraz Anton Kaestner prosto z pracowni.
#485 - M - "Pejzaż nr 1".

Akril w sprayu na płycie z pleksi o grubości 3 mm ( UV-funkcja ).
To nie wydruk. To oryginalne dzieło w formie "wielowarstwowej" o błyszczącym wykończeniu przypominającym zastosowanie żywicy, co stanowi unikatowy efekt.

Wymiary : Cal 17,3 * 12,6 * 0,12 / 44 * 32 * 0,3 cm bez ramy.

Obraz nie jest oprawiony.
Wysokiej jakości rama marki niemieckiej Nielsen, aluminium, referencja 34 520 okładzina Dąb Biały (Cal 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) zalecana i dostępna podczas wysyłki za dodatkową kwotę 90€ VAT.

Dzieło podpisane na odwrocie.
Towarzyszy mu Certyfikat Autentyczności.
Dostawa objęta ubezpieczeniem.

Anton Kaestner to szwajcarski malarz, rzeźbiarz i autor, mieszkający w Paryżu. Jego prace prezentowane są w całej Europie, w Szwajcarii i w Dubaju. Więcej informacji i wybór na www.antonkaestner.com.

Kolejna wystawa indywidualna - Genewa, styczeń 2027.

Biografia

Urodzony w Genewie, Szwajcaria, dorastałem otoczony naturalnym pięknem i bogactwem kulturowym mojej ojczyzny. Kreatywność była ceniona w mojej rodzinie, a to mój zmarły dziadek, rzemieślnik i artysta, miał wpływ na to, co ostatecznie stało się pasją mojego życia.
W 1993 roku zacząłem malować prywatnie, eksperymentując z niezliczonymi akrylami w notesach A4, a następnie A3 – zawsze czułem, że duże obrazy atakują nas prosto, dominująco i onieśmielają, podczas gdy małe prace mogą wzbudzić znacznie większą miłość. Początkowo przyciągał mnie kilkuuwarstwowy, niefiguratywny malunek i abstrakcyjny ekspresjonizm.
Z czasem, choć uważam się za ateistę, rozwinąłem także sympatię do duchowych materiałów, które rezonowały z moją eksploracją ludzkiej egzystencji i głębszych praw natury i życia.

Jednak droga do prawdziwego stania się artystą nie była natychmiastowa.
Przez ponad trzy dekady prowadziłem międzynarodową karierę biznesową, która zabrała mnie na cały świat, od Stanów Zjednoczonych po Maroko, Belgii, przez Azję aż po Francję. Moje podróże poszerzyły mój ogląd na świat, zapoznały mnie z szerokim spektrum wpływów kulturowych. Gdziekolwiek bym nie był, zanurzałem się w lokalnych scenach artystycznych i angażowałem się w twórczą energię każdego miejsca.
Mimo że skupiłem się na karierze biznesowej, sztuka była zawsze częścią mnie, cicho tliła się pod powierzchnią. Przez prawie 30 lat malarstwo stało się formą sekretnej medytacji dla mnie — sposobem na uwolnienie się od świata i skupienie na swoim wnętrzu.

Zawsze odczuwałem ogromną satysfakcję z malowania. Każde nowe dzieło to podróż, podczas której mogę testować swoją kreatywność, eksplorować nowe techniki i przeżywać prawdziwe doświadczenia. Poprzez sztukę zawsze miałem nadzieję oferować innym szczere spotkanie z pięknem, możliwość zobaczenia świata z innej perspektywy i refleksję nad własnym życiem.

W 2023 roku, po przejściu na emeryturę z kariery biznesowej, całkowicie poświęciłem się malarstwu. Założyłem studio w Paryżu i całkowicie oddałem się sztuce. Pod koniec 2024 roku uruchomiłem swoją publiczną karierę artystyczną, a ku mojemu zaskoczeniu moje prace szybko zyskały uznanie, trafiając do prywatnych kolekcji w całej Europie, zwłaszcza w Niemczech, Portugalii, Belgii, Włoszech i Holandii.

Pod koniec 2025 roku przeprowadziłem się do większego studia w pustej archikatedrze w Lisieux, Normandia.

Artystyczne CV

Moja pierwsza indywidualna wystawa, „Échos”, która została otwarta w Paryżu pod koniec 2024 roku, ukazała charakterystyczne podejście do sztuki, odbiegające od tradycyjnych technik malarskich: maluję akrylami, metalicznymi pigmentami i sprayami na odwrocie recyklingowanego pleksiglasu (Perpex), lekkiej, gładkiej, błyszczącej, a czasem kruchiej powierzchni. Ten proces uniemożliwia mi obserwowanie pracy w jej rozwoju. Nie mam wizualnego feedbacku ani kontroli podczas procesu — i to akceptuję. Pozwalam na „losowe eksperymenty” — cokolwiek wyjdzie, aby skrócić rozumienie! — kierować wynikiem, warstwami i efektami lustrzanymi, które tworzę, zostawiając miejsce na objawienie i odkrycie, gdy praca zostanie ostatecznie zaprezentowana. Ale wyjaśnijmy: w moich obrazach przypadek nigdy nie podejmuje decyzji; w najlepszym razie przypadek zadaje pytania; znaczące „zbiegowe okoliczności” są możliwe tylko przy dużej dyscyplinie. To podejście, które rezonuje z procesem objawienia / utrwalenia fotografii, jest wyzwaniem i uwalnia. Wartości kompozycji są wzbogacone warstwami i transparentnością, dając każdemu dziełu „ascetyczną” jakość: cieszę się, gdy rozpoznaję „nieuchronne potrzeby”, czyli to, co prawdopodobnie odkryjemy, gdy zatrzymamy się w milczeniu i świetle.

Świadomie utrzymuję podejście proste. Nie „emocje” ani „teoretyczna koncepcja”, lecz doświadczenie bycia. Nie „szybkie konsumowanie” ani „intelektualizacja / intelektualne posiadanie”, lecz poszerzanie świadomości i eksploracja rzeczywistości, jej widzialnych i niewidocznych opowieści; moje sztuka to poszukiwanie „życia w samym sercu życia”, tego, co Alain Damasio nazywa „le vif”. Choć nostalgia always była częścią mojej pracy, moje obrazy są bez przedmiotu. Jak wszystkie przedmioty, są one przedmiotami same w sobie. W konsekwencji nie mają ani treści, ani znaczenia, ani sensu; są jak rzeczy, drzewa, zwierzęta, ludzie, dni, które również nie mają powodu bytu, ani końca, ani celu. Choć moja praca czasem przywołuje przejrzystość i blask witraży, pozostaje prawie całkowicie abstrakcyjna. Co więcej, pleksi nadaje obrazowi migotliwą skórę, przez którą widać własny zarys, inny dla każdego nowego widza. Każde dzieło działa jak dyskretny lustro: żyje, zmienia się, widzi. Gra światła, koloru i faktury, również brakujących części, wymaga jedynie empatii. Mam nadzieję, że gra między „szczegółami z bliska” - szczegół obrazu to zupełnie nowy obraz - a „odległością dla całości” zachęci widzów do podjęcia własnych introspekcyjnych podróży.

Nie twierdzę, że mam wszystkie odpowiedzi i chcę pozostawać skromny co do tego, co można osiągnąć. Po prostu czerpię satysfakcję z ciągłego zadawania pytań i rozwoju. Każde nowe stworzenie to konfrontacja z moimi ograniczeniami, która zmusza mnie do doprecyowania umiejętności i dalszego odkrywania, co mogę osiągnąć. Malowanie to dla mnie codzienne rzemiosło, eksploracja, sposób na wywoływanie sensownych rozmów, poszukiwanie farby tak doskonałej, że nie potrzebuje nas. Era nieformalna dopiero się zaczęła.

Jak powiedziałby Jean Bazaine: „Codzienna praktyka pomnaża pasję do widzenia”.

O spójności w mojej praktyce

W krajobrazie współczesnej sztuki, gdzie koncepcja i forma mają równą wagę, staram się tworzyć prace zdefiniowane nie przez wybitność, lecz przez obecność. Moje malowidła — błyszczące pola koloru i światła w pleksiglassie — są cichymi wynikami długiego i przemyślanego dochodzenia. Dla mnie prawdziwe skupienie to mniej na końcowym obrazie, a bardziej na spokojnym współgraniu myśli i procesu, które pozwala mu się wyłonić.

Ta praktyka opiera się na trzech zbieżnych intencjach.

Pierwsza to Wycofanie z narzuconejże znaczeniowości. Opisując prace jako „bez przedmiotu” i mające „nie mieć ani treści, ani znaczenia, ani sensu”, mam nadzieję delikatnie rozluźnić oczekiwanie narracyjne. To zaproszenie, by odejść od dekodowania i skierować ku bezpośredniejszemu spojrzeniu.

Prowadzi to do drugiej intencji: prymatu Doświadczenia Żywego. W tej otwartej przestrzeni staram się umieścić to, co nazywam „doświadczeniem bycia”. Praca staje się mniej obiektem do interpretacji, a raczej cichym zdarzeniem do odczucia — kształtowanym przez zmieniające się światło, przezroczyste warstwy i słabe odzwierciedlenie spojrzenia widza spotykającego własny wzrok. Jak często podkreślam, praca „żyje, zmienia się, widzi.”

Trzeci to miejsce, gdzie idea spotyka rękę: Proces jako Umyślenie Ciała. Malowanie na odwrocie pleksiglasu, pracując bez wizualnego feedbacku, to praktyka fizyczna polegająca na odpuszczeniu kontroli. To świadome uwolnienie się spod kontroli w akcie tworzenia. Ustalam warunki, ale poddaję wynik, pozwalając malarstwu stać się tym, co nazywam niezależnym „przedmiotem samym w sobie”, całkowicie ujawnionym dopiero, gdy jest zakończone. To ciche równoległe do rozwoju fotografii — cierpliwe oczekiwanie na to, co przychodzi „tu i teraz.”

Podtrzymują to kilka łagodnych paradoksów, które utrzymują pracę:

Szansa i Dyscyplina
Mówię o „znaczących ‘zbiegach okoliczności’”, ale są one możliwe tylko w obrębie ostro wytyczonych granic. Szansa jest mile widzianym gościem, lecz struktura jest zbudowana z dbałością.

Komunikacja bez Wiadomości
Mam nadzieję „komunikować coś” poprzez prace, które nazywam bezsensownymi. Być może to, co dzielimy, nie jest stwierdzeniem, lecz stanem — teksturą światła, cichą obecnością, namacalną ciszą.

Nostalgia za Obecnością
W pracy wyczuwa się lekka nostalgia, lecz jest ona zaskakująco skierowana na teraźniejszość: pragnienie „nieuchronnych potrzeb” znalezionych w „milczeniu i świetle” — pragnienie czystej obecności, którą sama praca cicho ofiarowuje.

Wysiłek i Łatwość
Proces wymaga stałej uwagi, lecz dąży do rezultatu, który wydaje się autonomiczny, jakby „wyłonił się sam z siebie.” Przyciąga mnie to, co wydaje się całkowicie nieuniknione.
W tym duchu doszedłem do przekonania, że „wiek nieformalny dopiero się zaczął.” Moja praktyka jest hinged on duchem Art Informel, choć może z mniejszym cierpieniem i większym spokojem — nieformalność, w której szansa nie jest przerwą, ale cichym współpracownikiem.

Jądro stanowi poszukiwanie „le vif” — żyjącego rdzenia. Prace skłaniają się ku bezpośredniemu doświadczeniu, a nie intelektualizacji. Skromny rozmiar, jaki często wybieram, ma na celu sprzyjać intymności, a nie widowisku.

Ostatecznie to po prostu ścieżka jednego artysty. Moja biografia, mój proces i moje refleksje nie są oddzielnymi wątkami, lecz częściami jednego dążenia. Znalazłem, że praktyka osadzona w cichym paradozie nie musi być krucha. Dzięki dyscyplinie i jasności takie napięcia mogą stać się, wierzę, źródłem odporności.

Anton Kaestner