Anton Kaestner - #484 - M - " Paysage #2 ".

Unikat, oryginalny obraz Anton Kaestnera, prosto z pracowni.
#484 - M - „Krajobraz #2”.

Akrylowa rozpylana farba na panelu z pleksiglasu o grubości 3 mm (UV-filter).
Ten obraz nie jest odbitką. To oryginalne dzieło „wielowarstwowe”, o błyszczącym, „glossy” wykończeniu przypominającym aplikację żywicy, co czyni go wyjątkowym.

Wymiary: 17,3 x 12,6 x 0,12 cala / 44 x 32 x 0,3 cm bez ramy.

Obraz dostarczany jest bez ramy.
Ramka wysokiej jakości niemieckiej marki Nielsen z aluminium, referencja 34 520, fornirowanie bielone dębowe (0,23 x 1,38 cala / 0,6 x 3,5 cm) – zalecana i dostępna przy wysyłce za dodatkową kwotę 90 € brutto.

Dzieło podpisane na odwrocie.
Towarzyszy mu Certyfikat Autentyczności.
Dostawa objęta ubezpieczeniem.

Anton Kaestner jest malarzem, rzeźbiarzem i autorem z Szwajcarii, mieszkającym w Paryżu. Jego prace wystawiane są w całej Europie, w Szwajcarii i w Dubaju. Więcej informacji i wybór prac na www.antonkaestner.com.

Nadchodząca wystawa osobista – Genewa, styczeń 2027.

Biografia

Urodzony w Genewie, Szwajcaria, dorastałem w otoczeniu naturalnego piękna i kulturowej bogactwa mojej ojczyzny. Na mojej rodzinie ceniono kreatywność, a to moja zmarła pradziadka, rzemieślnik i artysta, miał na mnie wpływ i zasiał ziarenko pasji, która ostatecznie stała się moim życiem.
W 1993 roku zacząłem malować prywatnie, eksperymentując z niezliczonymi akrylami w notatnikach A4, a potem A3 – zawsze czułem, że duże obrazy idą prosto do Ciebie, dominują i napawają lękiem, podczas gdy małe prace mogą wzbudzić znacznie większą miłość. Po raz pierwszy pociągało mnie malarstwo niefiguralne i abstrakcyjny ekspresjonizm.
Z biegiem czasu, choć uważam się za ateistę, zaprzyjaźniłem się z duchowymi materiałami, które rezonowały z moją eksploracją ludzkiego istnienia oraz głębszych praw natury i życia.

Jednak droga do prawdziwego stania się artystą nie była natychmiastowa.
Przez ponad trzy dekady prowadziłem międzynarodową karierę biznesową, która zabierała mnie po całym świecie, od Stanów Zjednoczonych po Maroko, Belgię, przez Azję i Francję. Moje podróże poszerzyły mój punkt widzenia, narażając mnie na szeroki wachlarz wpływów kulturowych. Gdziekolwiek bym nie był, zanurzałem się w lokalne sceny artystyczne i angażowałem się w kreatywną energię każdego miejsca.
Pomimo nacisku na karierę biznesową, sztuka zawsze była częścią mnie, cicho tliła się pod powierzchnią. Przez niemal 30 lat malowanie stało się formą prywatnej medytacji dla mnie – sposobem na oderwanie się od świata i skupienie na sobie wewnętrznym.

Zawsze czerpałem ogromną satysfakcję z malowania. Każde nowe dzieło to podróż, w której mogę testować swoją kreatywność, eksplorować nowe techniki i przeżywać prawdziwe doświadczenia. Dzięki mojej sztuce mam nadzieję zaoferować innym szczere spotkanie z pięknem, możliwość spojrzenia na świat z innej perspektywy i refleksję nad własnym życiem.

W 2023 roku, po przejściu na emeryturę z kariery biznesowej, całkowicie poświęciłem się malarstwu. Założyłem studio w Paryżu i poświęciłem się sztuce w całości. Pod koniec 2024 roku uruchomiłem swoją publiczną karierę artystyczną i, ku mojemu zaskoczeniu, moje prace szybko zyskały uznanie, trafiając do prywatnych kolekcji w całej Europie, szczególnie w Niemczech, Portugalii, Belgii, Włoszech i Holandii.

Pod koniec 2025 roku przeprowadziłem się do większego studia w pustej sakramencie w Lisieux, Normandia.

CV artystyczne

Moja pierwsza wystawa solo, „Échos”, zorganizowana w Paryżu pod koniec 2024 roku, ukazała odrębne podejście do sztuki, z dala od tradycyjnych technik malarskich: maluję akrylami, metalicznymi pigmentami i sprayami na tylnej stronie recyklingowanego ekstrudowanego pleksiglasu (Perpex), lekka, gładka, błyszcząca i czasem delikatna powierzchnia. Proces ten uniemożliwia mi widzenie pracy w trakcie jej powstawania. Nie mam wizualnego feedbacku ani kontroli podczas procesu – coś, co przyjmuję z otwartymi ramionami. Pozwalam na „losowe eksperymenty” – wszystko, co może zburzyć rozum – by kierować przebiegiem, warstwami i efektami lustrzanymi, które tworzę, a także zostawić miejsce na objawienie i odkrycie, gdy dzieło jest ostatecznie eksponowane. Ale bądźmy jasni: w moich obrazach przypadek nigdy nie podejmuje decyzji; w najlepszym razie przypadek zadaje pytania; znaczące „zbieżności” są możliwe tylko przy dużej dyscyplinie. To podejście, które rezonuje z procesem objawienia / utrwalenia fotografii, jest wyzwaniem i wyzwala wolność. Wartości kompozycji są wzbogacane warstwami i przezroczystościami, a jednocześnie nadają każdemu dziełu cechę „ascetyczną”: cieszę się, gdy rozpoznaję „nieodłączalne konieczności”, tj. to, co prawdopodobnie odkryjemy, gdy zatrzymamy się w ciszy i świetle.

Utrzymuję moje podejście celowo proste. Nie ma tu ani „emocji”, ani „teoretycznej koncepcji”, lecz doświadczenie bycia. Nie ma „szybkiego konsumpcyjnego” ani „intelektualizacji / intelektualnego posiadania”, lecz poszerzanie świadomości i eksploracja rzeczywistości, jej widzialnych i niewidzialnych historii. Moja sztuka to poszukiwanie „życia w samym sercu życia”, tego, co Alain Damasio nazywa „le vif”. Choć nostalgia zawsze była częścią mojej pracy, moje obrazy są bez przedmiotu. Jak wszystkie przedmioty, są one przedmiotem same w sobie. W związku z tym nie mają ani treści, ani znaczenia, ani sensu; są jak rzeczy, drzewa, zwierzęta, ludzie lub dni, które również nie mają powodu bycia, celu ani końca. Choć moje prace czasem mogą przywodzić na myśl przejrzystość i jasność witraża, pozostają prawie całkowicie abstrakcyjne. Ponadto pleksiglas nadaje malarstwu błyszczącą skorupę, w której można dostrzec własny zarys, różny dla każdego nowego obserwatora. Każde dzieło działa jak dyskretny lustro: żyje, zmienia się, widzi. Wzajemne oddziaływanie światła, koloru i faktury, również brakowanych części, wymaga jedynie empatii. Mam nadzieję, że gra „szczegółów na blisko” – detal obrazu to całkiem nowy obraz – w parze z „odległością dla całości” zachęci widzów do podjęcia własnych introspekcyjnych podróży.

Nie twierdzę, że mam wszystkie odpowiedzi, i chcę pozostawać pokorny co do tego, co można osiągnąć. Po prostu znajduję satysfakcję w ciągłym kwestionowaniu i rozwijaniu. Każde nowe dzieło to konfrontacja z moimi ograniczeniami, która skłania mnie do doskonalenia umiejętności i dalszych poszukiwań tego, co mogę osiągnąć. Malarstwo dla mnie to codzienne rzemiosło, eksploracja, sposób na wzbudzanie istotnych rozmów, poszukiwanie farby tak doskonałej, że nie potrzebuje nas. Era nieformalności dopiero się zaczęła.

Jak powiedziałby Jean Bazaine: „Codzienna praktyka mnoży pasję oglądania”.

O spójności w mojej praktyce

W krajobrazie sztuki współczesnej, gdzie koncepcja i forma mają równą wagę, staram się tworzyć prace definiowane nie przez prominentność, lecz przez obecność. Moje obrazy – połyskujące pola koloru i światła w pleksiglasie – są cichymi rezultatami długiego i celowego poszukiwania. Dla mnie prawdziwe skupienie to mniej finalny obraz niż cichy dialog myśli i procesu, który pozwala mu się wyłonić.

Ta praktyka opiera się na trzech zgodnych intencjach.

Pierwsza to wycofanie z narzuconego znaczenia. Opisując prace jako „bez przedmiotu” i mające „ani treści, ani znaczenia, ani sensu”, mam nadzieję delikatnie złamać oczekiwanie narracyjne. To zaproszenie do odejścia od dekodowania i ku bardziej bezpośredniemu spojrzeniu.

Prowadzi to do drugiej intencji: primacy doświadczenia przeżywanego. Do tej otwartej przestrzeni próbuję wprowadzić to, co uważam za „doświadczenie bycia”. Praca staje się mniej obiektem do interpretacji niż cichym wydarzeniem do odczucia — kształtowanym przez zmienne światło, przezroczyste warstwy i słabe odbicie spojrzenia widza na własne spojrzenie. Jak często podkreślam, praca „żyje, zmienia się, widzi”.

Trzecia to miejsce, gdzie idea spotyka rękę: proces jako ucieleśniona myśl. Malarstwo na tylnej stronie pleksiglasu, praca bez widocznego feedbacku, to praktyka fizyczna polegająca na odpuszczeniu. To świadome uwolnienie kontroli w akcie tworzenia. Ustalam warunki, ale poddaję wynik, pozwalając malarstwu stać się tym, co nazywam „przedmiotem samym w sobie”, w pełni ujawnionym dopiero gdy jest kompletne. To ciche porównanie do wywoływania fotografii — cierpliwe oczekiwanie na to, co przychodzi „tu i teraz”.

Trzymanie tych intencji to kilka łagodnych paradoksów, które podtrzymują pracę:

Przypadek i Dyscyplina
Mówię o „znaczących ‘zbieżnościach’”, ale są one możliwe tylko w ramach ostrożnych granic. Przypadek jest mile widzianym gościem, ale struktura jest zbudowana z troską.

Komunikacja Bez Wiadomości
Mam nadzieję, że „komunikuję coś” poprzez prace, które nazywam bezsensownymi. Być może to, co dzielimy, nie jest oświadczeniem, lecz stanem — teksturą światła, cichą obecnością, namacalnym spokojem.

Nostalgia za Obecnością
W pracach utrzymuje się delikatna nostalgia, która jednak skierowana jest ku teraźniejszości: pragnienie „nieuchronnych konieczności” znalezionych w „ciszy i świetle” — pragnienie czystej obecności, którą praca sama sobie w spokojny sposób ofiaruje.

Wysiłek i Bezwysiłkowość
Proces wymaga stałej uwagi, a jednocześnie dąży do wyniku, który brzmi autonomicznie, jakby „pojawił się samoistnie”. Skłaniam się ku temu, co wydaje się całkowicie nieuniknione.
W tym duchu doszedłem do przekonania, że „epoka nieformalności dopiero się zaczęła”. Moja praktyka jest tożsama z duchem Art Informel, choć być może z mniejszym napięciem i większym spokojem — nieformalność, w której przypadek nie jest przerwą, a cichym współpracownikiem.

W sercu tkwi poszukiwanie „le vif” — żywego rdzenia. Praca skłania się ku bezpośredniemu doświadczeniu, a nie intelektualizacji. Skromna skala, którą często wybieram, ma na celu zachęcenie do intymności, a nie spektaklu.

Na końcu to po prostu droga jednego artysty. Moja biografia, mój proces i moje refleksje nie są oddzielnymi wątkami, lecz częściami jednego poszukiwania. Odkryłem, że praktyka oparta na cichym paradoksie nie musi być krucha. Dzięki dyscyplinie i klarowności takie napięcia mogą stać się, wierzę, źródłem odporności.

Anton Kaestner