Camillo Gannelli - Armocromie cromatiche nr. 107

Armocromia nr 107 to dzieło graniczne, ziemi i ognia.

To, co widzimy, jest materiałowym abstraktem, który w całości operuje kontrastem między tym, co nad, a tym, co pod spodem, między niebem a ciałem.

Pierwszą rzeczą, która uderza, nie jest kolor, lecz skóra obrazu. To dzieło żywe, zarysowane, wydrążone.

W górnej części artysta działa metodą subtrakcji: warstwy beżu, greige, ochry spalonej, zarysowane aż wyłaniają się fakturą przypominającą mur zestarzały przez czas lub teren deptany przez wiatr. To informel bliski Burriemu, niemal namacalny. Czuć szpachelkę, pył, utlenianie.

Potem jest pęknięcie. Ciemna, gęsta, ziarnista linia jak zastygła lawa, jak granica spalonej ziemi, przecina obraz na nieco ponad pół. To nie jest czysta linia, to blizna.

Pod tą blizną czerwienią. To nie czerwony dekoracyjny, lecz czerwony żywy, głęboki, żarzący się. Czerwień karmazynowa, krew, maki depczone. To rozległa, żywo barwna plama, poruszana okrągłymi pociągnięciami pędzla, które dają wrażenie ruchomego pola, materii płynnej i niepokoju.

I tu dokonuje się cud chromatyczny: pięć, sześć małych łez turkusu, niemal elektrycznego, błękitu. Wyglądają jak zagubione dzikie kwiaty lub fragmenty nieba, które spadły na czerwoną ziemię. Ten błękit jest jedynym zimnym elementem w gorącym dziele i w kontraście dopełniającym powoduje eksplozję czerwieni. Bez tego błękitu obraz byłby dramatyczny. Z tym błękitem staje się poetycki i pełen nadziei.

To pejzaż duszy, bardziej niż rzeczywisty pejzaż. Mogłoby to być Maremma latem, z makami i dusznym, pylistym niebem. Mogłoby być wspomnieniem archeologicznym: ziemia czerwona pradawna, usiana znaleziskami lapis lazuli.

Podsumowując, to małe, bardzo udane dzieło, bo mówi dużo przy zastosowaniu zaledwie kilku elementów: materia, horyzont i punkt koloru, który ratuje całość. To dzieło, które nie tylko ozdabia, ale stawia pytania. Zmusza cię, byś zatrzymał się o sekundę dłużej.