Anton Kaestner - #444 - S - " Harsh Nature 2/9 ".

#444 - S - "Surowa Natura 2/9".
Pierwsze wydanie, oryginalne dzieło Anton Kaestnera, prosto z atelier w Paryżu.

Aksamaryna spray na szybie o grubości 3 mm.
Obraz nie jest wydrukiem. To oryginalne dzieło namalowane w wielu warstwach farby i/lub sprayu, którego błyszczący, „glossy” efekt, zbliżony do nałożenia żywicy, jest unikalny.
Jest częścią serii 9 obrazów (od 1/9 do 9/9), z czego 8 nadal dostępnych, łączna wartość 1700 € (8 obrazów w ramce). Proszę o skontaktowanie się po zakupie pierwszego obrazu, jeśli życzą sobie Państwo zakup następnych.

Wymiary: cale 12,6 × 9,1 × 0,12 / 32 × 23 × 0,3 cm bez ramy.
Ten obraz dostarczany jest bez ramy.
Ramka wysokiej jakości marki niemieckiej Nielsen z aluminium, referencja 34 (cale 0,23 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm) rekomendowana i dostępna podczas wysyłki za dodatkowe 70€.

Dzieło podpisane z tyłu.
Towarzyszy Certyfikat Autentyczności.
Dostawa objęta ubezpieczeniem.

Anton Kaestner to szwajcarski malarz, rzeźbiarz i autor, mieszkający w Paryżu. Jego prace prezentowane są na wystawach w całej Europie, w Szwajcarii i w Dubaju. Więcej informacji i wybór na www.antonkaestner.com.

Nadchodząca wystawa indywidualna – Genewa, styczeń 2027.

"Biografía

Urodziłem się w Genewie, w Szwajcarii, dorastałem w otoczeniu naturalnego piękna i bogactwa kulturowego mojej ojczyzny. Kreatywność była ceniona w mojej rodzinie, a to mój zmarły dziadek, rzemieślnik i artysta, swoim wpływem zaszczepił we mnie pasję, która później stała się moim życiem.
W 1993 roku zacząłem malować prywatnie, testując niezliczone akryle w notatnikach A4, a potem A3. Początkowo pociągało mnie malarstwo niefiguratywne i abstrakcyjny ekspresjonizm. Z czasem, choć uważam się za ateistę, rozwinąłem również upodobanie do duchowych materiałów, które rezonowały z moim poszukiwaniem ludzkiej egzystencji, melancholii i głębszych praw natury i życia.
Jednak droga do tego, by naprawdę zostać artystą, nie była od razu jasna.
Przez ponad trzy dekady prowadziłem międzynarodową karierę biznesową, która zabrała mnie po całym świecie, od Stanów Zjednoczonych po Maroko, Belgię, Azję i Francję. Moje podróże poszerzyły perspektywę, otwierając mnie na różnorodne wpływy kulturowe. Skądkolwiek się udałem, angażowałem się w miejscowe środowiska artystyczne i energetykę twórczą każdego miejsca.
Mimo koncentracji na karierze biznesowej, sztuka zawsze była częścią mnie, cicho tliła się pod powierzchnią. Przez niemal 30 lat malowanie stało się formą sekretnej medytacji dla mnie – sposobem na oderwanie się od świata i skupienie na swoim wewnętrznym ja.
Zawsze odczuwałem ogromną satysfakcję z malowania. Każde nowe dzieło to podróż, podczas której mogę testować swoją kreatywność, eksplorować nowe techniki i doświadczać prawdziwych przeżyć. Dzięki sztuce zawsze miałem nadzieję oferować innym szczere spotkanie z pięknem, możliwość zobaczenia świata z innej perspektywy i refleksję nad własnym życiem.
W 2021 roku, po przejściu na emeryturę z kariery biznesowej, całkowicie poświęciłem się malarstwu. Założyłem studio w Paryżu i całkowicie poświęciłem się swojej sztuce. Do końca 2023 roku uruchomiłem swoją publiczną karierę artystyczną i, ku mojemu zaskoczeniu, moją pracę szybko doceniono, znalazła domy w prywatnych kolekcjach w całej Europie, zwłaszcza we Francji, Portugalii, Niemczech i Holandii.

Dyplom artystyczny CV

Moja pierwsza samodzielna wystawa, „Échos”, którą zorganizowałem w Paryżu pod koniec 2024 roku, ukazała wyjątkowe podejście do sztuki, odstępujące od tradycyjnych technik malarskich: maluję akrylami, metalicznymi pigmentami i sprayami na tylnej stronie recyklingowanego ekstrudowanego plexi, lekkiej, gładkiej, błyszczącej i czasem kruchiej powierzchni.
Proces ten uniemożliwia mi oglądanie pracy w trakcie jej powstawania. Nie mam wizualnego feedbacku ani kontroli w trakcie procesu – coś, co traktuję jako wyzwanie. Pozwalam na „losowe eksperymenty” — cokolwiek, co prowadzi do zaskakujących rezultatów! — aby kierować rezultatem, warstwami i efektami lustra, które tworzę, i zostawiać miejsce na objawienie i odkrycie, gdy praca zostanie wreszcie wystawiona. To podejście, które koresponduje z procesem objawienia / utrwalenia w fotografii, bywa wyzwaniem i wyzwalające. Wartości kompozycji są wzbogacane przez warstwy i transparentność, nadając każdemu dziełu „ascetyczną” jakość: cieszę się, gdy rozpoznaję „nieodgadnione potrzeby”, czyli to, co prawdopodobnie odkryjemy, gdy zatrzymamy się w ciszy i świetle.
Swoje podejście trzymam celowo proste. Ani „emocje”, ani „teoretyczna koncepcja”, lecz doświadczenie bycia. Ani „szybkie konsumowanie”, ani „intelektualizacja / intelektualna posiadanie”, lecz poszerzanie świadomości i eksploracja rzeczywistości, jej widzialnych i niewidzialnych opowieści; moje sztuki to poszukiwanie „życia w samym sercu życia”, „le vif”, jak to ujęłby francuski mistrz SF Alain Damasio.
Choć moja twórczość czasem przywodzi na myśl transparentność i luminescencję witrażu, pozostaje prawie całkowicie abstrakcyjna. Plexiglas nadaje też malarstwu błyszczącą skórkę, pod którą można dostrzec własny kontur, różny dla każdego nowego widza. Każde dzieło działa jak dyskretne lustro: żyje, zmienia się, widzi.
Wzajemne oddziaływanie światła, koloru i faktury, także brakujących partii, wymaga jedynie empatii. Mam nadzieję, że gra między „Szczegółami z bliska” a „odległością dla całości” zachęci widzów do własnych, introspekcyjnych podróży.
Nie twierdzę, że mam wszystkie odpowiedzi i chcę pozostawać pokorny wobec tego, co można osiągnąć. Po prostu znajduję satysfakcję w nieustannym procesie zadawania pytań i rozwoju. Każone nowe dzieło to konfrontacja z moimi granicami, która zmusza mnie do doskonalenia umiejętności i dalszego zgłębiania tego, co potrafię osiągnąć. Malowanie dla mnie to codzienne rzemiosło, poszukiwanie, sposób na wzbudzanie znaczących rozmów.

Jak powiedziałby Jean Bazaine: „Codzienna praktyka potęguje pasję do widzenia”.

Anton Kaestner