Tijs Dragtsma (1992) - Rings Around the Last Letter

Koło zbudowano z kręgów, a tutaj przetrwały wyłącznie same koła. Krawędź obręczy powraca jako uszkodzony pierścień światła, ramię opony zahacza o jeden zakrzywiony szew, a w samym środku dwie litery mieszczą się w mniejszym własnym okręgu, to ostatni przystanek, zanim piasta zniknie w czerni. Rings Around the Last Letter redukuje koło Rolls-Royce’a do dokładnie tego – pierścienie w pierścieniach, zacieśniające się wokół tego, który nosi imię.

Wokół tego centrum szprychy nie przetrwały jako szprychy. Powracają jako fragmenty, rozproszony zarys jasnych znaków i małych diamentów światła, które sugerują obrót bardziej niż go opisują, jakby koło zostało złapane w połowie obrotu i tylko najjaśniejsze momenty jego ruchu zostały w tyle. Pomiędzy nimi czarny kolor robi większość pracy, trzymając fragmenty oddzielnie, by oko musiało dopełnić koło, które obraz tylko sugeruje.

Żadnej farby. Żadnego druku. Żadnego tuszu. Cały obraz jest tęskniście wygrawerowany w powierzchni szkła akrylowego, pole pojedynczych znaków, które leżą jak światło na głębokiej czerni. Obraz jest zawsze obecny, nie czeka, aż lampka go odnajdzie. Światło nie tworzy obrazu, ostrości go, pod bezpośrednim światłem rysy chwytają i odbijają, kontrast zagęszcza się, a pierścienie i litery unoszą się jeszcze wyżej nad pustką wokół nich. Czyta się inaczej z różnych kątów, nigdy nie tracąc obrazu.

W centrum dwa złączone litery, R i R, dla Charlesa Rolls’a i Henry’ego Royce’a, podpis wyciśnięty na kole długo po tym, jak stał się już podpisem czegoś większego niż dwójka, która go zapisała. Mówi się, że odznaka zmieniła kolor z czerwonego na czarny w 1933 roku, roku śmierci Henry’ego Royce’a, drobny akt żałoby noszony od tamtej pory na każdym samochodzie noszącym znak. To niezależne dzieło sztuki autorstwa Tijsa Dragtsmy, nie stworzone, licencjonowane ani zatwierdzone przez Rolls-Royce.

Rings Around the Last Letter należy do Obiektów Żądzy, serii w Art with Scratch autorstwa Tijsa Dragtsmy, w której obrazy konstruuje się poprzez kontrolowane uszkodzenia powierzchni zamiast pigmentu lub druku, a to samo uszkodzenie staje się sposobem pytania, dlaczego znak mający mówić, kto zbudował rzecz, stał się, sto lat później, znakiem, kto ją posiada.

Koło wiruje i rzadko bywa oglądane z bliska, a dom wciąż umieszcza pełną swoją nazwę tam, dwukrotnie złączoną, jakby nawet ta część, która styka się z drogą, musiała ogłosić, do kogo należała. Jakie oznaczenie nadal byś chciał mieć, jeśli jedyne miejsce, gdzie można by je umieścić, było gdzieś, gdzie nikt nigdy by nie pomyślał, by zajrzeć.

„Język wizualny, w którym uszkodzenie nie jest zniszczeniem, lecz strukturą.”

O sztuce z Scratch

Art with Scratch to ciało prac, w których obraz nie jest rysowany, lecz uwalniany. Wykute rząd po rzędzie w głąb czarnej powierzchni, każda praca wyłania się dzięki niezliczonym precyzyjnym rysom, które chwytają światło i wydobywają formę z ciemności.

Z daleka obraz wydaje się niemal fotograficzny. Potężny, rozpoznawalny i pełen obecności. Z bliska praca rozpływa się w gęste pole pojedynczych znaków. Delikatny, kruchy i prawie bezwładny. To, co wydawało się solidne, ujawnia się jako delikatna sieć linii, każda to celowy gest, każda niezbędna całości.

Światło nie tworzy obrazu. Ono go ostrzy. Czarna powierzchnia wchłania, podczas gdy rysowane linie odbijają. W miarę jak światło przemieszcza się po powierzchni, obraz tchnie. Z jednego kąta postać stoi wyraźnie i zdefiniowanie. Z innego łagodnieje i wraca do ciemności, z której wyszła, nigdy nie znikając. Pod skupionym światłem reflektora kontrast pogłębia się i obraz zyskuje rzeźbiarski, niemal luminescencyjny charakter.

To, co czyni to medium tak przekonującym, to jego cicha napięcie. Akt zadrapania jest bezpośredni i nieodwracalny. Każda linia to decyzja, której nie da się cofnąć. A jednak wynik nie jest ostry. Jest intymny, nastrojowy i ożywiony ruchem. Twardość staje się miękkością. Zniszczenie staje się tworzeniem. Nieobecność staje się obecnością.

W pracach takich jak ten portret figura nigdy nie jest całkowicie ustalona. Dzięki wzajemnym oddziaływaniu linii, światła i cienia obraz przesuwa się wraz ze zmianą perspektywy i atmosfery. W pewnych momentach wygląda, jakby postać wyszła z czerni. W innych wraca do bezruchu. To właśnie w tym ruchu, między ostrą precyzją a spokojem, dzieło ożywa.

Jak wszystkie materiały dotykane przez czas, powierzchnia nosi w sobie własne ciche życie. Każny rysunek utrzymuje chwilę, oddech, gest. Razem tworzą nie tylko obraz, lecz obecność, która wciąż objawia się przy każdej zmianie światła.

O artyście

Nazywam się Tijs Dragtsma, założyciel TD Fine Art Studio.

Jako artysta kieruję się stałym pragnieniem odkrywania nowych języków wizualnych. Nie postrzegam sztuki jako stałego stylu, lecz jako rozwijające się pole odkryć, gdzie materiał, struktura, światło i emocja spotykają się.

Moja praca często zaczyna się od prostej pytania. Jak materiał może mówić w nowy sposób. Jak twardość może stać się intymnością. Jak precyzja może wywołać emocje. To poszukiwanie tkwi w sercu wszystkiego, co tworzę.

W ramach TD Fine Art Studio każdy cykl prac traktuję jak własny świat, z własną logiką, atmosferą i wizualną tożsamością. Niektóre prace powstają poprzez rytm, powtarzanie i strukturę. Inne wyłaniają się poprzez brak, cień, odbicie lub napięcie. Połączone jest w nich wspólne zaangażowanie w oryginalność, jasność i obecność emocjonalną.

Zafascynowany jestem kontrastem. Między siłą a kruchością. Między kontrolą a odczuciem. Między tym, co widoczne, a tym, co pozostawione otwarte na interpretację. Celem nie jest tylko stworzenie obrazu, lecz praca, która przyciąga uwagę, skłania do refleksji i nadal odkrywa się z upływem czasu.

TD Fine Art Studio to przestrzeń, w której te poszukiwania łączą się. To nie tylko studio, lecz ewoluujący wszechświat artystyczny kształtowany przez ciekawość, precyzję i ambitję tworzenia prac, które wydają się charakterystyczne, celowe i żywe.