Tijs Dragtsma (1992) - Houdini Bound in Light

Z głębokiej, czarnej ziemi wyłania się twarz z pola drobnych zarysowań. Lokówki utrzymują najwięcej światła, korona drobnych znaków nad brwiami, które pozostaje częściowo w cieniu, podczas gdy oczy utrzymują ciemność, nawet gdy kości policzkowe i obojczyk rozjaśniają się wokół nich. Poniżej, dwie otwarte dłonie i łańcuch krzyżuje się w kłódkę, rysowane w ten sam sposób, pole pojedynczych znaków, gdzie metal łapie światło, a płaszcz opada z powrotem w czerń.

Harry Houdini zmarł 31 października 1926 roku, w Halloween; rok 2026 wyznacza setną rocznicę jego śmierci.

W ostatnich latach wykorzystał swój dar oszustwa przeciwko tym, którzy używali go, by żerować na żałobie, obnażając oszustów medium, którzy twierdzili, że rozmawiają ze zmarłymi. Po jego śmierci jego wdowa urządzała seans co roku w dniu jego śmierci, czekając dziesięć lat na znak, który nigdy nie przyszedł. Ta spokojna, nie odpowiadająca na nic obserwacja stoi za tym portretem, człowiekiem, który potrafił uciec od niemal wszystkiego oprócz ciemności, która towarzyszy życiu.

Żadnego malowidła. Żadnej posługi. Żadnego tuszu. Obraz jest wyryty w powierzchnię szkła akrylowego, zbudowany z pola drobnych zarysowań, które gromadzą się tam, gdzie światło powinno padać, a reszta pozostaje w ciemności. To portret zrobiony poprzez usuwanie, nie dodawanie, będący odwrotnością tego, jak zwykle układa się twarz.

Houdini Bound in Light należy do In Their Year, serii w ramach Art with Scratch autorstwa Tijsa Dragtsmy, w której obrazy konstruowane są poprzez kontrolowane uszkodzenia powierzchni, a nie pigment lub druk, i w których to samo uszkodzenie staje się sposobem opowiadania znanego życia przez jedną prawdziwą cechę, a nie przez jego znajomą pozę.

Obraz jest zawsze obecny, w pełnym oświetleniu pomieszczenia i w ciemności. Światło go nie tworzy. Ostrzy go, a zarysowania chwytają i odbijają światło, aż kontrast się pogłębia, a łańcuchy zdają się zacieśniać nad klatką piersiową. Widząc z drugiej strony pomieszczenia portret odczytujemy jako jedną postać związanej światłem i cieniem; z bliska rozpływa się w polu zarysowań. Wizualny język, w którym uszkodzenie nie jest zniszczeniem, lecz strukturą.

„Nawet on nie mógł uciec od ciemności, która towarzyszy życiu.”

O Art with Scratch

Art with Scratch to zbiór prac, w których obraz nie jest rysowany, lecz uwalniany. Rzeźbiony liniami w głęboki czarny materiał, każda praca powstaje dzięki niezliczonym precyzyjnym zarysowaniom, które łapią światło i wyprowadzają kształt z ciemności.

Z daleka obraz wydaje się prawie fotograficzny. Silny, rozpoznawalny i pełen obecności. A jednak z bliska praca rozpada się w gęste pole pojedynczych znaków. Delikatny, kruchy i niemal lekki. To, co wydawało się stałe, ujawnia się jako delikatna sieć linii, każda z nich to celowy gest, każdy niezbędny całości.

Światło nie tworzy obrazu. Ostrza go. Czarną powierzchnię pochłania, podczas gdy zarysowane linie odbijają. Gdy światło przesuwa się po powierzchni, obraz oddycha. Z jednego kąta postać jest wyraźna i zdefiniowana. Z innego łagodnieje i wraca do ciemności, z której wyszła, nigdy nie znikając. Pod skupioną lampą kontrast się pogłębia, a obraz nabiera rzeźbiarskiej, niemal luminescencyjnej jakości.

Co sprawia, że to medium jest tak pociągające, to jego cicha napięcie. Akt zarysowywania jest bezpośredni i nieodwracalny. Każda linia to decyzja, której nie można cofnąć. A jednak rezultat nie jest ostry. Jest intymny, nastrojowy i ożywiony ruchem. Twardość staje się miękkością. Zniszczenie staje się tworzeniem. Nieobecność staje się obecnością.

W pracach takich jak ten portret figura nigdy nie jest całkowicie ustalona. Dzięki współdziałaniu linii, światła i cienia obraz zmienia się wraz z perspektywą i atmosferą. W pewnych momentach temat zdaje się wyjść z czerni na przód. W innych się wycofuje do bezruchu. To w tej właśnie dynamice, między ostrością a spokojem, dzieło ożywa.

Jak wszystkie materiały dotknięte czasem, powierzchnia nosi własne, ciche życie. Każny zarys skrywa chwilę, oddech, gest. Razem tworzą nie tylko obraz, lecz obecność, która nadal objawia się wraz z każdą zmianą światła.

O artyście

Nazywam się Tijs Dragtsma, założyciel TD Fine Art Studio.

Jako artysta kieruję się nieustanną chęcią poszukiwania nowych języków wizualnych. Nie postrzegam sztuki jako stałego stylu, lecz jako rozwijające się pole odkryć, gdzie materiał, struktura, światło i emocja łączą się.

Moja praca często zaczyna się od prostego pytania. Jak materiał może mówić w nowy sposób. Jak twardość może stać się intymnością. Jak precyzja wywołuje emocje. Ta poszukiwanie leży w sercu wszystkiego, co tworzę.

W ramach TD Fine Art Studio każdą serię prac traktuję jak własny świat, z własną logiką, atmosferą i tożsamością wizualną. Niektóre prace budowane są poprzez rytm, powtórzenia i strukturę. Inne powstają poprzez brak, cień, odbicie czy napięcie. To, co je łączy, to wspólne zaangażowanie w oryginalność, klarowność i emocjonalną obecność.

Fascynuje mnie kontrast. Między siłą a kruchością. Między kontrolą a odczuciem. Między tym, co widoczne, a tym, co pozostawione do interpretacji. Moją celem nie jest jedynie stworzenie obrazu, lecz stworzenie dzieła, które utrzymuje uwagę, zaprasza do refleksji i nadal objawia się z upływem czasu.

TD Fine Art Studio to przestrzeń, w której te poszukiwania się łączą. To nie tylko studio, lecz rozwijający się wszechświat artystyczny kształtowany przez ciekawość, precyzję i ambicję tworzenia dzieł, które czują się wyjątkowe, celowe i żywe.