Tijs Dragtsma (1992) - A Heart Scratched From Corridors

Widok z góry pokazuje, że serce w tej pracy nie jest miękkim zarysem, lecz strukturą. Ściany wznoszą się i zwracają tam, gdzie krawędź powinna po prostu zamknąć się w łuk, korytarze zapadają się w siebie, a z zewnątrz przerwie tylko wąski korytarz. Dwie małe postacie kroczą tym szlakiem z przeciwnych końców, każda wchodzi w ten sam kształt, nie mając jeszcze pojęcia, jak blisko jest druga strona.

Bez farby. Bez odbitki. Bez tuszu. Ściany labiryntu, długie cienie, które rzucają, oraz dwie figury złapane w pół kroku istnieją, ponieważ sama powierzchnia została usunięta, pole drobnych zadrapań wygrawerowanych w powierzchni akrylowego szkła, aż każdy korytarz ma swój własny brzeg światła, a każde ślepe zakrzywienie pozostaje w ciemności.

Obraz zawsze istnieje w akrylowym szkle, zarówno w świetle dziennym, jak i pod pojedynczą, wyćwiczoną lampą. Światło nie tworzy tego, co widzisz tutaj, lecz wyostrza to, tak że pod bezpośrednim źródłem korytarze błyszczą więcej, a serce wysuwa się do przodu z czerni, podczas gdy z innego kąta ta sama struktura przyjmuje ciszej, bliżej pamięci niż diagramu.

Z drugiego końca pokoju serce odczytywane jest jako jedna blada, monumentalna forma wycięta całością z ciemności, wzór labiryntu niemal dekoracyjny, niemal spokojny. Z bliska ta równowaga ustępuje miejsca kontrolowanemu uszkodzeniu powierzchni, polu pojedynczych znaków, które nigdy nie układają się w prostą linię, jakby serce zostało zbudowane przez kogoś, kto nie ufa łatwej ścieżce, która niosłaby wystarczający ciężar.

A Heart Scratched From Corridors należy do Look Twice, serii w ramach Art with Scratch autorstwa Tijsa Dragtsmy, w której obrazy konstruowane są poprzez kontrolowane uszkodzenia powierzchni, a nie pigmentem czy drukiem, i w której to samo uszkodzenie staje się sposobem mierzenia, jak daleko dwie osoby przejdą, przez zakręt za zakrętem, który prowadzi donikąd, by w końcu dotrzeć do siebie.

Sam labirynt inspirowany jest M. C. Escherem, zbudowany z zakrętów wyglądających na sensowne pojedynczo, które odmawiają zsumowania, gdy oko próbuje objąć całe serce naraz. Żadna figura nie widzi pełnej trasy z miejsca, w którym stoi, tylko kolejny mur, kolejny róg, kolejny krótki odcinek światła. To kształt, który rozpozna każdy, kto kochał kogoś innego, zanim potrafi wyjaśnić dlaczego.

O Art with Scratch

Art with Scratch to zestaw prac, w których obraz nie jest rysowany, lecz uwalniany. Wydrążany linia po linii w głębokiej, czarnej powierzchni, każda praca pojawia się dzięki niezliczonym precyzyjnym zadrapaniom, które łapią światło i wyprowadzają formę z ciemności.

Z dystansu obraz wygląda niemal jak fotografia. Potężny, rozpoznawalny i pełen obecności. Jednak z bliska praca rozpada się na gęste pole pojedynczych znaków. Delikatny, kruchy i prawie bez ciężaru. To, co wydawało się solidne, objawia się jako delikatna sieć linii, każda z nich to świadomy gest, każda niezbędna całości.

Światło nie tworzy obrazu. Ono go wyostrza. Czarna powierzchnia pochłania, podczas gdy zadrapane linie odbijają światło. W miarę przesuwania się światła po powierzchni obraz oddycha. Z jednego kąta postać stoi wyraźnie i zdefiniowanie. Z innego mięknie i wraca do mroku, z którego wyszła, nigdy nie znikając. Pod skupionym światłem kontrast pogłębia się i obraz nabiera rzeźbiarskiej, niemal luminescencyjnej jakości.

To, co czyni to medium tak wciągającym, to jego cicha napięcie. Akt zadrapywania jest bezpośredni i nieodwracalny. Każda linia to decyzja, której nie da się cofnąć. A jednak rezultat nie jest ostry. Jest intymny, nastrojowy i żywy ruchem. Twardość staje się miękkością. Zniszczenie staje się tworzeniem. Nieobecność staje się obecnością.

W pracach takich jak ten portret figura nigdy nie jest całkowicie ustalona. Poprzez grę linii, światła i cienia obraz zmienia się w zależności od perspektywy i nastroju. W pewnych momentach podmiot wydaje się wysuwać na przód z czerni. W innych wycofuje się w bezruch. To właśnie w tym ruchu, między ostrością a spokojem, praca ożywa.

Jak wszystkie materiały dotykane przez czas, powierzchnia nosi własne ciche życie. Każde zadrapanie utrzymuje moment, oddech, gest. Razem tworzą nie tylko obraz, lecz obecność, która nadal się objawia przy każdej zmianie światła.

O artyście

Nazywam się Tijs Dragtsma, założyciel TD Fine Art Studio.

Jako artysta kieruję się stałym pragnieniem odkrywania nowych języków wizualnych. Nie postrzegam sztuki jako stałego stylu, lecz jako ewoluujące pole odkryć, gdzie materiał, struktura, światło i emocja łączą się.

Moja praca często zaczyna się od prostego pytania. Jak materiał może mówić w nowy sposób. Jak twardość może stać się intymnością. Jak precyzja może tworzyć emocje. To poszukiwanie leży u serca wszystkiego, co tworzę.

W TD Fine Art Studio każdą serię prac traktuję jak własny świat, z własną logiką, atmosferą i identyfikacją wizualną. Niektóre prace budowane są poprzez rytm, powtarzanie i strukturę. Inne pojawiają się poprzez absencję, cień, odbicie lub napięcie. To, co je łączy, to wspólne zaangażowanie w oryginalność, jasność i obecność emocjonalną.

Zafascynowany jestem kontrastem. Między siłą a kruchością. Między kontrolą a uczuciem. Między tym, co widoczne, a tym, co pozostawione do interpretacji. Moją celem nie jest po prostu tworzenie obrazu, lecz stworzenie dzieła, które utrzymuje uwagę, zaprasza do refleksji i nadal objawia się z upływem czasu.

TD Fine Art Studio to przestrzeń, w której te odkrycia się łączą. To nie tylko studio, lecz rozwijająca się artystyczna uniwersum kształtowana przez ciekawość, precyzję i ambicję tworzenia prac, które czują się wyjątkowe, celowe i żywe.