Tijs Dragtsma (1992) - The World Held in One Palm

Dłoń wyłania się z ciemności i otwiera swoją dłoń, a w krzywiźnie kuli mieści się cały pokój, który składa się w jedną zgiętą, odbitą reflekcję, ze stojącym w jej centrum mężczyzną, patrzącym prosto na siebie. The World Held in One Palm to hołd dla Hand with Reflecting Sphere M. C. Eschera, autoportretu, w którym artysta uniósł swoje własne studio i swoją własną twarz, zagięte całe w szkło, które trzymał, dowód na to, że aby jasno zobaczyć siebie, najpierw trzeba pogiąć cały świat wokół siebie.

To niezależna i wyjątkowa praca Tijs Dragtsmy, nie będąca kopią, reprodukcją, odbitką ani edycją lithografii Eschera, i nie stworzona, zatwierdzona, poparta ani licencjonowana przez jego majątek ani żadną fundację noszącą jego imię. Odpowiada gestowi sprzed innej godziny i innego sittingu, nie artysta studiujący własne odbicie, lecz obcy, brodata i nieruchoma, uwięziony wewnątrz pokoju, który już nie odpowiada na niego.

Tutaj dłoń jest najjaśniejszym elementem kadru, każdy palec i głębokie linie dłoni zbudowane z pola drobnych zadrapań, które łapią światło i zatrzymują je. Krzywiźna kuli jest narysowana w ten sam sposób, cienka jasna szewka wyginająca okno i nagie pomieszczenie wokół siedzącego człowieka w jej centrum. On sam pozostaje blisko sylwetki, ciemna postać trzymana w środku blasku, który go otacza, obecny, lecz powstrzymany, bardziej odczuwalny niż widoczny, podczas gdy poza dłonią tło utrzymuje swoją pełną, nienaruszoną czerń.

Żadnej farby. Żadnego druku. Żadnego tuszu. Obraz jest ukształtowany przez kontrolowane zadrapania wciskane w powierzchnię szkła akrylowego, a nie nanoszone na nie, i zawsze obecny, ze światłem bezpośrednim czy bez niego. Światło go nie tworzy. To je ostrzy, dzięki czemu pod pochyłym strumieniem światła krzywizna kuli pogłębia się, a dłoń wydaje się unosić jeszcze wyżej z ciemności.

The World Held in One Palm należy do serii In Tribute w projekcie Art with Scratch autorstwa Tijsa Dragtsmy, w której obrazy tworzy się poprzez kontrolowane uszkodzenia powierzchni zamiast pigmentu lub druku, i w której to samo uszkodzenie staje się sposobem odpowiadania na punkty orientacyjne sztuki historycznej nowym głosem, zbudowanym z światła i cienia, a nie z farby czy linii.

Język wizualny, w którym uszkodzenie nie jest zniszczeniem, lecz strukturą. Kula mieści cały pokój. Dłoń trzyma kulę. A gdzieś w środku tego zakrzywionego światła ktoś siedzi i odwraca wzrok.

„On trzyma pokój. Pokój trzyma jego.”

O Art with Scratch

Art with Scratch to zbiór prac, w którym obraz nie jest rysowany, lecz uwalniany. Rzeźbiony linia po linii w głębokiej czerni, każde dzieło wyłania się dzięki niezliczonym precyzyjnym zadrapaniom, które chwytają światło i wyprowadzają formę z mroku.

Z daleka obraz wydaje się prawie fotograficzny. Potężny, rozpoznawalny i pełen obecności. A z bliska dzieło rozpływa się w gęste pole indywidualnych znaków. Delikatny, kruchy i prawie bezwładny. To, co wydawało się solidne, ujawnia się jako delikatna sieć linii, każda z nich to świadomy gest, każda niezbędna dla całości.

Światło nie tworzy obrazu. Ostrzy go. Czarna powierzchnia pochłania, podczas gdy zadrapane linie odbijają. Gdy światło przesuwa się po powierzchni, obraz oddycha. Z jednego kąta postać stojąca jest jasna i zdefiniowana. Z innego staje się miękka i osadza się z powrotem w ciemności, z której wyszła, nigdy nie znikając. Pod skupionym światłem kontrast pogłębia się i obraz nabiera rzeźbiarskiej, niemal luminescencyjnej jakości.

Co czyni tę technikę tak porywającą, to jej cicha napięcie. Akt zadrapywania jest bezpośredni i nieodwracalny. Każda linia to decyzja, której nie da się cofnąć. A jednak rezultat nie jest surowy. Jest intymny, nastrojowy i żywy ruchem. Twardość przechodzi w miękkość. Zniszczenie staje się tworzeniem. Nieobecność staje się obecnością.

W pracach takich jak to portret, postać nigdy nie jest całkowicie ustalona. Dzięki interakcji linii, światła i cienia obraz zmienia się wraz z perspektywą i nastrojem. W pewnych momentach rzecz wydaje się wysuwać naprzód z czerni. W innych cofnie się do bezruchu. To właśnie w tym ruchu, między ostrym konturem a spokojem, praca nabiera życia.

Podobnie jak wszystkie materiały dotknięte upływem czasu, powierzchnia nosi w sobie własne ciche życie. Każdy rysik ma w sobie chwilę, oddech, gest. Razem tworzą nie tylko obraz, lecz obecność, która dalej się objawia przy każdej zmianie światła.

O artyście

Nazywam się Tijs Dragtsma, założyciel TD Fine Art Studio.

Jako artysta kieruję się stałym pragnieniem eksplorowania nowych języków wizualnych. Nie postrzegam sztuki jako stałego stylu, lecz jako ewoluujące pole odkryć, gdzie materiał, struktura, światło i emocja łączą się.

Moja praca często zaczyna się od prostej pytania. Jak materiał może mówić w nowy sposób. Jak twardość może stać się intymnością. Jak precyzja może wzbudzić emocje. To poszukiwanie leży u serca wszystkiego, co tworzę.

W TD Fine Art Studio każdy zestaw prac traktuję jako własny świat, z własną logiką, atmosferą i identyfikacją wizualną. Niektóre prace budowane są przez rytm, powtarzalność i strukturę. Inne pojawiają się poprzez brak, cień, odzwierciedlenie lub napięcie. Co je łączy, to wspólne zaangażowanie w oryginalność, klarowność i emocjonalną obecność.

Zafascynowany jestem kontrastem. Między siłą a kruchością. Między kontrolą a odczuciem. Między tym, co widoczne, a tym, co pozostawione otwarte na interpretację. Celem nie jest po prostu stworzenie obrazu, lecz stworzenie pracy, która przyciąga uwagę, zaprasza do refleksji i nadal odkrywa siebie z upływem czasu.

TD Fine Art Studio to przestrzeń, w której te eksploracje łączą się. To nie tylko studio, lecz ewoluujący uniwersum artystyczny kształtowany przez ciekawość, precyzję i ambicję tworzenia prac, które wydają się charakterystyczne, celowe i żywe.