Tijs Dragtsma (1992) - The Moon She Reached For

W hołdzie dla Girl with Balloon Banksy’ego, to niezależne, wyjątkowe dzieło autorstwa Tijsa Dragtsmy. Nie jest kopią, reprodukcją ani wydrukiem oryginału i nie ma zgody artysty, jego spadkobierców ani żadnej fundacji stojącej za tym wizerunkiem. To ukłon, złożony z całkiem innej ręki.

W ukończonej pracy dziewczyna przetrwała jako czarna sylweta, nienaruszona, wycięta czysto z pola drobnych zarysowań, które błyszczą wokół niej jak statyczne światło przyklejone do ściany. Jej włosy i spódniczka wciąż poruszają się w wyobrażanym wietrze. Jedno ramię wciąż sięga. Ale tam, gdzie kiedyś trzymała balon na nitce, teraz trzyma sam księżyc, mały i pełny, powoli oddalający się, uformowany z tego samego zarysowanego światła co ściana za nią.

To ciszy twist. Balon można celowo puścić. Księżyc na nitce nie może, nie naprawdę, on tylko dryfuje, powoli i pewnie, podążając za własnym przyciąganiem, a nie za czyjąś dziecięcą ręką. Sięgająca ręka pozostaje tak pilna jak wcześniej, dystans staje się nieco bardziej niemożliwy, a cała scena wychyla się od opowieści o wypuszczaniu czegoś w opowieść o obserwowaniu, jak coś odchodzi.

Obraz jest zawsze obecny, w każdym świetle, ponieważ jest wyryty bezpośrednio w akrylowym szkle, a nie wydrukowany ani namalowany na nim. Światło nie tworzy tego obrazu. Ostrzy go: pod bezpośrednim źródłem rysy chwytają, kontrast pogłębia się, księżyc wydaje się wyciągać się dalej w swoim własnym świetle, a sylwetka dziewczyny mocniej trzyma się ciemności. Z odległości w pokoju czyta się to jako jeden prosty, monumentalny gest. Z bliska rozbija się na pole pojedynczych znaków, dłoni warta kontrolowanej powierzchniowej szkody stojącej w zastępstwie światła.

The Moon She Reached For należy do serii In Tribute w projekcie Art with Scratch Tijsa Dragtsmy, w której obrazy konstruowane są poprzez kontrolowaną powierzchniową szkodę, a nie pigment czy druk, i w której ta sama szkoda staje się sposobem ponownego spotkania z kluczowym gestem z innego kąta i innego momentu, z ukłonem, a nie kopią.

Oryginał Banksy’ego długo był czytany jako małe studium nad nadzieją, która sięga poza własne możliwości. Ta wersja utrzymuje to dążenie i zmienia jedynie to, do czego dąży, zamieniając coś, co dziecko mogłoby utracić z własnej woli, na coś, co nigdy nie należało do niej, by zatrzymać. Język wizualny, w którym szkoda nie jest zniszczeniem, lecz strukturą.

„Niektóre rzeczy trzeba odpuścić. Inne po prostu dryfują.”

O Art with Scratch

Art with Scratch to zbiór prac, w których obraz nie jest rysowany, lecz uwalniany. Rzeźbione linia po linii w głębokiej czerni powierzchni każda praca wyłania się dzięki niezliczonym precyzyjnym rysom, które łapią światło i wyprowadzają formę z ciemności.

Z daleka obraz wydaje się niemal fotograficzny. Potężny, rozpoznawalny i pełen obecności. Z bliska jednak praca rozpuszcza się w gęste pole pojedynczych znaków. Delikatny, kruchy i niemal bezwładny. To, co wydawało się solidne, ukazuje się jako delikatna sieć linii, każda z nich to celowy gest, każda niezbędna całości.

Światło nie tworzy obrazu. Ostrzy go. Czerń pochłania, podczas gdy wyryte linie odbijają światło. W miarę jak światło przesuwa się po powierzchni, obraz oddycha. Z jednego kąta postać stoi wyraźnie i zdefiniowanie. Z innego nabiera miękkości i wraca do ciemności, z której wywodziła, bez nigdy znikania. Pod skupionym reflektorem kontrast pogłębia się, a obraz zyskuje rzeźbiarski, niemal luminescencyjny charakter.

To, co sprawia, że to medium jest tak pociągające, to jego cicha napięcie. Akt skrobania jest bezpośredni i nieodwracalny. Każda linia to decyzja, której nie da się cofnąć. A jednak efekt nie jest surowy. Jest intymny, pełen atmosfery i ożywiony ruchem. Twardość zamienia się w miękkość. Zniszczenie w tworzenie. Nieobecność staje się obecnością.

W pracach takich jak to portret, postać nigdy nie pozostaje całkowicie ustalona. Dzięki wzajemnemu oddziaływaniu linii, światła i cienia, obraz zmienia się wraz z perspektywą i atmosferą. W pewnych momentach wydaje się, że podmiot wychodzi z czerni. W innych wycofuje się do bezruchu. To w tym ruchu, między ostrością a spokojem, dzieło ożywa.

Podobnie jak wszystkie materiały dotknięte upływem czasu, powierzchnia nosi własne ciche życie. Każny rys ma w sobie moment, oddech, gest. Razem tworzą nie tylko obraz, ale obecność, która nadal się objawia przy każdej zmianie światła.

O artyście

Nazywam się Tijs Dragtsma, założyciel TD Fine Art Studio.

Jako artysta kieruję się stałym pragnieniem eksplorowania nowych języków wizualnych. Nie postrzegam sztuki jako stałego stylu, lecz jako rozwijające się pole odkryć, gdzie materia, struktura, światło i emocja współgrają.

Moja praca często zaczyna się od prostego pytania. Jak materiał może przemówić w nowy sposób. Jak twardość może stać się intymnością. Jak precyzja może wywołać emocję. Ta poszukiwanie leży u serca wszystkiego, co tworzę.

W ramach TD Fine Art Studio każda seria prac jest traktowana jako odrębny świat, z własną logiką, atmosferą i tożsamością wizualną. Niektóre prace powstają poprzez rytm, powtarzanie i strukturę. Inne pojawiają się dzięki nietypowaniu, cieniu, odbiciu czy napięciu. Łączy je wspólne zaangażowanie w oryginalność, klarowność i obecność emocjonalną.

Fascynuje mnie kontrast. Między siłą a kruchością. Między kontrolą a odczuwaniem. Między tym, co widoczne, a tym, co pozostawione otwarte interpretacji. Celem nie jest tylko stworzenie obrazu, lecz praca, która utrzymuje uwagę, zaprasza do refleksji i nadal się objawia z upływem czasu.

TD Fine Art Studio to przestrzeń, w której te poszukiwania się jednoczą. To nie tylko studio, lecz ewoluujący uniwersum artystyczny kształtowany przez ciekawość, precyzję i ambicję tworzenia prac, które czują się charakterystyczne, celowe i żywe.