Tijs Dragtsma (1992) - Tesla and the White Silence

Nikola Tesla trzyma białego gołębia na wyciągniętej ręce, i przez chwilę wielki wynalazca niewidocznych prądów pozostaje całkowicie nieruchomy. Patrzy na ptaka tak, jak rzadko pozwalał światu widzieć, że na niego patrzy, z czułością, uwagą, bez niczego między nimi.

To podobiznę nie maluje się ani nie drukuje. Powstaje poprzez precyzyjne zarysowania wykonane bezpośrednio na powierzchni szkła akrylowego, pole delikatnych rys sprowadzonych w jedną twarz, kołnierz, skrzydło. Obraz pochodzi z usuwania, nie dodawania, więc to, co widzisz, bliższe jest wykopaliskom niż ilustracji.

Światło nie tworzy tego obrazu. Ostrzy go. Portret jest obecny o każdej godzinie, w słabym świetle i w jasnym, lecz gdy kąt zmienia się, znaki chwyta i kontrast pogłębia się, więc praca odczytuje się inaczej w zależności od miejsca, z którego patrzysz i jak oświetlony jest pokój.

Ze względu na odległość praca łączy się w jednolitą monumentalną całość, twarz Tesli i ręka wyłaniają się z mroku, a gołąb spoczywa na jego policzku. Zbliż się, a ta sama twarz otworzy się w pole pojedynczych znaków, z których każdy został celowo umieszczony, żaden z nich nieczytelny sam w sobie.

Para ta nosi własną cichą historię. W późniejszych latach, coraz bardziej samotny w mieście, które już nie do końca wiedziało, co zrobić z nim, Tesla odnalazł stałe towarzystwo w gołębiach, które karmił i dbał o nie, z wyjątkiem jednego białego ptaka, nad wszystkimi innymi. Człowiek, którego imię kojarzy się z błyskawicą i z siłami zbyt szybkimi, by je dostrzec, wybrał dla swojej wielkiej subtelności stworzenie całkowicie zrobione z miękkości i lotu. Ta praca łączy obie prawdy w jednej powierzchni, publiczny geniusz i prywatne oddanie.

Tesla i Biała Cisza kontynuuje serię Sztuka z Natryskiem stowarzyszoną z Tijsem Dragtsmą, w której obraz tworzony jest poprzez kontrolowane uszkodzenie powierzchni, a nie pigment czy druk. Język wizualny, w którym uszkodzenie nie jest zniszczeniem, lecz strukturą. Ta praca jest unikatowa.

"Nawet umysł zbudowany od błyskawic potrzebował czegoś łagodnego, co utrzyma."

O Sztuce z Natrywaniem

Sztuka z Natrywaniem to zbiór prac, w których obraz nie jest rysowany, lecz uwalniany. Wykute linia po linii w głębokiej czerni, każda praca wyłania się przez niezliczone precyzyjne rysy, które łapią światło i wyprowadzają formę z ciemności.

Z daleka obraz wydaje się niemal fotograficzny. Potężny, rozpoznawalny i pełen obecności. Z bliska jednak praca rozpuszcza się w gęstym polu pojedynczych znaków. Delikatny, kruchy i prawie bezwładny. To, co wydawało się solidne, ukazuje się jako delikatna sieć linii, każda to zamierzony gest, każda niezbędna całości.

Światło nie tworzy obrazu. Ostrzy go. Czarna powierzchnia pochłania, podczas gdy rysowane linie odbijają światło. W miarę przesuwania się światła po powierzchni obraz oddycha. Z jednego kąta postać stoi jasno i wyraźnie. Z innego łagodnieje i powraca do ciszy z mroku, z którego wyszła, nigdy nie znikając. Pod lustrem skierowanym światłem kontrast pogłębia się i obraz zyskuje rzeźbiarską, prawie luminescencyjną jakość.

Co sprawia, że to medium jest tak wciągające, to jego cicha napięcie. Akt drążenia jest bezpośredni i nieodwracalny. Każda linia to decyzja, której nie da się cofnąć. A jednak rezultat nie jest ostry. Jest intymny, nastrojowy i ożywiony ruchem. Szorstkość zamienia się w miękkość. Zniszczenie w tworzenie. Nieobecność w obecność.

W pracach takich jak ten portret figura nigdy nie jest w pełni ustalona. Dzięki wzajemnemu oddziaływaniu linii, światła i cienia obraz zmienia się wraz z perspektywą i nastrojem. W pewnych momentach wydaje się, że podmiot wyłania się z czerni. W innych cofa się do bezruchu. To w tym ruchu, między ostrym rysunkiem a spokojem, dzieło ożywa.

Jak wszystkie materiały dotykane przez czas, powierzchnia nosi w sobie własne ciche życie. Każdy rys zachowuje moment, oddech, gest. Razem tworzą nie tylko obraz, lecz obecność, która nadal się ujawnia przy każdej zmianie światła.

O artyście

Nazywam się Tijs Dragtsma, założyciel TD Fine Art Studio.

Jako artysta kieruję się nieustanną chęcią poznawania nowych języków wizualnych. Nie postrzegam sztuki jako stałego stylu, lecz jako rozwijające się pole odkryć, gdzie materiał, struktura, światło i emocja łączą się.

Moja praca często zaczyna się od prostego pytania. Jak materiał może przemówić w nowy sposób. Jak twardość może stać się intymnością. Jak precyzja może tworzyć emocję. Ta poszukiwanie leży w sercu wszystkiego, co tworzę.

W TD Fine Art Studio każda seria prac jest podejmowana jako własny świat, z własną logiką, atmosferą i tożsamością wizualną. Niektóre prace budowane są poprzez rytm, powtórzenia i strukturę. Inne pojawiają się poprzez brak, cień, odzwierciedlenie lub napięcie. Co je łączy, to wspólne zaangażowanie w oryginalność, jasność i emocjonalną obecność.

Fascynuje mnie kontrast. Między siłą a kruchością. Między kontrolą a odczuwaniem. Między tym, co widoczne, a tym, co pozostawione do interpretacji. Mojego celem nie jest jedynie stworzenie obrazu, lecz stworzenie pracy, która utrzymuje uwagę, skłania do refleksji i nadal się ujawnia z upływem czasu.

TD Fine Art Studio to przestrzeń, w której te poszukiwania się łączą. To nie tylko studio, lecz ewoluujący wszechświat artystyczny kształtowany przez ciekawość, precyzję i ambicję tworzenia prac, które czują się wyróżniające, celowe i żywe.