Tijs Dragtsma (1992) - Trump Toasts the Burning Globe

Trump Toasts the Burning Globe otwiera scenę rozpoznawalną dla każdego: dwa kieliszki uniesione w milczeniu, skinienie głowy, skromna ceremonia, która zamyka transakcję zanim padnie słowo. Tu kieliszki wypełnione są nie szampanem, lecz ropą naftową, jej powierzchnia tak gładka, że mogłaby uchodzić za glamour, a na każdej mieszadełce, gdzie cocktail mógłby zawierać oliwkę lub twist z cytryny, płonie mała kula ziemska.

W gotowym dziele nic nie jest za darmo. Dwa profile, natychmiast rozpoznawalne, przetrwają jako pola drobnych zadrapań łapiących światło na czole, w szczęce, w opadzie włosów, podczas gdy garnitury wokół nich wycofują się w czerń i są w większości puszczone. To co pozostaje ostre, to to, co dzieło wybiera, by utrzymać ostrość: twarze, uniesione kieliszki, małe wirujące kule, elementy, które noszą żart i ostrzeżenie w równych proporcjach.

Między dwoma mężczyznami kieliszki utrzymują najjaśniejszy fragment całego dzieła, skrzyżowanie zadrapanego światła, gdzie olej zdaje się świecić od środka samego szkła akrylowego. To toast wystawiony jak sakrament, oświetlony z góry, jakby zasługiwał na czci, i to właśnie ta dyskomfortowość, na której opiera się obraz.

Kula na patyku to najstarszy trik satyry: pomniejsz rzecz, która powinna być nie do zniesienia duża, aż zmieści się w szklance, aż da się ją podnieść, popijać bez większego zastanowienia. Dwóch mężczyzn, którzy kierują wieloma wydarzeniami losu tej kuli, pokazuje się, traktując ją jak ozdobę, efekt dodatkowy do drinka, a nie jedyną rzeczą, którą obaj mają chronić.

Trump Toasts the Burning Globe należy do Heads of State, serii w ramach Art with Scratch autorstwa Tijsa Dragtsmy, w której obraz tworzony jest poprzez kontrolowane uszkodzenia powierzchni, a nie pigmentem czy drukiem, i w której to samo uszkodzenie staje się sposobem przekształcenia pojedynczego momentu władzy w obraz, którego nie trzeba podpisywać, by był zrozumiany.

Żadnej farby. Żadnego druku. Żadnego tuszu. Obraz jest wytarty w powierzchni szkła akrylowego, pole pojedynczych znaków, które oko składa z powrotem w dwie twarze i napój, z którego nikt nie powinien być dumny. Obraz jest zawsze obecny, z pośrednim światłem lub bez niego. Światło nie tworzy go, ostrzy go: pod skupionym źródłem olej w kieliszkach pogłębia się, a kule wydają się znów płonąć, a dzieło odczytywane jest inaczej w zależności od miejsca, z którego się patrzy, nie tracąc kształtu.

Widząc z drugiego końca sali, odczytuje się to jako jeden ciemny gest, dwa widoki i wspólny napój. Z bliska zmienia się to w coś bliższego werdyktowi, w pole zadrapań, które pyta, co dokładnie jest świętowane i przez kogo, podczas gdy kula wciąż płonie między nimi.

„Na zdrowie,” wydaje się mówić, „na to, co zostało.”

O sztuce z Scratch

Art with Scratch to zbiór prac, w których obraz nie jest rysowany, lecz uwalniany. Rzeźbione linia po linii na głębokiej czerni, każde dzieło wyłania się poprzez niezliczone precyzyjne zadrapania, które łapią światło i wydobywają formę z ciemności.

Z daleka obraz wydaje się niemal fotograficzny. Potężny, rozpoznawalny i pełen obecności. Z bliska praca rozpada się na gęste pole pojedynczych znaków. Delikatny, kruchy i niemal bez ciężaru. To, co wydawało się solidne, ukazuje się jako delikatna sieć linii, każda to celowy gest, każdy niezbędny dla całości.

Światło nie tworzy obrazu. Ostrzy go. Czarna powierzchnia pochłania, podczas gdy zadrapane linie odbijają. Gdy światło przesuwa się po powierzchni, obraz oddycha. Z jednego kąta postać pozostaje jasna i zdefiniowana. Z innego łagodnieje i - powracając do ciemności, z której wyszła - nigdy nie znika. Pod skupionym reflektorem kontrast pogłębia się, a obraz nabiera rzeźbiarskiej, niemal luminescencyjnej jakości.

Co czyni to medium tak przekonującym, to jego cicha napiętość. Akt zadrapywania jest bezpośredni i nieodwracalny. Każda linia to decyzja, której nie da się cofnąć. A jednak rezultat nie jest ostry. Jest intymny, nastrojowy i ożywiony ruchem. Twardość staje się miękkością. Zniszczenie staje się tworzeniem. Nieobecność staje się obecnością.

W pracach takich jak ten portret figura nigdy nie jest całkiem stała. Dzięki grze linii, światła i cienia obraz się zmienia w zależności od perspektywy i nastroju. W pewnych momentach temat wydaje się wychodzić z czerni. W innych cofa się w bezruch. Właśnie w tym ruchu, między ostrością a spokojem, praca ożywa.

Jak wszystkie materiały dotykane przez czas, powierzchnia nosi swoją cichą historię. Każde zadrapanie to moment, oddech, gest. Wspólnie tworzą nie tylko obraz, lecz obecność, która nieustannie ujawnia się z każdą zmianą światła.

O artyście

Nazywam się Tijs Dragtsma, założyciel TD Fine Art Studio.

Jako artysta kieruję się stałym pragnieniem poszukiwania nowych języków wizualnych. Nie postrzegam sztuki jako stałego stylu, lecz jako ewoluujące pole odkryć, gdzie materiał, struktura, światło i emocja zespalają się razem.

Moja praca często zaczyna się od prostego pytania. Jak materiał może przemówić w nowy sposób. Jak twardość może stać się intymnością. Jak precyzja może tworzyć emocje. To poszukiwanie leży u serca wszystkiego, co tworzę.

W TD Fine Art Studio każde dzieło traktowane jest jako własny świat, z własną logiką, atmosferą i identyfikacją wizualną. Niektóre prace budowane są poprzez rytm, powtórzenia i strukturę. Inne wyłaniają się przez brak, cień, odbicie lub napięcie. Łączy je wspólny cel - oryginalność, jasność i obecność emocjonalna.

Jestem zafascynowany kontrastem. Między siłą a kruchością. Między kontrolą a uczuciem. Między tym, co widoczne, a tym, co pozostawione otwarte do interpretacji. Moim celem nie jest jedynie stworzenie obrazu, lecz dzieła, które przyciąga uwagę, skłania do refleksji i nadal odsłania się z upływem czasu.

TD Fine Art Studio to przestrzeń, w której te poszukiwania się łączą. To nie tylko studio, ale ewolucyjny uniwersum artystyczny kształtowany przez ciekawość, precyzję i ambicję tworzenia dzieł, które czują się charakterystyczne, celowe i żywe."