Anton Kaestner - #481 - M - " Punta del Este #2 ".

Unikatowy obraz, oryginalna pintura Anton Kaestner, prosto z pracowni.
#481 - M - "Punta del Este #2".

Akryl w sprayu na panelu z pleksyglasu o grubości 3 mm (UV-safe).
Obraz nie jest wydrukiem. To oryginalne dzieło „wielowarstwowe”, które uzyskało błyszczące, wykończenie “glossy”, zbliżone do efektu zastosowania żywicy, i jest niepowtarzalne.

Wymiary: 17,3" x 12,6" x 0,12" / 44 x 32 x 0,3 cm bez ramy.

Obraz dostarczany bez ramy.
Ramka najwyższej jakości marki niemieckiej Nielsen – aluminium, referencja 34 520, okładzina Biały dąb (całość 0,23" x 1,38" / 0,6 x 3,5 cm) – rekomendowana i dostępna przy wysyłce za dodatkowe 90€ brutto.

Dzieło podpisane z tyłu.
Towarzyszy Certyfikat Autentyczności.
Przesyłka objęta ubezpieczeniem.

Anton Kaestner to szwajcarski malarz, rzeźbiarz i autor, mieszkający w Paryżu. Jego prace prezentowane są w całej Europie, w Szwajcarii i w Dubaju. Więcej informacji i wybór prac na www.antonkaestner.com.

Następna wystawa indywidualna – Genewa, styczeń 2027.

Biografia

Urodzony w Genewie, Szwajcaria, dorastałem otoczony naturalnym pięknem i kulturowym bogactwem mojej ojczyzny. Kreatywność była ceniona w mojej rodzinie, a to mój zmarły dziadek, rzemieślnik i artysta, miał wpływ na zasianie ziarna, które w końcu stało się moją pasją życia.
W 1993 roku zacząłem malować prywatnie, eksperymentując z niezliczonymi akrylami w notatnikach A4, a potem A3 — zawsze odczuwałem, że duże obrazy nadchodzą prosto na ciebie, dominująco i onieśmielająco, podczas gdy małe prace potrafią wzbudzić znacznie większą miłość. Najpierw przyciągał mnie abstrakcyjny, niefiguratywny malunek i ekspresjonizm abstrakcyjny.
Z czasem, choć uważam siebie za ateistę, rozwinąłem też sympatię do duchowych materiałów, które rezonowały z moją eksploracją ludzkiej egzystencji oraz głębszych praw natury i życia.

Jednak droga do prawdziwego stania się artystą nie była prosta.

Przez ponad trzy dekady prowadziłem międzynarodową karierę w biznesie, która zabrała mnie po całym świecie, od Stanów Zjednoczonych po Maroko, Belgię, przez Azję i Francję. Moje podróże poszerzyły perspektywę, otwierając mnie na szeroki zakres wpływów kulturowych. Gdziekolwiek bym nie szedł, zanurzałem się w lokalnych scenach artystycznych i angażowałem w twórczą energię każdego miejsca.
Mimo że skupiłem się na karierze biznesowej, sztuka zawsze była częścią mnie, cicho tliła się pod powierzchnią. Przez prawie 30 lat malowanie stało się dla mnie formą sekretnej medytacji — sposobem na uwolnienie się od świata i skupienie na swoim wnętrzu.

Zawsze czerpałem ogromną satysfakcję z malowania. Każde nowe dzieło to podróż, podczas której mogę testować kreatywność, zgłębiać nowe techniki i przeżywać prawdziwe doświadczenia. Poprzez swoją sztukę zawsze pragnąłem ofiarować innym szczere spotkanie z pięknem, możliwość zobaczenia świata z innej perspektywy i refleksję nad własnym życiem.

W 2023 roku, po przejściu na emeryturę z kariery biznesowej, całkowicie poświęciłem się malarstwu. Założyłem swoje studio w Paryżu i całkowicie oddałem się sztuce. Pod koniec 2024 roku uruchomiłem swoją publiczną karierę artystyczną i, ku mojemu zaskoczeniu, moje prace szybko zyskały uznanie, trafiając do prywatnych kolekcji w całej Europie, przede wszystkim w Niemczech, Portugalii, Belgii, Włoszech i Holandii.

Pod koniec 2025 roku przeniosłem się do większego studia w opuszczonej sakristii w Lisieux, Normandia.

CV artystyczne

Moja pierwsza wystawa indywidualna, „Échos”, która miała miejsce w Paryżu pod koniec 2024 roku, ukazała charakterystyczne podejście do sztuki, z dala od tradycyjnych technik malarskich: maluję acrylics, pigmentami metalicznymi i sprayami na odwrotnej stronie z recyklingowanego extrudowanego pleksiglasu (Perpex), lekkiej, gładkiej, błyszczącej, a czasem kruchiej powierzchni. Proces ten uniemożliwia mi obserwowanie pracy w trakcie jej powstawania. Nie mam wizualnej informacji zwrotnej ani kontroli podczas procesu — coś, co przyjmuję z pogodą ducha. Pozwalam na „losowe eksperymenty” — wszystko, co pozwala złamać rozum! — aby kierować wynikiem, warstwami i efektami lustra, które tworzę, pozostawiając miejsce na objawienie i odkrycie, gdy dzieło zostanie w końcu wystawione. Ale dla jasności: w moich obrazach przypadek nie podejmuje decyzji; w najlepszym razie przypadek stawia pytania; znaczące „zbiegnięcia okoliczności” są możliwe tylko przy dużej dawce dyscypliny. To podejście, które współbrzmi z procesem objawienia / utrwalenia fotografii, jest zarówno wyzwalające, jak i wymagające. Wartości kompozycji wzbogacają warstwy i przezroczystości, nadając każdemu dziełu „ascetyczną” jakość: cieszę się, gdy rozpoznaję „nieodzowne konieczności”, tj. to, co najprawdopodobniej odkryjemy, gdy zatrzymamy się w milczeniu i świetle.

Celowo utrzymuję moje podejście proste. Ani „emocja”, ani „teoretyczne pojęcie”, lecz doświadczenie bycia. Ani „szybkie zjedzenie” ani „intelektualizacja / intelektualne posiadanie”, lecz poszerzanie świadomości i eksploracja rzeczywistości, jej widocznych i niewidocznych opowieści; moje sztuka to poszukiwanie „życia w samym sercu życia”, tego, co Alain Damasio nazywa „le vif”. Chociaż nostalgia zawsze była częścią mojej pracy, moje malowidła nie mają przedmiotu. Jak wszystkie przedmioty, są przedmiotami same w sobie. Z tego powodu nie mają treści, znaczenia ani sensu; są jak rzeczy, drzewa, zwierzęta, ludzie lub dni, które również nie mają powodu bytu, końca ani celu. Choć moje prace czasem przywodzą na myśl przeźroczystość i luminescencję witraża, pozostają niemal całkowicie abstrakcyjne. Co więcej, pleksiglas nadaje obrazowi migoczącą skórę, w której można dostrzec swoją sylwetkę, różną dla każdego nowego widza. Każde dzieło działa jak dyskretny lustro: żyje, zmienia się, widzi. Gra światła, koloru i tekstury, także brakujących części, wymaga jedynie empatii. Mam nadzieję, że gra między „szczegółami z bliska” - szczegół obrazu to zupełnie nowy obraz - a „odległością dla całości”, zachęci widzów do własnych, introspekcyjnych wędrówek.

Nie twierdzę, że mam wszystkie odpowiedzi i chcę pozostawić w sobie pokorę wobec tego, co można osiągnąć. Po prostu czerpię satysfakcję z ciągłego stawiania pytań i rozwoju. Każde nowe dzieło to konfrontacja z moimi ograniczeniami, która popycha mnie do doskonalenia umiejętności i dalszego odkrywania, co mogę osiągnąć. Dla mnie malowanie to codzienny rzemień, eksploracja, sposób na wywołanie znaczących rozmów, poszukiwanie takiego barwnika, który nie potrzebuje nas. Wieku sztuki informalnej dopiero się zaczyna.

Jak mawiał Jean Bazaine: „Codzienna praktyka potęguje pasję do widzenia”.

O spójności w mojej praktyce

W krajobrazie sztuki współczesnej, gdzie koncepcja i forma mają równą wagę, dążę do tworzenia prac, które definiowane są nie przez prominentność, lecz obecność. Moje malowidła — migoczące pola koloru i światła wewnątrz pleksiglassu — to ciche, lecz przemyślane wyniki długiego i świadomego dochodzenia. Dla mnie prawdziwe skupienie nie leży w ostatecznym obrazie, lecz w cichej interakcji myśli i procesu, która pozwala mu się wyłonić.

To podejście opiera się na trzech zbieżnych celach.

Pierwszy to Wycofanie z narzuconego sensu. Opisując prace jako „bez przedmiotu” i mające „ani treść, ani znaczenie, ani sens”, mam nadzieję delikatnie rozluźnić oczekiwania narracyjne. Jest to zaproszenie do odejścia od dekodowania i skierowania uwagi na bezpośredniejszy sposób patrzenia.

To prowadzi do drugiego celu: Primacy of Lived Experience (priorytet doświadczonego bycia). W tę otwartą przestrzeń staram się włożyć to, co nazywam „doświadczeniem bycia”. Praca staje się mniej przedmiotem do interpretacji, a raczej cichym wydarzeniem do odczucia — ukształtowanym przez zmieniające się światło, przezroczyste warstwy i delikatne odbicie widza spotykającego własny wzrok. Jak często zauważam, utwór „żyje, zmienia się, widzi”.

Trzeci to połączenie idei z ręką: Proces jako ugruntowana myśl. Malowanie na odwrotnej stronie pleksiglassu, praca bez wizualnej informacji zwrotnej, to praktyka fizyczna, która wymaga odpuśczenia kontroli w akcie tworzenia. Ustalam warunki, ale poddaję wynik, pozwalając, aby obraz stał się tym, co nazywam niezależnym „obiektem samym w sobie”, w pełni ujawnionym dopiero gdy zostanie ukończony. To ciche odbicie rozwoju fotografii — cierpliwe oczekiwanie na to, co pojawi się „tu i teraz”.

Trzymanie tych zamiarów wiąże się z kilkoma delikatnymi paradoksami, które utrzymują pracę:

Szansa i Dyscyplina
Mówię o „znaczących ‘zbiegnięciach okoliczności’”, ale są możliwe jedynie w ramach ostro wyznaczonych granic. Szansa jest mile widzianym gościem, ale struktura powstaje z dbałością.

Komunikacja Bez Przesłania
Mam nadzieję, że „komunikuję coś” poprzez prace, które nazywam bezsensownymi. Być może to, co dzielone, nie jest oświadczeniem, lecz stanem — teksturą światła, cichą obecnością, namacalną ciszą.

Nostalgia za Obecnym
W pracy unosi się miękka nostalgia, która jednak celuje w teraźniejszość: tęsknota za „nieodłącznymi koniecznościami” odnalezionymi w „milczeniu i świetle” — pragnienie czystej obecności, którą sama praca skrycie oferuje.

Wysiłek i Bezwysiłkowość
Proces wymaga stałej uwagi, lecz dąży do rezultatu, który wydaje się autonomiczny, jakby „wyłonił się według własnego prawa”. Przemawia mnie to, co wydaje się całkowicie nieuniknione.
W tym duchu doszedłem do przekonania, że „wiek formy informalnej właśnie się zaczyna”. Moja praktyka jest zobowiązana duchem Art Informel, choć może z mniej cierpienia i więcej spokoju — forma informalna, gdzie przypadek nie jest przerwą, lecz cichym współpracownikiem.

W swojej istocie jest to poszukiwanie „le vif” — żywego rdzenia. Praca skłania się ku bezpośredniemu doświadczeniu, a nie intelektualizacji. Skala, którą często wybieram, ma na celu zachęcenie do intymności, nie spektaklu.

W końcu to po prostu ścieżka jednego artysty. Moja biografia, mój proces i moje refleksje nie są oddzielnymi wątkami, lecz częściami jednego dążenia. Znalazłem, że praktyka zakorzeniona w cichych paradoksach nie musi być krucha. Dzięki dyscyplinie i jasności takie napięcia mogą, wierzę, stać się źródłem odporności.

Anton Kaestner