Anton Kaestner - #486 - M - " Paysage #2 ".

Unikalny obraz, oryginalne malarstwo Anton Kaestnera, prosto z pracowni.
#486 - M - "Krajobraz #2".

Siateczkowana akrylowa spray na płycie plexiglass o grubości 3 mm (UV-chronione).
To dzieło nie jest odbitką. To oryginalne, „multi-warstwowe” dzieło o błyszczącym wykończeniu „glossy”, przypominającym aplikację żywicy, co czyni je unikatowym.

Wymiary: 17,3 x 12,6 x 0,12 cala / 44 x 32 x 0,3 cm bez ramy.

To dzieło wysyłane jest bez ramy.
Ramka wysokiej jakości niemieckiej marki Nielsen, aluminium, referencja 34 520, fornirowana bielą dębową (0,23 x 1,38 cala / 0,6 x 3,5 cm). Rekomendowana i dostępna podczas wysyłki za dodatkowe 90€ brutto.

Dzieło podpisane na odwrocie.
Towarzyszy mu Certyfikat Autentyczności.
Dostawa objęta ubezpieczeniem.

Anton Kaestner to szwajcarski malarz, rzeźbiarz i autor, mieszkający w Paryżu. Jego prace prezentowane są na całej Europie, w Szwajcarii i w Dubaju. Więcej informacji i wybór prac na www.antonkaestner.com.

Następna wystawa indywidualna – Genewa, styczeń 2027.

Biografia

Urodzony w Genewie, Szwajcaria, dorastałem w otoczeniu naturalnego piękna i bogactwa kulturowego mojej ojczyzny. Kreatywność była ceniona w mojej rodzinie, a to mój zmarły dziadek, rzemieślnik i artysta, wywarł wpływ, który zasiał ziarno pasji mojego życia.
W 1993 roku zacząłem malować prywatnie, eksperymentując z niezliczonymi akrylami w notatnikach A4, a później A3 – zawsze czułem, że duże obrazy atakują nas bezpośrednio, dominująco i onieśmielają, podczas gdy małe prace potrafią wzbudzić znacznie więcej miłości. Najpierw pociągała mnie malarstwo niefiguratywne i ekspresjonizm abstrakcyjny.
Z czasem, choć uważam się za ateistę, rozwinąłem też upodobanie do duchowych materiałów, które rezonują z moimi poszukiwaniami ludzkiej egzystencji oraz głębszych praw natury i życia.

Jednak droga do tego, by naprawdę zostać artystą, nie była od razu jasna.

Przez ponad trzy dekady prowadziłem międzynarodową karierę biznesową, która zabrała mnie po świecie, od Stanów Zjednoczonych po Maroko, Belgię, Azję i Francję. Podróże poszerzyły mój punkt widzenia, wystawiając mnie na różnorodne wpływy kulturowe. Gdziekolwiek byłem, zanurzałem się w lokalnych scenach artystycznych i angażowałem się w energię twórczą każdego miejsca.
Pomimo skupienia na karierze zawodowej, sztuka zawsze była moją częścią — cicho tliła się pod powierzchnią. Przez prawie 30 lat malarstwo stało się dla mnie formą sekretnej medytacji — sposobem ucieczki od świata i skupienia na swoim wnętrzu.

Zawsze odczuwałem ogromną satysfakcję z malowania. Każde nowe dzieło to podróż, w której mogę testować swoją kreatywność, eksplorować nowe techniki i przeżywać prawdziwe doświadczenia. Poprzez swoją sztukę od zawsze miałem nadzieję zapewnić innym szczere spotkanie z pięknem, możliwość zobaczenia świata z innej perspektywy i refleksji nad własnym życiem.

W 2023 roku, po przejściu na emeryturę z kariery biznesowej, całkowicie oddałem się malarstwu. Założyłem studio w Paryżu i poświęciłem się sztuce. Pod koniec 2024 roku uruchomiłem swoją publiczną karierę artystyczną i ku mojemu zaskoczeniu moje prace szybko zdobyły uznanie, trafiając do kolekcji prywatnych w całej Europie, zwłaszcza w Niemczech, Portugalii, Belgii, Włoszech i Holandii.

Pod koniec 2025 roku przeprowadziłem się do większego studia w opuszczonej trapie w Lisieux, Normandia.

Artystyczne CV

Moja pierwsza wystawa solowa, „Échos”, która odbyła się w Paryżu pod koniec 2024 roku, ukazała wyjątkowe podejście do sztuki, odbiegające od tradycyjnych technik malarskich: maluję akrylami, metalicznymi pigmentami i sprayami na odwrocie recyklowanego plexiglassu (Perpex), lekkiej, gładkiej, błyszczącej i czasem kruchiej powierzchni. Proces ten uniemożliwia mi oglądanie dzieła w trakcie tworzenia. Nie mam wizualnego feedbacku ani kontroli podczas procesu — to coś, co akceptuję. Pozwalam na „losowe eksperymenty” — wszystko, co prowadzi do skrócenia rozumu — aby kształtować efekt, warstwy i efekt lustrzany, które tworzę, zostawiając miejsce na objawienie i odkrycie, kiedy praca zostanie ostatecznie zaprezentowana. Ale wyraźmy to jasno: w moich obrazach przypadek nigdy nie podejmuje decyzji; co najwyżej zadaje pytania; znaczące „zbiegnięcia okoliczności” są możliwe tylko przy dużej dyscyplinie. To podejście, które rezonuje z procesem objawienia / utrwalenia fotografii, bywa wyzwaniem i uwolnieniem. Wartości kompozycji są wzbogacone warstwami i przejrzystościami, nadając każdemu dziełu „ascetyczną” jakość: cieszę się, gdy rozpoznaję „nieodłączne konieczności”, tj. to, co prawdopodobnie odkryjemy, gdy zatrzymamy się w ciszy i świetle.

Świadkałem, że moje podejście jest celowo proste. Nie chodzi o „emocje” ani „teoretyczne pojęcie”, lecz o doświadczenie bycia. Nie o „szybką konsumpcję” ani „intellectualizację / intelektualne posiadanie”, lecz poszerzanie świadomości i badanie rzeczywistości — jej widzialnych i niewidzialnych historii; moja sztuka to poszukiwanie „życia w samym sercu życia”, tego, co Alain Damasio nazywa „le vif”. Choć nostalgia od zawsze była częścią mojej pracy, moje malarstwo nie ma przedmiotu. Jak każdy przedmiot, jest sam w sobie przedmiotem. Z tego powodu nie ma treści, ani sensu, ani znaczenia; jest jak rzeczy, drzewa, zwierzęta, ludzie czy dni, które także nie mają powodu bytu, końca ani celu. Choć moje prace czasem mogą przywodzić na myśl przejrzystość i luminescencję witraża, pozostają prawie całkowicie abstrakcyjne. Co więcej, plexiglass nadaje malarstwu błyszczącą skórę, pod którą można dostrzec własny kontur, różny dla każdego nowego widza. Każde dzieło działa jak dyskretyczne lustro: żyje, zmienia się, widzi. Wzajemne oddziaływanie światła, koloru i faktury, również brakujących części, wymaga jedynie empatii. Mam nadzieję, że gra między „szczegółami z bliska” — szczegół obrazu to zupełnie nowy obraz — a „oddalenie dla całości” zachęci widzów do podjęcia własnych podróży introspekcyjnych.

Nie twierdzę, że mam wszystkie odpowiedzi i chcę pozostać pokornym wobec tego, co można osiągnąć. Po prostu czerpię satysfakcję z ciągłego zadawania pytań i rozwoju. Każde nowe dzieło to konfrontacja z moimi ograniczeniami, zmuszająca mnie do doskonalenia umiejętności i dalszego badania tego, co mogę osiągnąć. Malarstwo to dla mnie codzienny rzemień, eksploracja, sposób na wywołanie znaczących rozmów, poszukiwanie farby tak doskonałej, że nie potrzebuje nas. Epoka nieformalna dopiero się zaczęła.

Jak mawiał Jean Bazaine: „Codzienna praktyka potęguje pasję do widzenia”.

O konsekwencji w mojej praktyce

W krajobrazie współczesnej sztuki, gdzie koncepcja i forma mają równą wagę, dążę do tworzenia prac, które nie są definiowane przez prominentność, lecz przez obecność. Moje malarstwa — mieniace się pola koloru i światła w plexiglassie — to ciche, przemyślane efekty długiego i celowego dochodzenia. Dla mnie prawdziwy nacisk kładzie się na to, co jest na końcu zamiast na ostatecznym obrazie, nad cichą interakcją myśli i procesu, która umożliwia jego wyłonienie.

To podejście opiera się na trzech spójnych intencjach.

Pierwsza to Wycofanie się z narzuconego znaczenia. Opisując prace jako „bez przedmiotu” i mające „nie zawierać treści, znaczenia ani sensu”, mam nadzieję delikatnie zredukować oczekiwanie narracyjne. To zaproszenie do odejścia od dekodowania i ku prostszej formie patrzenia.

Prowadzi to do drugiej intencji: Primat Doświadczania Życia. W tej otwartej przestrzeni staram się umieścić to, co nazywam „doświadczeniem bycia”. Praca staje się mniej przedmiotem do interpretacji niż cichym zdarzeniem do odczucia — kształtowanym przez zmieniające się światło, przezroczyste warstwy i delikatne odbicie widza spotykającego własny wzrok. Jak często podkreślam, praca „żyje, zmienia się, widzi.”

Trzecia intencja to punkt, w którym pomysł spotyka rękę: Proces jako Umyślone Myśl. Malowanie na odwrotnej stronie plexiglassu, bez widocznego feedbacku, to fizyczna praktyka pozwalająca odpuścić. To świadome uwolnienie kontroli w akcie tworzenia. Ustalam warunki, lecz poddaję wynik, pozwalając malarstwu stać się tym, co nazywam niezależnym „przedmiotem samym w sobie”, całkowicie ujawnionym dopiero po zakończeniu. To niemal milczący parallel do rozwoju fotografii — cierpliwe oczekiwanie na to, co przychodzi „tu i teraz.”

Wytrzymuje te intencje kilka łagodnych paradoksów, które utrzymują pracę:

Szansa i Dyscyplina
Mówię o „znaczących ‘zbiegnięciach okoliczności’”, ale są one możliwe tylko w ramach ostrożnych granic. Szansa jest mile widzianym gościem, ale struktura powstaje z dbałością.

Komunikacja Bez Przesłania
Mam nadzieję „komunikować coś” poprzez prace, które nazywam bezsensownymi. Być może to, co dzielimy, nie jest oświadczeniem, lecz stanem — fakturą światła, spokojną obecnością, namacalnym milczeniem.

Nostalgia za Obecnym
Delikatna nostalgia nadal przewija się przez pracę, ale celuje w teraźniejszość: tęsknotę za „nieodłącznymi koniecznościami” znajdującymi się w „ciszy i świetle” — pragnienie czystej obecności, którą sama praca cicho oferuje.

Wysiłek i Łatwość
Proces wymaga stałej uwagi, a jednocześnie dąży do wyniku, który wydaje się autonomiczny, jakby „wyłonił się sam z siebie.” Skłaniam się ku temu, co wydaje się całkowicie nieuniknione.
W tym duchu doszedłem do przekonania, że „epoka nieformalna dopiero się zaczęła.” Moja praktyka pozostaje w dłoni ducha Art Informel, choć może z mniejszym zrozpaczeniem i większym spokojem — nieformalność, gdzie przypadek nie jest przerwą, lecz cichym współpracownikiem.

W sercu tkwi poszukiwanie „le vif” — żywego jądra. Praca skłania się ku bezpośredniemu doświadczeniu, a nie intelektualizacji. Skromna skala, którą często wybieram, ma na celu zachęcenie do intymności, a nie do efektu show.

Na koniec, to po prostu droga jednego artysty. Moja biografia, mój proces i moje refleksje nie są oddzielnymi wątkami, lecz częściami jednej drogi. Odkryłem, że praktyka oparta na cichym paradoksie nie musi być krucha. Dzięki dyscyplinie i klarowności takie napięcia mogą stać się, w moim przekonaniu, źródłem wytrzymałości.

Anton Kaestner