Tijs Dragtsma (1992) - A Tangle Lit by Thousands

Patrząc z góry na skrzyżowanie ma ono spokój, bezosobowy porządek czegoś zaprojektowanego, a nie zamieszkanego. Rampy wiją się, krzyżują, rozchodzą się i ponownie łączą, węzeł ruchu trzymany w idealnym bezruchu. To, co powinno być zwyczajne — samochody jadące do pracy, do domu, w kierunku niczego konkretnie nieznanego — z tej wysokości staje się wzorem o ciężarze gwiazdozbioru.

Każde z tych świateł to osoba, ktoś w połowie podróży, myślący o spotkaniu, o telefonie, o kłótni, która jeszcze nie została zakończona. Z tej odległości nic z tego nie widać. Pozostaje natomiast ich wspólny kształt, pole pojedynczych znaków zgranych w ciasne pętle i linie, nie do odróżnienia od siebie, noszących ten sam ciężar, co droga pod nimi.

Żadna farba. Żadny druk. Żadna tusz. Obraz jest zarysowany na powierzchni akrylowego szkła; pasy i ich światła zbudowane z pola drobnych zarysowań ściśle ze sobą sklejonych tam, gdzie gromadzi się ruch, i oddalonych tam, gdzie droga staje się cicha. Z odległości wygląda jak jedna ciągła sieć światła zawieszona w czerni. Z bliska ta sieć rozpada się na znaki, które ją stworzyły.

Obraz nie czeka, aż lampa go odnajdzie. Obecny jest w zwykłym świetle dziennym, tak samo jak po zapadnięciu nocy, zarysowany w samym akrylowym szkle, a nie naniesiony na jego powierzchnię. Bezpośrednie światło go nie przywołuje. Światło nie tworzy obrazu. Go ostrzy, pogłębia połysk pętli i to, co je trzyma w czerni. Dzieło czyta się inaczej w zależności od kąta, pod jakim patrzy się na pokój, bez utraty obrazu, który ujrzało się na początku.

A Tangle Lit by Thousands należy do A Matter of Scale, serii w ramach Art with Scratch autorstwa Tijsa Dragtsmy, w której obraz tworzony jest poprzez kontrolowane uszkodzenie powierzchni zamiast pigmentu lub druku, a to samo uszkodzenie staje się sposobem zestawienia pojedynczego poranka z rozmiarem tłumu, który go niesie, spokojnie, bez zwracania uwagi na to, jak bardzo się on z nich zmniejszył.

Większość osób stojących przed tym dziełem gdzieś w ostatnich dniach sprawiła, że coś małego wydaje się ogromne: opóźniona odpowiedź, źle zrozumiany komentarz, spotkanie rozpoczynające się z opóźnieniem. Skrzyżowanie nie sprzecza się z tym uczuciem, po prostu proponuje skalę. Gdzieś w tym splotu jedno z przednich świateł niesie kogoś przez dokładnie taką wieczorną chwilę, a praca nie prosi o to, byś ją odnalazł. Prosi jedynie, byś zauważył, jak niewielką różnicę czyni, z tej wysokości, które to było.

„Z wystarczająco dużej odległości nawet godzina szczytu wygląda na odpoczynek.”

O Art with Scratch

Art with Scratch to zbiór prac, w których obraz nie jest rysowany, lecz uwalniany. Rzeźbiony linia po linii w gładkiej, czarnej powierzchni, każda praca powstaje dzięki niezliczonym, precyzyjnym zadrapaniom, które łapią światło i wyprowadzają formę z ciemności.

Z daleka obraz wydaje się niemal fotograficzny. Silny, rozpoznawalny i pełen obecności. Z bliska prace rozpływają się w gęste pole pojedynczych znaków. Delikatne, kruche i prawie bez ciężaru. To, co wydawało się solidne, ukazuje się jako subtelna sieć linii, każda gest celowy, każda niezbędna całemu miejscu.

Światło nie tworzy obrazu. Go ostrzy. Czerń pochłania, podczas gdy zarysowane linie odbijają światło. W miarę zmiany światła na powierzchni obraz „oddycha”. Z jednego kąta figura jest wyraźna i zdefiniowana. Z innego łagodnieje i wraca do ciemności, z której się wyłoniła, nigdy nie znikając. Pod skoncentrowanym reflektorem kontrast pogłębia się i obraz przybiera rzeźbiarski, niemal luminescencyjny charakter.

To, co czyni to medium tak pociągającym, to jego spokojne napięcie. Akt zadrapywania jest bezpośredni i nieodwracalny. Każda linia to decyzja, której nie da się cofnąć. A jednak wynik nie jest ostry. Jest intymny, nastrojowy i żywy ruchem. Twardość staje się miękkością. Zniszczenie staje się tworzeniem. Nieobecność staje się obecnością.

W pracach takich jak to portret, postać nigdy nie jest całkowicie utrwalona. Dzięki grze linii, światła i cienia obraz zmienia się wraz z perspektywą i atmosferą. W pewnych momentach temat zdaje się wyjść z czerni i podejść bliżej. W innych wycofuje się w bezruch. To właśnie w tym ruchu, między ostrością a spokojem, dzieło nabiera życia.

Podobnie jak wszystkie materiały dotknięte upływem czasu, powierzchnia nosi swoją własną cichą historię. Każde zadrapanie trzyma chwilę, oddech, gest. Razem tworzą nie tylko obraz, lecz obecność, która nadal ujawnia się przy każdej zmianie światła.

O artyście

Nazywam się Tijs Dragtsma, założyciel TD Fine Art Studio.

Jako artysta kieruję się stałą chęcią eksplorowania nowych języków wizualnych. Nie widzę sztuki jako stałego stylu, lecz jako rozwijające się pole odkryć, gdzie materiał, struktura, światło i emocja łączą się.

Moja praca zaczyna się często od prostego pytania. Jak materiał może przemówić w nowy sposób. Jak twardość może stać się intymnością. Jak precyzja może tworzyć emocję. To poszukiwanie leży u serca wszystkiego, co tworzę.

W TD Fine Art Studio każda seria prac traktowana jest jak własny świat, z własną logiką, atmosferą i identyfikacją wizualną. Niektóre prace budowane są poprzez rytm, powtórzenia i strukturę. Inne pojawiają się dzięki braku, cieniu, refleksji lub napięciu. To, co je łączy, to wspólne zaangażowanie w oryginalność, klarowność i obecność emocjonalną.

Interesuje mnie kontrast. Między siłą a kruchością. Między kontrolą a odczuciem. Między tym, co widoczne, a tym, co pozostawione otwarte do interpretacji. Moją celem nie jest jedynie stworzenie obrazu, lecz stworzenie dzieła, które przyciąga uwagę, zaprasza do refleksji i nadal się ujawnia z upływem czasu.

TD Fine Art Studio to przestrzeń, w której te poszukiwania się łączą. To nie tylko studio, lecz ewoluujący uniwersum artystyczny ukształtowany przez ciekawość, precyzję i ambicję tworzenia prac, które czują się charakterystycznie, celowo i żywo.