Anton Kaestner - #497 - M - " Djebel ".

Unikatowy egzemplarz, oryginalny obraz Anton Kaestnera, prosto z pracowni.
#497 - M - " Djebel ".

Akrystalizacja w sprayu na płycie z pleksiglasu o grubości 3 mm (UV ochronny).
To nie jest reprodukcja. To oryginalne dzieło „wielowarstwowe”, o błyszczącym wykończeniu przypominającym zastosowanie żywicy, które jest unikalne.

Wymiary : 19,7" x 15,4" x 0,12" / 50 x 39 x 0,3 cm bez ramy.

Obraz nie jest dostarczany w ramie.
Wysokiej jakości rama marki niemieckiej Nielsen w aluminium, referencja 34 524 fornirowana dębem (calowe 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm) lub inna dostępna i rekomendowana opcja wykończenia przy wysyłce za dodatkowe 90€ brutto.

Dzieło podpisane na odwrocie.
Towarzyszy Certyfikat Autentyczności.
Dostawa objęta ubezpieczeniem.

Anton Kaestner to szwajcarski malarz, rzeźbiarz i autor, mieszkający w Paryżu. Jego prace prezentowane są w całej Europie, w Szwajcarii i w Dubaju. Więcej informacji i dostępnych opcji na www.antonkaestner.com.

Następna wystawa indywidualna - Genewa, styczeń 2027.

Biografia

Urodzony w Genewie, Szwajcaria, dorastałem w otoczeniu naturalnego piękna i bogactwa kulturowego mojego kraju. Kreatywność była ceniona w mojej rodzinie, a to mój zmarły dziadek, rzemieślnik i artysta, miał wpływ na to, co stało się moją życiową pasją.
W 1993 roku zacząłem malować prywatnie, eksperymentując z niezliczonymi akrylami w notatnikach A4, a później A3 – zawsze czułem, że duże obrazy atakują nas bezpośrednio, dominująco i onieśmielają, podczas gdy małe prace mogą wzbudzić znacznie większą miłość. Po raz pierwszy pociągały mnie malarstwo niefiguralne i abstrakcyjny ekspresjonizm.
Z czasem, pomimo tego że uważam się za ateistę, rozwinąłem również sympatię do duchowych materiałów, które rezonowały z moimi poszukiwaniami ludzkiej egzystencji i głębszych praw natury i życia.

Jednak droga do prawdziwego zostania artystą nie była od razu oczywista.
Przez ponad trzy dekady prowadziłem międzynarodową karierę w biznesie, która zaprowadziła mnie po całym świecie – od Stanów Zjednoczonych po Maroko, Belgię, przez Azję i Francję. Moje podróże poszerzyły mój sposób myślenia, wystawiając mnie na szeroki zakres wpływów kulturowych. Gdziekolwiek bym nie był, angażowałem się w lokalne sceny artystyczne i czerpałem z kreatywnej energii każdego miejsca.
Pomimo koncentracji na karierze biznesowej, sztuka zawsze była częścią mnie, cicho tliła się pod powierzchnią. Przez prawie 30 lat malowanie stało się dla mnie formą sekretnej medytacji — sposobem na oderwanie się od świata i skoncentrowanie na własnym wnętrzu.

Zawsze czerpałem ogromną satysfakcję z malowania. Każde nowe dzieło to podróż, podczas której mogę testować swoją kreatywność, eksplorować nowe techniki i przeżywać prawdziwe doświadczenia. Dzięki mojej sztuce chciałem zawsze ofiarować innym szczere spotkanie z pięknem, możliwość zobaczenia świata z innej perspektywy i refleksji nad własnym życiem.

W 2023 roku, po przejściu na emeryturę z kariery biznesowej, całkowicie oddałem się malarstwu. Założyłem studio w Paryżu i zacząłem całkowicie poświęcać się sztuce. Pod koniec 2024 roku uruchomiłem swoją publiczną karierę artystyczną i ku mojemu zdziwieniu moje prace szybko zyskały rozgłos, trafiając do prywatnych kolekcji w całej Europie, zwłaszcza w Niemczech, Portugalii, Belgii, Włoszech i Holandii.

Pod koniec 2025 roku przeniosłem się do większego studia w opuszczonym zakrystianie w Lisieux, Normandia.

CV artystyczne

Moja pierwsza wystawa indywidualna, „Échos”, która miała miejsce w Paryżu pod koniec 2024 roku, ukazała charakterystyczne podejście do sztuki — inne niż tradycyjne techniki malarskie: maluję akrylami, metalicznymi pigmentami i sprayami na odwrocie przetworzonego pleksiglasu (Perpex), lekkiej, gładkiej, błyszczącej, czasem kruchiej powierzchni. Proces ten uniemożliwia mi obserwowanie pracy w trakcie jej tworzenia. Nie mam wizualnego feedbacku ani kontroli podczas procesu — to coś, co przyjmuję. Pozwalam na „losowe eksperymenty” — wszystko, co prowadzi do skrócenia ograniczeń rozumu — kierować rezultatem, warstwami i efektami lustrzanymi, które tworzę, pozostawiając miejsce na objawienie i odkrycie, gdy dzieło zostanie ostatecznie eksponowane. Ale bądźmy jasni: w moich obrazach przypadek nigdy nie podejmuje decyzji; co najwyżej przypadek zadaje pytania; sensowne „przypadki” są możliwe jedynie przy dużej dyscyplinie. To podejście, które koresponduje z procesem objawienia / utrwalania fotografii, jest wyzwaniem i wyzwalaniem. Wartości kompozycji wzbogacają się o warstwy i transparentność, nadając każdemu dziełu „ascetyczną” jakość: jestem szczęśliwy, gdy rozpoznaję „niepodlegające rozpoznaniu potrzeby”, czyli to, co prawdopodobnie odkryjemy, gdy zatrzymamy się w ciszy i świetle.

Świadomie utrzymuję podejście proste. Nie mówię tu o „emocjach” ani „teoretycznej koncepcji”, lecz o doświadczeniu bycia. Nie „szybkiej konsumpcji” ani „intelektualizacji / intelektualnej posiadłości”, lecz poszerzaniu świadomości i eksploracji rzeczywistości, jej widocznych i niewidocznych opowieści, moja sztuka to poszukiwanie „życia w samym sercu życia”, tego, co Alain Damasio nazywa „le vif”. Chociaż nostalgia zawsze była częścią mojej pracy, moje malarstwo jest bez przedmiotu. Jak wszystkie przedmioty, są one przedmiotami same w sobie. W związku z tym nie mają ani treści, ani znaczenia, ani sensu; są jak rzeczy, drzewa, zwierzęta, ludzie lub dni, które również nie mają powodu bytu, końca ani celu. Choć moje prace czasem kojarzą się z przeźroczystością i jasnością witraży, pozostają prawie całkowicie abstrakcyjne. Co więcej, pleksiglas nadaje malarstwu błyszczącą skórę, pod którą można dostrzec własny kontur, inny dla każdego nowego widza. Każde dzieło działa jak dyskretny lustro: żyje, zmienia się, widzi. Wzajemne oddziaływanie światła, koloru i faktury, także brakujących części, wymaga jedynie empatii. Mam nadzieję, że gra między „szczegółami z bliska” — szczegół obrazu to całkiem nowy obraz — a „odległością dla całości” zachęci widzów do własnych, introspekcyjnych podróży.

Nie twierdzę, że mam wszystkie odpowiedzi i chcę pozostawać pokorny wobec tego, co można osiągnąć. Po prostu odnajduję satysfakcję w nieustannym zadawaniu pytań i rozwoju. Każde nowe dzieło to konfrontacja z moimi ograniczeniami, której celem jest doprecyzowanie umiejętności i dalsze poszukiwanie tego, co mogę osiągnąć. Malarstwo dla mnie to codzienny rzemiosło, eksploracja, sposób na pobudzanie znaczących rozmów, poszukiwanie farby tak doskonałej, że nie potrzebuje nas. Era nieformalna dopiero się zaczęła.

Jak mawiał Jean Bazaine: „Codzienna praktyka potryмuje pasję oglądania”.

O spójności w mojej praktyce

W krajobrazie współczesnej sztuki, gdzie koncepcja i forma mają równą wagę, dążę do tworzenia prac definiowanych nie przez prominentność, ale przez obecność. Moje obrazy — błyszczące pola koloru i światła w pleksiglasie — to ciche efekty długiego i świadomego dochodzenia. Dla mnie prawdziwy nacisk kładzie się na mniejszy obraz niż na cichy współudział myśli i procesu, który umożliwia jego powstanie.

Ta praktyka opiera się na trzech zbieżnych zamiarach.

Pierwszy to Wycofanie z narzuconego sensu. Opisując prace jako „bez przedmiotu” i posiadające „ani treść, ani sens, ani znaczenie”, mam nadzieję delikatnie rozluźnić oczekiwanie narracyjne. To zaproszenie do odejścia od dekodowania i skierowania wzroku ku prostszemu spojrzeniu.

To prowadzi do drugiego zamiaru: Priorytet doświadczonego życia. W tej otwartej przestrzeni staram się włożyć to, co nazywam „doświadczeniem bycia”. Dzieło staje się mniej obiektem do interpretacji, a raczej cichym zdarzeniem do odczucia — kształtowanym przez zmieniające się światło, przezroczyste warstwy i delikatne odbicie widza spotykającego własny wzrok. Jak często zauważam, praca „żyje, zmienia się, widzi”.

Trzeci to miejsce, gdzie idea spotyka rękę: Proces jako Umyślany Myśl. Malowanie na odwrotnej stronie pleksiglasu, praca bez wizualnego feedbacku, to fizyczna praktyka pozwalająca odpuścić. To świadome uwolnienie kontroli w akcie tworzenia. Ustalam warunki, lecz poddaję wynik, pozwalając malarstwu stać się tym, co nazywam niezależnym „przedmiotem samego w sobie”, całkowicie ujawnionym dopiero gdy jest ukończone. To ciche porównanie do rozwoju fotograficznego — cierpliwe oczekiwanie na to, co przychodzi „tu i teraz”.

Trzymanie tych zamiarów to także kilka łagodnych paradoksów, które podtrzymują dzieło:

Szansa i dyscyplina
Mówię o „znaczących ‘przypadkach’”, ale są one możliwe jedynie w określonych granicach. Przypadek jest mile widzianym gościem, ale struktura jest budowana z rozwagą.

Komunikacja bez przesłania
Mam nadzieję, że „komunikuję coś” poprzez prace, które nazywam bezsensownymi. Być może to nie oświadczenie, lecz stan — faktura światła, cicha obecność, wyczuwalna cisza.

Nostalgia za obecnym momentem
W pracach pozostaje subtelna nostalgia, która jednak skierowana jest ku teraz: pragnienie „niepodlegających rozpoznaniu potrzeb” znajdujących się w „ciszy i świetle” — pragnienie czystej obecności, którą praca sama w sobie cicho oferuje.

Wysiłek i bezwysiłkowość
Proces wymaga stałej uwagi, lecz dąży do rezultatu, który wydaje się autonomiczny, jakby „wyszedł sam z siebie”. Atraktuje mnie to, co wydaje się całkowicie nieuniknione.
W tym duchu uważam, że „epoka nieformalności dopiero się zaczęła”. Moja praktyka jest wdzięczna duchowi Art Informel, choć może z mniejszym lękiem i większym spokojem — nieformalność, w której przypadek nie jest zrywem, lecz cichy współpracownik.

W swojej istocie jest to poszukiwanie „le vif” — żywego rdzenia. Dzieło skłania się ku bezpośredniemu doświadczeniu zamiast intelektualizacji. Skromne skalowanie, które często wybieram, ma na celu zachęcić do intymności, a nie efektów.

W końcu to po prostu droga jednego artysty. Moja biografia, mój proces i moje refleksje nie są oddzielnymi wątkami, lecz częściami jednego poszukiwania. Odkryłem, że praktyka oparta na cichym paradoksie nie musi być krucha. Dzięki dyscyplinie i jasności takie napięcia mogą stać się, wierzę, źródłem odporności.

Anton Kaestner