Anton Kaestner - #485 - M - " Paysage #1 ".

Jedyny w swoim rodzaju obraz, oryginalna akrylowa praca Anton Kaestnera, z samego atelier.
#485 - M - "Pejzaż #1".

Spray acrylic on 3 mm pleksi (UV resistant).
To nie jest wydruk. To oryginalne dzieło „wielowarstwowe”, o blasku wykończenia „glossy”, zbliżonym do efektu zastosowania żywicy, co czyni go unikalnym.

Wymiary: 17,3 x 12,6 x 0,12 cala / 44 x 32 x 0,3 cm bez ramki.

Obraz dostarczany bez ramy.
Ramka wysokiej jakości marki niemieckiej Nielsen, aluminium, referencja 34 520 pokrycie bielonym dębem (dla cala: 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm) zalecana i dostępna przy wysyłce za dodatkowe 90€ brutto.

Dzieło podpisane z tyłu.
Towarzyszy certyfikat autentyczności.
Przesyłka objęta ubezpieczeniem.

Anton Kaestner to szwajcarski malarz, rzeźbiarz i autor, mieszkający w Paryżu. Jego prace prezentowane są w całej Europie, w Szwajcarii i w Dubaju. Więcej informacji i wybór prac na www.antonkaestner.com.

Następna wystawa indywidualna - Genewa, styczeń 2027.

Biografia

Urodzony w Genewie, Szwajcaria, dorastałem otoczony naturalnym pięknem i bogactwem kulturowym mojego kraju. Twórczość była ceniona w mojej rodzinie, a to mój zmarły dziadek, rzemieślnik i artysta, wywarł wpływ i zasiał nasienie pasji, która stała się moim życiem.
W 1993 r. zacząłem malować prywatnie, eksperymentując z niezliczonymi akrylami w notesach A4, potem A3 – od zawsze czułem, że duże obrazy atakują Cię od razu, dominują i onieśmielają, podczas gdy małe prace potrafią wzbudzić więcej miłości. Najpierw pociągało mnie malarstwo niefiguratywne i abstrakcyjny ekspresjonizm.
Z czasem, choć uważam się za ateistę, rozwinąłem również zamiłowanie do duchowych materiałów, które rezonowały z moimi poszukiwaniami egzystencji ludzkiej i głębszych praw natury i życia.

Jednak droga do prawdziwego artysty nie była od razu prosta.
Przez ponad trzy dekady prowadziłem międzynarodową karierę biznesową, która zaprowadziła mnie po całym świecie — od Stanów Zjednoczonych po Maroko, Belgię, przez Azję i Francję. Moje podróże poszerzyły moją perspektywę, naświetlając różnorodne wpływy kulturowe. Gdziekolwiek byłem, zanurzałem się w lokalne sceny artystyczne i doświadczałem kreatywnej energii każdego miejsca.
Pomimo skoncentrowania na karierze biznesowej sztuka zawsze była częścią mnie, cicho tliła się pod powierzchnią. Przez prawie 30 lat malowanie stało się dla mnie formą tajemniczej medytacji — sposobem na oderwanie się od świata i skupienie na sobie wewnętrznym.

Zawsze czerpałem ogromną satysfakcję z malowania. Każde nowe dzieło to podróż, w której mogę testować swoją kreatywność, eksplorować nowe techniki i przeżywać prawdziwe doświadczenia. Poprzez moje sztuki pragnąłem ofiarować innym szczere spotkanie z pięknem, możliwość spojrzenia na świat z innej perspektywy i refleksji nad własnym życiem.

W 2023 r., po przejściu na emeryturę z kariery biznesowej, całkowicie poświęciłem się malarstwu. Założyłem studio w Paryżu i zacząłem całkowicie oddawać się swojej sztuce. Do końca 2024 r. uruchomiłem swoją publiczną karierę artystyczną i, ku mojemu zaskoczeniu, moja praca szybko zyskała uznanie, znalazła domy w prywatnych kolekcjach w całej Europie, przede wszystkim w Niemczech, Portugalii, Belgii, Włoszech i Holandii.

Pod koniec 2025 r. przeprowadziłem się do większego studia w opuszczonej mszy i w Lisieux w Normandii.

Artystyczne CV

Moja pierwsza wystawa indywidualna, „Échos”, która miała miejsce w Paryżu pod koniec 2024 r., ukazała wyjątkowe podejście do sztuki, z dala od tradycyjnych technik malarskich: maluję akrylami, pigmentami metalicznymi i sprayami na odwrocie recyklingowanego pleksiglasu (Perpex), lekkiej, gładkiej, błyszczącej i czasem delikatnej powierzchni. Ten proces uniemożliwia mi widzenie dzieła w trakcie powstawania. Nie mam wizualnego sprzężenia zwrotnego ani kontroli podczas procesu — to coś, co akceptuję. Pozwalam na „losowe eksperymenty” — cokolwiek, co zakłóca rozum — aby kierować wynikiem, warstwami i efektami lustra, które tworzę, zostawiając miejsce na objawienie i odkrycie, gdy dzieło zostanie wreszcie pokazane. Jednak wyraźnie: w moich obrazach przypadek nigdy nie podejmuje decyzji; co najwyżej przypadek stawia pytania; znaczące „zbiegnięcia okoliczności” są możliwe tylko przy dużej dyscyplinie. To podejście, które koresponduje z procesem revelation/fixation fotografii, jest zarówno wyzwalające, jak i trudne. Wartości kompozycji wzbogacają warstwy i przejrzystości, nadając każdemu dziełu „ascetyczną” cechę: cieszę się, gdy rozpoznaję „niezbywalne konieczności”, tj. to, co prawdopodobnie odkryjemy, gdy zatrzymamy się w milczeniu i świetle.

Świadomie utrzymuję podejście proste. Ani „emocje”, ani „teoretyczna koncepcja”, lecz doświadczenie bycia. Ani „szybkie konsumowanie”, ani „intelektualizacja/posiadanie intelektualne”, lecz poszerzanie świadomości i eksploracja rzeczywistości, jej widocznych i niewidocznych historii — moja sztuka to poszukiwanie „życia w samym sercu życia”, tego, co Alain Damasio nazywa „le vif”. Choć nostalgia zawsze była częścią mojej pracy, moje malarstwo nie ma przedmiotu. Jak wszystkie przedmioty, są one przedmiotem samym w sobie. W związku z tym nie mają treści, ani znaczenia, ani sensu; są jak rzeczy, drzewa, zwierzęta, ludzie czy dni — także one nie mają powodu bytu, końca ani celu. Chociaż czasem moje prace mogą przywoływać przejrzystość i jasność witraża, pozostają prawie w ogóle abstrakcyjne. Co więcej, pleksiglas nadaje obrazowi błyszczącą skórkę, dzięki czemu można dostrzec swoją sylwetkę, która będzie inna dla każdego nowego widza. Każde dzieło działa jak dyskretnie lustro: żyje, zmienia się, widzi. Gra światła, koloru i faktury, a także niedobory części, wymaga jedynie empatii. Mam nadzieję, że gra między „szczegółami z bliska” — szczegół obrazu to całkiem nowy obraz — a „odległością dla całości” zachęci widzów do podjęcia własnych introspekcyjnych podróży.

Nie twierdzę, że mam wszystkie odpowiedzi, i pragnę pozostać pokorny co do tego, co można osiągnąć. Po prostu czerpię satysfakcję z ciągłego zadawania pytań i rozwoju. Każde nowe dzieło to konfrontacja z moimi granicami, skłaniająca mnie do doskonalenia umiejętności i dalszych eksploracji tego, co mogę osiągnąć. Malarstwo dla mnie to codzienne rzemiosło, eksploracja, sposób na wywołanie znaczących rozmów, poszukiwanie farby tak doskonałej, że nie potrzebuje nas. Wieku sztuki nieformalnej dopiero się zaczyna.

Jak mawiał Jean Bazaine: „Codzienna praktyka potęguje pasję widzenia”.

O spójności w mojej praktyce

W krajobrazie współczesnej sztuki, gdzie koncepcja i forma mają równą wagę, dążę do tworzenia prac, które nie są definiowane przez pierwszeństwo, lecz przez obecność. Moje malowidła — migotliwe pola koloru i światła w pleksiglassie — są cichymi rezultatami długiego i przemyślanego dochodzenia. Dla mnie prawdziwą koncentracją nie jest sam końcowy obraz, lecz cicha interakcja myśli i procesu, która pozwala mu wyjść na jaw.

Ta praktyka opiera się na trzech zbieżnych intencjach.

Pierwszą jest Wycofanie z narzuconego znaczenia. Opisując prace jako „bez przedmiotu” i mające „ani treść, ani znaczenie, ani sens”, mam nadzieję delikatnie poluzować oczekiwanie narracyjne. To zaproszenie do oderwania się od dekodowania i skierowania wzroku ku bardziej bezpośredniemu rodzajowi patrzenia.

To prowadzi do drugiej intencji: Pierwotność Doświadczania Życia. W to otwarte miejsce staram się włożyć to, co nazywam „doświadczeniem bycia”. Dzieło staje się mniej przedmiotem do interpretacji niż cichym zdarzeniem do odczucia — kształtowanym przez zmienne światło, przejrzyste warstwy i słabe odbicie widza spotykającego własny wzrok. Jak często zauważam, praca „żyje, zmienia się, widzi”.

Trzecia to miejsce, gdzie idea spotyka rękę: Proces jako Ugruntowana Myśl. Malowanie na odwrocie pleksiglasu, praca bez wizualnej informacji zwrotnej, to praktyka fizyczna pozwalająca odejść od kontroli. To świadome uwolnienie od kontroli w akcie tworzenia. Ustalam warunki, ale poddajam wynik, pozwalając malarstwu stać się tym, co nazywam niezależnym „przedmiotem samego w sobie”, w pełni ujawnionym dopiero gdy jest ukończone. To ciche porównanie do wywoływania fotografii — cierpliwa czeka na to, co przychodzi „tu i teraz”.

Podtrzymują to kilka łagodnych paradoksów, które utrzymują pracę:

Szansa i Dyscyplina
Mówię o „znaczących ‘zbiegnięciach okoliczności’”, ale są one możliwe tylko w ostro wyznaczonych granicach. Szansa jest mile widzianym gościem, lecz struktura jest zbudowana z starannością.

Komunikacja Bez Treści
Mam nadzieję „komunikować coś” poprzez prace, które nazywam bezsensownymi. Być może to, co dzielimy, nie jest stwierdzeniem, lecz stanem — fakturą światła, cichą obecnością, namacalną ciszą.

Nostalgia za Obecnością
W dziele una lekka nostalgia, ale celuje ona w teraz: pragnienie „niezbywalnych potrzeb” znajdujących się w „milczeniu i świetle” — chęć czystej obecności, którą sama praca skrycie oferuje.

Wysiłek i Łatwość
Proces wymaga stałej uwagi, lecz dąży do wyniku, który wydaje się samodzielny, jakby „wyłonił się sam z siebie”. Przyciąga mnie to, co wydaje się całkowicie nieuniknione.
W tym duchu doszedłem do przekonania, że „wiek nieformalności dopiero się zaczyna”. Moja praktyka jest zadłużona wobec ducha Sztuki Widocznej, choć może z mniejszym cierpieniem i większym spokojem — nieformalność, w której przypadek nie jest przerwą, lecz cichym współpracownikiem.

W sercu tkwi poszukiwanie „le vif” — żywego rdzenia. Dzieło skłania się ku bezpośredniemu doświadczeniu, a nie intelektualizacji. Skromna skala, którą często wybieram, ma na celu wzmacniać intymność, a nie spektakl.
W końcu to po prostu ścieżka jednego artysty. Moja biografia, mój proces i moje refleksje nie są oddzielnymi wątkami, lecz częściami jednej i tej samej drogi. Zauważyłem, że praktyka osadzona w cichym paradoksie nie musi być krucha. Dzięki dyscyplinie i jasności napięcia mogą stać się — wierzę — źródłem odporności.

Anton Kaestner