Anton Kaestner - #510 - M - " Suncub ".

Unikatowy obraz, oryginalna malowidło Anton Kaestner, prosto z pracowni.
#510 - M - " Suncub ".

Akyrylowy spray na panelu z plexiglasu 3 mm (UV),
To dzieło nie jest wydrukiem. To oryginalne, wielowarstwowe dzieło o błyszczącym wykończeniu, przypominającym polanie żywicą, co czyni je unikatowym.

Wymiary : cale 17,3 × 12,6 × 0,12 / 44 × 32 × 0,3 cm bez ramy.

To dzieło dostarczane jest bez ramy.
Ramka wysokiej jakości marki niemieckiej Nielsen z aluminium, referencja 34 520 fornirowana Białym Dębem (cale 0,23 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm) zalecana i dostępna przy wysyłce za dodatkowe 90€ VAT wlicz.

Dzieło podpisane na odwrocie.
Towarzyszy Certyfikat Autentyczności.
Dostawa objęta ubezpieczeniem.

Anton Kaestner jest malarzem, rzeźbiarzem i autorem z Szwajcarii, mieszkającym w Paryżu. Jego prace są wystawiane w całej Europie, w Szwajcarii, w Dubaju i w Japonii. Więcej informacji i wybór na www.antonkaestner.com.

Następna wystawa indywidualna - Genewa, styczeń 2027.

Biografia

Urodzony w Genewie, Szwajcaria, dorastałem w otoczeniu naturalnego piękna i kulturowej bogactwa mojej ojczyzny. Kreatywność była ceniona w mojej rodzinie, a wpływ mojego tragicznie zmarłego dziadka, rzemieślnika i artysty, zasiał ziarno tego, czym na końcu stała się moja pasja życiowa.
W 1993 roku zacząłem malować prywatnie, eksperymentując z niezliczonymi akrylami w notatnikach A4, a potem A3 – zawsze czułem, że duże obrazy trafiają prosto w twarz, dominujące i onieśmielające, podczas gdy małe prace mogą wzbudzić znacznie więcej miłości. Najpierw pociągnęła mnie malarstwo niefiguratywne i abstrakcyjny ekspresjonizm.
Z czasem, mimo że uważam się za ateistę, rozwinąłem także upodobanie do duchowych materiałów, które rezonowały z moimi poszukiwaniami egzystencji ludzkiej i głębszych praw natury i życia.

Jednak droga do prawdziwego stania się artystą nie była natychmiastowa.
Przez ponad trzy dekady prowadziłem międzynarodową karierę w biznesie, podróżując po świecie od Stanów Zjednoczonych po Maroko, Belgię, po Azję i Francję. Moje podróże poszerzyły mój punkt widzenia, zapoznając mnie z szerokim wachlarzem wpływów kulturowych. Gdziekolwiek bym nie był, zanurzałem się w lokalne sceny artystyczne i angażowałem w kreatywną energię każdego miejsca.

Pomimo nacisku na karierę biznesową, sztuka była zawsze częścią mnie, cicho dusząca się pod powierzchnią. Przez prawie 30 lat malarstwo stało się formą sekretnej medytacji dla mnie—sposobem na wyrwanie się ze świata i skupienie się na swoim wnętrzu.

Zawsze czerpałem ogromną satysfakcję z malowania. Każde nowe dzieło to podróż, podczas której mogę testować moją kreatywność, eksplorować nowe techniki i przeżyć autentyczne doświadczenia. Poprzez moją sztukę zawsze miałem nadzieję oferować innym szczere spotkanie z pięknem, możliwość zobaczenia świata z innej perspektywy i refleksji nad własnym życiem.

W 2023 roku, po przejściu na emeryturę z kariery biznesowej, całkowicie zaangażowałem się w malarstwo. Założyłem swoje studio w Paryżu i całkowicie oddałem się sztuce. Pod koniec 2024 roku uruchomiłem swoją publiczną karierę artystyczną i, ku mojemu zdziwieniu, moje prace szybko zyskały uznanie, trafiając do prywatnych kolekcji w całej Europie, zwłaszcza w Niemczech, Portugalii, Belgii, Włoszech i Holandii.

Pod koniec 2025 roku przeniosłem się do większego studia w opuszczonej asyście w Lisieux, Normandia.

CV artystyczne

Moja pierwsza wystawa indywidualna, „Échos”, która miała miejsce w Paryżu pod koniec 2024 roku, ukazała charakterystyczne podejście do sztuki, z dala od tradycyjnych technik malarskich: maluję akrylami, metalicznymi pigmentami i sprayami na odwrocie recyklingowanego pleksiglassu (Perpex), lekka, gładka, błyszcząca i czasem krucha powierzchnia. Proces ten uniemożliwia mi widzenie pracy w trakcie rozwoju. Nie mam wizualnej informacji zwrotnej ani kontroli podczas procesu—coś, co akceptuję. Pozwalam na „pozwoleniowe eksperymenty” — cokolwiek idzie, aby skrócić logiczne myślenie!— prowadzić wynik, warstwy i efekt lustra, które tworzę, i zostawiam miejsce na objawienie i odkrycie, gdy dzieło zostanie w końcu wystawione. Ale wyjaśnijmy jasno: w moich obrazach los nigdy nie podejmuje decyzji; na ileś, los zadaje pytania; znaczące „przypadki” są możliwe tylko przy dużej dyscyplinie. To podejście, które odzwierciedla proces objawienia / utrwalania fotografii, jest wyzwaniem i uwalnia. Wartości kompozycji są wzbogacane przez warstwy i przezroczystości, a jednocześnie nadają każdemu dziełu „asketyczny” charakter: jestem szczęśliwy, gdy rozpoznaję „niezredukowane konieczności”, czyli to, co prawdopodobnie odkryjemy, gdy zatrzymamy się w ciszy i świetle.

Świadomie utrzymuję podejście proste. Nie „emocje” ani „teoretyczne pojęcie”, lecz doświadczenie bycia. Nie „szybka konsumpcja” ani „intelektualizacja / intelektualna posiadanie”, lecz poszerzanie świadomości i eksploracja rzeczywistości, jej widzialnych i niewidzialnych opowieści, moja sztuka to poszukiwanie „życia w samym sercu życia”, czego Alain Damasio nazywa „le vif”. Choć nostalgia zawsze była częścią mojej pracy, moje malarstwo jest bez przedmiotu. Jak wszystkie rzeczy, są one obiektami same w sobie. W związku z tym nie mają zawartości, ani znaczenia, ani sensu; są jak rzeczy, drzewa, zwierzęta, ludzie, czy dni, które również nie mają powodu bytu, ani końca, ani celu. Choć moja praca czasem może przywodzić na myśl transparentność i jasność witraża, pozostaje prawie całkowicie abstrakcyjna. Ponadto pleksiglas nadaje obrazowi migoczącą skórkę, dzięki czemu można zobaczyć swoją własną sylwetkę, inną dla każdego nowego widza. Każde dzieło działa jak dyskretnie lustro: żyje, zmienia się, widzi. Wzajemny wpływ światła, koloru i faktury, a także brakujących części, wymaga jedynie empatii. Mam nadzieję, że gra między „szczegółami do bliska” — szczegół obrazu to zupełnie inny obraz — a „odległością do całości” zachęci widzów do własnych introspekcyjnych podróży.

Nie twierdzę, że mam wszystkie odpowiedzi i chcę pozostać pokorny co do tego, co da się osiągnąć. Po prostu znajduję satysfakcję w ciągłym procesie zadawania pytań i rozwoju. Każde nowe stworzenie to konfrontacja z moimi ograniczeniami, która zmusza mnie do doskonalenia umiejętności i dalszego eksplorowania, co mogę osiągnąć. Dla mnie malarstwo to codzienne rzemiosło, eksploracja, sposób na wywołanie znaczących rozmów, poszukiwanie farby tak doskonałej, że nie potrzebuje nas. Wiek nieformalności dopiero się zaczyna.

Jak mówił Jean Bazaine: „Codzienna praktyka potęguje pasję oglądania”.

O spójności mojej praktyki

W pejzażu sztuki współczesnej, gdzie koncepcja i forma mają równą wagę, staram się tworzyć prace definiowane nie przez prominentność, lecz przez obecność. Moje malowidła—mieniace się pola koloru i światła we wnętrzu plexiglassu—są cichymi wynikami długiego i przemyślanego dochodzenia. Dla mnie prawdziwe skupienie to mniej finalny obraz, a bardziej cicha interakcja myśli i procesu, która pozwala mu wyłonić się.

To podejście opiera się na trzech spójnych zamiarach.

Pierwszym jest Wycofanie się z Narzuconego Sensu. Opisując prace jako „bez przedmiotu” i mające „nie zawierać treści, ani znaczenia, ani sensu”, mam nadzieję łagodnie rozluźnić oczekiwanie narracyjne. To zaproszenie do odejścia od dekodowania i ku bardziej bezpośredniemu spojrzeniu.

To prowadzi do drugiego zamiaru: Pierwotność Doświadczenia Przeżywanego. W tej otwartej przestrzeni staram się umieścić to, co nazywam „doświadczeniem bycia”. Praca staje się mniej przedmiotem do interpretacji, a bardziej cichym zdarzeniem do odczucia—kształtowanym przez zmieniające się światło, przezroczyste warstwy i delikatne odbicie widza spotykającego własny wzrok. Jak często zauważam, praca „żyje, zmienia się, widzi”.

Trzeci to miejsce, gdzie pomysł spotyka rękę: Proces jako Uczona Myśl. Malowanie na odwrocie plexiglassu, praca bez wizualnej informacji zwrotnej, to fizyczna praktyka pozwalająca sobie odpuścić. To świadome uwolnienie kontroli w akcie tworzenia. Ustalam warunki, ale poddaję wynik, pozwalając malarstwu stać się tym, co nazywam niezależnym „obiektem samym w sobie”, całkowicie ukazanym dopiero, gdy jest ukończone. To cichy paralel do rozwoju fotograficznego—cierpliwe oczekiwanie na to, co przychodzi „tutaj i teraz”.

Trzymanie tych intencji to kilka łagodnych paradoksów, które utrzymują pracę:

Szansa i Dyscyplina
Mówię o „znaczących ‘przypadkach’”, ale są one możliwe tylko w ostrożnych granicach. Szansa jest mile widzianym gościem, ale struktura jest budowana z uwagą.

Komunikacja Bez Przesłania
Mam nadzieję, że „komunikacja czegoś” poprzez prace, które nazywam bezsensownymi. Być może to, co udostępniane, nie jest stwierdzeniem, lecz stanem— teksturą światła, cichą obecnością, namacalną ciszą.

Nostalgia za Obecnością
W pracy spoczywa subtelna nostalgia, która jednak ukierunkowana jest ku teraźniejszości: pragnienie „niezredukowanych konieczności” znalezionych w „ciszy i świetle”—życzenie pełnej obecności, którą sama praca cicho oferuje.

Wysiłek i Bezwysiłkowość
Proces wymaga stałej uwagi, lecz dąży do rezultatu, który brzmi autonomicznie, jakby „wyłonił się z własnej woli”. Przyciąga mnie to, co wydaje się całkowicie nieuniknione.
W tym duchu doszedłem do przekonania, że „wiek nieformalności dopiero się zaczyna”. Moja praktyka jest hołdem dla ducha Sztuki Informel, choć może z mniejszym lękiem i większym spokojem—nieformalność, gdzie przypadek nie jest rozbieżnością, lecz cichym współpracownikiem.

W sercu tej praktyki leży poszukiwanie „le vif”—żywej kondensacji. Praca skłania się ku bezpośredniemu doświadczeniu, a nie intelektualizacji. Skromny rozmiar, jaki często wybieram, ma zachęcać do intymności, nie do spektaklu.

Ostatecznie to po prostu droga jednego artysty. Moja biografia, mój proces i moje refleksje nie są oddzielnymi wątkami, lecz częścią jednej wspólnej działalności. Znalazłem, że praktyka oparta na cichym paradoxie nie musi być krucha. Dzięki dyscyplinie i jasności te napięcia mogą stać się—wierzę—źródłem odporności.

Anton Kaestner