Marco dal Pino (1525-1583), Naśladowca - Compianto sul Cristo morto - NO RESERVE

Starożytny obraz, olej na desce, datowany na koniec XVI i początek XVII wieku, przedstawiający Ukoronowanie na martwym Chrystusie.

Obraz przedstawia intensywny lament nad martwym Chrystusem. Ciało Jezusa, właśnie zdjęte z krzyża, wydaje się pochylone w ramionach jego boleściwych. Po lewej stronie rozpoznaje się San Giuseppe d’Arimatea, starszego mężczyznę z długą siwą brodą, który podtrzymuje ramię Chrystusa z zaangażowaniem i wzruszeniem. Obok niego pochyla się Maryja, z twarzą odwróconą i cierpiącą, charakteryzującą się bardzo wyrafinowanym, melancholijnym wyrazem. Po prawej stronie znajduje się San Giovanni Evangelista, młody, o miękkich odcieniach cery i bardzo smutnym spojrzeniu, który podtrzymuje scenę umiarkowanymi gestami. U dołu klęczy Maria Magdalena, z twarzą zwróconą ku Chrystusowi i złożonymi rękami, a obok niej wyróżnia się tradycyjny wazon z olejkami.
U stóp grupy, na marginesie kompozycji, pojawiają się dwa istotne elementy ikonograficzne: korona z cierni i trzy gwoździe ukrzyżowania, teatralnie ułożone na ziemi przed postacią San Giuseppe d’Arimatea. Ten wybór, bardzo często spotykany w malarstwie neapolitańskim późno-koniec XVI wieku, dodaje silnej ładunku emocjonalnego i w pełni wpisuje się w język dewoacyjny post-trynitarny.
Przypisanie dzieła do neapolitańskiego środowiska końca XVI wieku jest dziś najbardziej solidne: ciepłe tonacje, użycie brązowych i zielonych ziemi w przejściach w cieniu, miękkość portretów i teatralny podział sceny idealnie odpowiadają stylowi warsztatów działających w Neapolu w pokoleniu po przybyciu Marco Pino z Sieny, kluczowej postaci dla rozwoju artystycznego miasta od 1557 roku.
Wiele szczegółów bezpośrednio nawiązuje do tradycji romanistycznej przekazywanej przez Pino: diagonalna konstrukcja sceny, dramatyczne rozmieszczenie postaci, objętość ciał oraz oddanie rąk. Jednakże pojawiają się jeszcze bliższe podobieństwa z twórczością kręgu Fabrizio Santafede, jednego z głównych przedstawicieli neapolitańskiego malarstwa religijnego w latach 1580–1620. Madonna, w szczególności, prezentuje typową melancholijną elegancję, z opuszczonym spojrzeniem i modelowaniem lentikulare cery, które często pojawia się w dziełach santafedian. Również stroje, określane liniowymi refleksami w białej farbie, należą do tego świata, podobnie jak oddanie włosów, cienkich pasm i lekko serpentynowych.
Obok tego rozpoznaje się również aspekty bliskie kręgowi Giovanni Bernardo Lama, szczególnie w konformacji młodego San Giovanni i w chromatycznych układach tkanin. Ogólnie rzecz biorąc, dzieło z pewnością należy do tego wielkiego neapolitańskiego filonu późnomanieristycznego, który między latami 1580 a pierwszymi dekadami XVII wieku rozwinął język silnie devozjonalny, pełen patosu, ale jeszcze związany z rzymskimi i toskańskimi wzorcami.
Dzieło to można zatem przypisać spójnie neapolitańskiemu mistrzowi działającemu pod koniec XVI i na początku XVII wieku, wykształconemu na wzór Marco dal Pino i zbliżonemu do stylów kręgu Fabrizio Santafede i Giovanni Bernardo Lama. Obraz prezentuje kilka fragmentów dobrej jakości, szczególnie w oddaniu Marii i Chrystusa, co świadczy o pełnym przyswojeniu języka późn-manierystycznego neapolitańskiego.

W warunkach ogólnych dość dobrych, biorąc pod uwagę epokę obrazu. Powierzchnia malarska wykazuje kilka punktów retuszu rozproszonych, lekkie zadrapania i svelature, a także rozproszone pęknięcia; te defekty są nieinwazyjne i nie zakłócają czytelności dzieła, które zachowuje pełną czytelność ikonograficzną i chromatyczną. Cretto jest regularne, stabilne i zgodne z epoką. Tablica ma kilka pionowych pęknięć przechodzących, które zostały naprawione i wzmocnione, ale nadal są lekko widoczne z przodu. Craquelure jest jednorodne i odnosi się do okresu, bez oznak aktywnych odłamań. Nie stwierdza się problemów konserwatorskich.

Obraz jest oprawiony w klasyczną ramę typu cassetta, która pochodzi z relatywnie niedawnego okresu, harmonijnie komponując się z całością i podkreślając jej sceniczne założenie. Widać drobne uszkodzenia i naprawy tej ramy, które są ogólnie nieinwazyjne i zgodne z użytkowaniem. Rama ta jest dołączona jako uprzejmość i nie stanowi integralnej części dzieła sztuki; ewentualne uszkodzenia nie będą podstawą do reklamacji ani anulowania zamówienia.

Wymiary obrazu: 64 x 49,5 cm - Wymiary ramy: 78 x 64 cm

Opera wyposażona w certyfikat autentyczności fotograficznej, zgodnie z obowiązującymi przepisami prawa.

Wysyłka kurierem ekspresowym ubezpieczona, a pakowanie wykonane z najwyższą starannością.