Anton Kaestner - #319 - M - " Light from Within ".

Unikt stykke, originalt maleri af Anton Kaestner, direkte fra værkstedet.
#319 - M - " Lys indefra ".}

Sprayakryl på 3 mm plexiglasplade.
Gennemsigtighed på print
Dette tableau er ikke et tryk. Det er et originalt 'multi-couches' værk, hvor den blanke 'glossy' finish, der minder om påføring af en harpiks, er unik.

Dimensioner : Tommer 17,3 * 12,6 * 0,12 / 44 * 32 * 0,3 cm uden ramme.

Dette maleri leveres uden ramme.
Kvalitetsstel fra det tyske mærke Nielsen i aluminium, reference 34 Natura 514 Eg (tommer 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) anbefales og kan leveres ved forsendelse for et merbeløb på €90 inklusive moms.

Værket er signeret på bagsiden.
Et ægthedscertifikat følger med.
Leveringen er dækket af en forsikring.

Anton Kaestner er en sveitsisk maler, skulptør og forfatter med base i Paris. Hans værker er udstillet overalt i Europa, i Schweiz og i Dubai. Flere oplysninger og valgmuligheder findes på www.antonkaestner.com.

Næste udstilling - Lausanne marts 2026.


Biografi

Jeg blev født i Genève i Schweiz og voksede op omgivet af mit hjemlands naturlige skønhed og kulturelle rigdom. Kreativitet blev værdsat i min familie, og det var min afdøde bedstefar, en kunsthåndværker og kunstner, hvis indflydelse lagde frøet til det, der med tiden skulle blive min livs passion.
I 1993 begyndte jeg at male privat, eksperimenterende med utallige akrylfarver i A4- og derefter A3-notesbøger - Jeg har altid følt, at store billeder kommer direkte imod dig, dominerende og skræmmende, mens mindre værker kan vække meget mere kærlighed. Jeg blev først tiltrukket af nonfigurativt maleri og abstrakt ekspressionisme.
Over tid, og selvom jeg betragter mig selv som ateist, udviklede jeg også en forkærlighed for åndelige materialer, da de gik i tråd med min søgen efter menneskelig eksistens og de dybere sandheder om naturen og livet.

Vejen til at blive kunstner var dog ikke øjeblikkelig.

I over tre årtier forfulgte jeg en international forretningskarriere, der bragte mig over hele kloden, fra USA til Marokko, Belgien, gennem Asien og Frankrig. Mine rejser udvidede mit perspektiv og eksponerede mig for en bred vifte af kulturelle påvirkninger. Uanset hvor jeg tog hen, fordybede jeg mig i de lokale kunstscener og engagerede mig i den kreative energi på hvert sted.
Trods fokus på min erhvervskarriere var kunsten altid en del af mig, stille og roligt simrende under overfladen. I næsten 30 år blev maleri en form for hemmelig meditation for mig – en måde at bryde fri fra verden og fokusere på mit indre jeg.

Jeg har altid fundet enorm tilfredsstillelse i at male. Hvert nyt værk er en rejse, hvor jeg kan afprøve min kreativitet, udforske nye teknikker og opleve ægte oplevelser. Gennem min kunst har jeg altid håbet at kunne tilbyde andre et oprigtigt møde med skønhed, en mulighed for at se verden fra et andet perspektiv og reflektere over deres egne liv.

I 2023, efter at have trukket mig tilbage fra min forretningskarriere, dedikerede jeg mig fuldt ud til maleriet. Jeg etablerede mit atelier i Paris og begyndte fuldt ud at dedikere mig til min kunst. Ved udgangen af 2024 lancerede jeg min offentlige kunstnerkarriere, og til min overraskelse fik mit arbejde hurtigt anerkendelse og fandt hjem i private samlinger over hele Europa, især i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien og Nederlandene.

I slutningen af 2025 flyttede jeg til et større studie i en ledig sakristi i Lisieux, Normandiet.


Kunstnerisk CV

Min første soloudstilling, "Échos," afholdt i Paris i slutningen af 2024, viste en særegen tilgang til kunsten, væk fra traditionelle male-teknikker: Jeg maler med akrylfarver, metalliske pigmenter og spray på bagsiden af genanvendt ekstruderet plexiglas (Perpex), en let, glat, blank og nogle gange
Sårbar overflade. Denne proces forhindrer mig i at se værket, mens det udvikler sig. Jeg har ingen visuel feedback eller kontrol under processen—noget jeg byder velkommen. Jeg tillader “tilfældige eksperimenter” -alt går for at afbryde fornuften!- at styre udfaldet, lagene og spejlvirkningerne, jeg skaber, og give plads til åbenbaring og opdagelse, når værket endelig bliver afsløret. Men lad os være tydelige: i mine billeder træffer tilfældet aldrig beslutningerne; højest giver tilfældigheden spørgsmålene; meningsfulde “tilfældigheder” er kun mulige med en stor disciplin. Denne tilgang, der ekkoer åbenbarings- og fastholdelsesprocessen i fotografiet, er udfordrende og frigørende. Kompositionens værdier bliver beriget af lag og gennemsigtigheder, samtidig med at hvert værk får en “asketisk” kvalitet: Jeg er glad, når jeg genkender “irreducible necessities”, dvs. hvad vi sandsynligvis vil opdage, når vi stopper i stilhed og lys.

Jeg holder min tilgang bevidst enkel. Hverken 'følelse' eller 'teoretisk begreb' men erfaringen af at være. Hverken 'hurtig forbrug' eller 'intellektualisering / intellektuel besiddelse', men udvidelse af bevidstheden og udforskning af virkeligheden, dens synlige og usynlige historier, er min kunst en søgen efter 'livet i livets kerne', det som Alain Damasio kalder 'le vif'. Selvom nostalgi altid har været en del af mit arbejde, er mine malerier uden objekt. Ligesom alle objekter er de objekter for sig selv. Følgelig har de hverken indhold, mening eller formål; de er som ting, træer, dyr, mænd eller dage, som heller ikke har nogen grund til at være, nogen ende eller noget formål. Mens mit arbejde nogle gange kan fremkalde gennemsigtigheden og lyset fra farvet glas, forbliver det næsten helt abstrakt. Desuden giver plexiglas maleriet en skimrende overflade, hvor man kan skimte sin egen silhuet, forskellig for hver ny betragter. Hvert værk fungerer som et diskret spejl: det lever, det ændrer sig, det ser. Lysets, farvernes og teksturens samspil, også af de manglende dele, kræver kun empati. Forhåbentlig vil spillet mellem 'detaljer tæt på' — et detaljeret udsnit af et billede er et helt nyt billede — og 'afstand til helheden' opmuntre betragterne til at påbegynde deres egne indre rejser.

Jeg hævder ikke at have alle svarene og vil forblive ydmyg omkring, hvad der kan opnås. Simpelt finder jeg tilfredsstillelse i den løbende proces med at stille spørgsmål og udvikle mig. Hvert nyt værk er en konfrontation med mine grænser, der skubber mig til at finpudse mine færdigheder og udforske videre, hvad jeg kan opnå. Maling for mig er et dagligt håndværk, en udforskning, en måde at tænde meningsfulde samtaler, en søgen efter en maling så perfekt, at den ikke har behov for os. Den uformelle tidsalder er kun lige begyndt.

Som Jean Bazaine ville sige: "Den daglige praksis forøger lidenskaben for at se."



Om sammenhængen i min praksis

I dagens billedkunstens landskab, hvor begreb og form har lige stor vægt, søger jeg at skabe værker, der defineres ikke af synlighed, men af nærvær. Mine malerier—skinnende felter af farver og lys inden for plexiglas—er de stille resultater af en lang og bevidst undersøgelse. For mig er det sande fokus mindre på det endelige billede end på det stille samspil mellem tanke og proces, der gør det muligt at træde frem.

Denne praksis hviler på tre afstemte intentioner.

Den første er en tilbagetrækning fra påtvunget betydning. Ved at beskrive værkerne som “uden objekt” og som har “hverken indhold, eller betydning, eller mening,” håber jeg at løsne forventningen om narrativet på en blid måde. Det er en invitation til at træde væk fra afkodningen og mod en mere direkte form for at se.

Dette fører til den anden intention: Primatet af den levede erfaring. Ind i dette åbne rum prøver jeg at placere, hvad jeg betragter som en “erfaring af at være.” Værket bliver mindre et objekt, der skal tolkes, og mere en stille begivenhed, der skal føles—formet af skiftende lys, gennemsigtige lag og det svage spejlbillede af beskueren, der møder sit eget blik. Som jeg ofte bemærker, “værket lever, det ændrer sig, det ser.”

Det tredje er, hvor idé møder hånd: Proces som legemliggjort tanke. Maling på bagsiden af plexiglas, arbejde uden visuel feedback, er en fysisk praksis i at give slip. Det er en bevidst frigørelse af kontrollen i selve udøvelsen. Jeg sætter betingelser, men overgiver udfaldet, så maleriet bliver det, jeg kalder et selvstændigt „objekt i sig selv“, fuldt afsløret kun, når det er fuldendt. Det er et stille parallel til fotografisk udvikling — en tålmodig venten på det, der kommer „her og nu“.

At holde fast i disse intentioner er nogle milde paradokser, der opretholder arbejdet:

Tilfældighed og disciplin
Jeg taler om 'meningsfulde ‘tilfældigheder’,' men de er kun mulige inden for omhyggelige grænser. Tilfældighed er en velkommen gæst, men strukturen er bygget med omhu.

Kommunikation uden budskab
Jeg håber at “kommunikere noget” gennem værker, som jeg kalder meningsløse. Måske er det, der deles, ikke en påstand, men en tilstand—en tekstur af lys, en stille tilstedeværelse, en håndgribelig stilhed.

Nostalgi for nutiden
En blød nostalgi hænger ved i værket, men den er underligt rettet mod nutiden: en længsel efter de uundværlige nødvendigheder fundet i »stilhed og lys«—et ønske om ren tilstedeværelse, som værket selv stille tilbyder.
Anstrengelse og lethed

Processen kræver vedvarende opmærksomhed, men sigter mod et resultat, der føles autonomt, som om det 'opstod af sig selv'. Jeg tiltrækkes af det, der føles helt uundgåeligt.
I denne ånd er jeg kommet til at føle, at »den uformelle tidsalder kun lige er begyndt«. Min praksis skylder ånden fra Art Informel, om end måske med mindre lidelser og mere ro—en uformelhed hvor tilfældet ikke er et brud, men en stille samarbejdspartner.

I kernen ligger en søgen efter “le vif”—den levende kerne. Værket læner sig mod direkte erfaring frem for intellektualisering. Den beskedne skala, jeg ofte vælger, er ment til at fremme intimitet, ikke spektakel.
Til sidst er dette blot én kunstners vej. Min biografi, min proces og mine refleksioner er ikke separate tråde, men dele af en enkelt stræben. Jeg har fundet ud af, at en praksis forankret i stille paradoks ikke behøver at være skrøbelig. Gennem disciplin og tydelighed kan sådanne spændinger blive, tror jeg, en kilde til modstandskraft.

Anton Kaestner