Anton Kaestner - #385 - S - " Chromatic MR10 ".

Uniktsk piece, original painting af Anton Kaestner, direkte fra atelieret.
#385 - S - "Chromatic MR10".

Spray-akryl på plexiglasplade af 3 mm.
Dette maleri er ikke en tryk. Det er et originalt værk i "multi-lag", hvis blanke - glossy - overflade og udtryk minder om påføring af en resin, og som er unik.
Gennemsigtighed ved print.

Dimensioner: 9,1" x 12,6" x 0,12" / 23 x 32 x 0,3 cm uden ramme.

Dette maleri leveres uden ramme.
Ramme af høj kvalitet fra det tyske mærke Nielsen i aluminium, reference 34 (Inch 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm) anbefalet og tilgængelig ved afsendelse mod en yderligere pris af 70€ inkl. moms.

Værket er signeret bagpå.
Et ægthedscertifikat følger.
Leveringen er forsikret.

Anton Kaestner er en schweizisk maler, billedhugger og forfatter bosat i Paris. Hans værker udstilles over hele Europa, i Schweiz og i Dubai. Yderligere information og udvalg på www.antonkaestner.com.

Næste udstilling - Lausanne 7/10 maj 2026.

Biografi

Født i Genève, Schweiz, voksede jeg op omgivet af det naturlige skønhed og den kulturelle rigdom i mit hjemland. Kreativitet blev værdsat i min familie, og det var min afdøde farfar, en håndværker og kunstner, hvis indflydelse plantede frøet til det, der senere skulle blive min livslange passion.
I 1993 begyndte jeg at male privat, eksperimenterende med utallige akryl på A4- og senere A3-notesbøger – jeg har altid følt, at store billeder møder en lige forfra, dominerende og intimiderende, mens små værker kan inspirere meget mere kærlighed. Jeg blev først draget mod non-figurativ maleri og abstrakt ekspressionisme.
Med tiden, og selvom jeg betragter mig selv som ateist, udviklede jeg også en forkærlighed for åndelige materialer, da de resonnerede med min udforskning af menneskeligt væsen og naturens og livets dybere sandheder.

Men vejen til virkelig at blive kunstner var ikke umiddelbar.
I over tre årtier forfulgte jeg en international forretningskarriere, der tog mig verden rundt—fra USA til Marokko, Belgien, Asia og Frankrig. Mine rejser udvidede mit perspektiv og udsatte mig for en bred vifte af kulturelle påvirkninger. hvor jeg end rejste, slog jeg mig ned i de lokale kunstscener og engagerede mig i den kreative energi i hver by.
På trods af fokus på min forretningskarriere var kunst altid en del af mig, stillekogende under overfladen. I næsten 30 år blev maleri en form for hemmelig meditation for mig—en måde at bryde fri af verden og fokusere på mit indre jeg.

Jeg har altid fundet enorm tilfredsstillelse i at male. Hvert nye værk er en rejse, hvor jeg kan teste min kreativitet, udforske nye teknikker og leve gennem ægte erfaringer. Gennem min kunst har jeg altid håbet at tilbyde andre en oprigtig møde med skønhed, en mulighed for at se verden fra et andet perspektiv og reflektere over deres eget liv.

I 2023, efter at have trukket mig tilbage fra min forretningskarriere, forpligtede jeg mig fuldt ud til maleri. Jeg etablerede mit atelier i Paris og begyndte at vie mig helt til min kunst. Ved udgangen af 2024 lancerede jeg min offentlige kunstneriske karriere, og til min overraskelse vandt mine værker hurtigt anerkendelse og fandt hjem i private samlinger over hele Europa, især i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien og Nederlandene.

I slutningen af 2025 flyttede jeg til et større studie i en ledig bisidder i Lisieux, Normandiet.

Kunstnerisk CV

Min første soloudstilling, "Échos", afholdt i Paris i slutningen af 2024, viste en markant tilgang til kunst, væk fra traditionelle maleteknikker: Jeg maler med akryl, metalliske pigmenter og spray på bagsiden af genbrugt ekstruderet plexiglas (Perpex), en let, glat, glossy og sommetider skrøbelig overflade. Denne proces forhindrer mig i at se værket, mens det udvikler sig. Jeg har ingen visuel feedback eller kontrol under processen—noget jeg velkommer. Jeg tillader “tilfældige eksperimenter” —alt er tilladt for at afkorte fornuftens vej!-- at guide udfaldet, lagene og spejleffekterne jeg skaber, og give plads til åbenbaring og opdagelse, når stykket endelig bliver udstillet. Men lad os være tydelige: i mine billeder træffer tilfældet aldrig beslutningerne; i bedste fald stiller tilfældet spørgsmål; meningsfulde “tilfældigheder” er kun mulige med stor disciplin. Denne tilgang, der råder i forbindelse med åbenbarings-/fikseringsprocessen i fotografiet, er udfordrende og befriende. Værdierne i kompositionen beriges af lag og gennemsigtigheder, samtidig med at hvert værk får en “asketisk” kvalitet: Jeg er lykkelig, når jeg genkender “irreducible nødvendigheder”, dvs. hvad vi sandsynligvis opdager, når vi stopper i stilhed og lys.

Jeg holder min tilgang bevidst simpel. Hverken “følelser” eller “teoretisk forestilling” men oplevelsen af at være. Hverken “hurtigt forbrug” eller “intellektualisering / intellektuel besiddelse”, men udvidelse af bevidstheden og udforskning af virkeligheden, dens synlige og usynlige historier, er min kunst en søgen efter “livet i hjertet af livet”, det, Alain Damasio kalder “le vif”. Selvom nostalgi altid har været en del af mit arbejde, er mine malerier uden objekt. Ligesom alle objekter er de objekter af sig selv. Følgelig har de hverken indhold, mening eller sans; de er som ting, træer, dyr, mænd eller dage, som heller ikke har nogen årsag til at være, endeløst eller formål. Selvom mit arbejde nogle gange kan fremkalde gennemsigtigheden og lyskraften i farvet glas, forbliver det næsten fuldstændigt abstrakt. Desuden giver plexiglas maleriet en glitrende hud, hvor man kan få øje på sin egen silhuet, forskellig for hver ny betrager. Hvert værk fungerer som et diskret spejl: det lever, det ændrer sig, det ser. Samspillet mellem lys, farve og tekstur, og de manglende dele, kræver også empati. Forhåbentlig vil spillet mellem “detaljer tæt på” - et billede er et helt nyt billede - og “afstand til helheden” opmuntre seerne til at begive sig ud på deres egne introspektive rejser.

Jeg hævder ikke at have alle svarene og ønsker at forblive ydmyg om, hvad der kan opnås. Enkelte finder jeg tilfredsstillelse i den kontinuerlige proces at stille spørgsmål og vokse. Hvert nyt skabelse er en konfrontation med mine grænser, der skubber mig til at forbedre mine færdigheder og udforske videre, hvad jeg kan opnå. At male er for mig en daglig håndværk, en udforskning, en måde at sætte meningsfulde samtaler i gang, en søgen efter en maling så perfekt, at den ikke har brug for os. Alderens informalitet har kun lige begyndt.

Som Jean Bazaine ville sige: "Den daglige praksis forstærker lidenskaben for at se.

Om sammenhængen i min praksis

I landskabet af samtidskunst, hvor koncept og form har lige stor vægt, søger jeg at skabe værk, der ikke defineres af fremtrædende position, men af tilstedeværelse. Mine malerier — skimrende farve- og lysfelter inden for plexiglas — er de stille resultater af en lang og bevidst undersøgelse. For mig er det sande fokus mindre på det endelige billede end på den stille samspil mellem tanke og proces, der gør det muligt at opstå.

Denne praksis hviler på tre sammenkoblede intentioner.

Den første er en Tilbagetrækning fra pålagt mening. Ved at beskrive værkerne som “uden objekt” og have “hverken indhold, eller mening, eller sans”, håber jeg at løsne forventningen om narrativ. Det er en invitation til at træde væk fra afkodning og mod en mere direkte form for at se.

Dette fører til den anden intention: Den levende erfarings prioritet. Ind i det åbne rum forsøger jeg at placere, hvad jeg betragter som en “oplevelse af at være”. Værket bliver mindre et objekt at fortolke end en stille begivenhed at føle — formet af skiftende lys, gennemsigtige lag og den svage refleksion af beskueren, der møder sit eget blik. Som jeg ofte bemærker: stykket “lever, det ændrer sig, det ser.”

Den tredje er hvor idé møder hånd: Proces som embodied Thought. At male på bagsiden af plexiglas, uden visuel feedback, er en fysisk praksis i at give slip. Det er en bevidst frigivelse af kontrol i skabelsesakten. Jeg sætter betingelser, men overgiver resultatet, så maleriet bliver til det, jeg kalder et selvstændigt “objekt i sig selv”, fuldt afsløret kun når det er fuldendt. Det er en stille parallel til fotografisk udvikling — tålmodig venten på, hvad der ankommer “her og nu.”

At holde disse intentioner er nogle få milde paradokser, der bærer arbejdet:

Tilfældighed og disciplin
Jeg taler om “meningsfulde ‘tilfældigheder’,” men de er kun mulige inden for omhyggelige rammer. Tilfældighed er en velkommen gæst, men strukturen er bygget med omhu.

Kommunikation uden budskab
Jeg håber at “kommunikere noget” gennem værker, jeg kalder meningsløse. Måske er det, der deles, ikke en erklæring, men en tilstand — en tekstur af lys, en stille tilstedeværelse, en håndgribelig stilhed.

Nostalgi for Nuet
En blid nostalgi hænger ved i værket, men den er nysgerrigt rettet mod nuet: en længsel efter de “irreducible nødvendigheder”, der findes i “stilhed og lys” — et ønske om ren tilstedeværelse, som værket selv stille tilbyder.

Anstrengelse og Anstrengelsesløshed
Processen kræver konstant opmærksomhed, men sigter mod et resultat, der føles autonomt, som om det “opstod af egen drift.” Jeg tiltrækkes af det, der føles ganske uundgåeligt.
I denne ånd er jeg begyndt at føle, at “alderen af det uspillede kun lige er begyndt.” Min praksis takker ånden bag Art Informel, måske med mindre smerte og mere ro—en uformelhed hvor tilfældighed ikke er et brud, men en stille medarbejder.

I kernen er der en søgen efter “le vif” — det levende kerne. Arbejdet læner sig mod direkte erfaring frem for intellektualisering. Den beskedne skala, jeg ofte vælger, er ment til at fremme intimitet, ikke spektakel.

I sidste ende er dette blot én kunstners vej. Min biografi, min proces og mine refleksioner er ikke separate tråde, men dele af en enkelt jagt. Jeg har erfaret, at en praksis forankret i stille paradox ikke behøver at være brødløs. Gennem disciplin og klarhed kan sådanne spændinger blive, tror jeg, en kilde til modstandsdygtighed.

Anton Kaestner