Anton Kaestner - #386 - S - " Chromatic MR11 ".

Unik enhed, originalt maleri af Anton Kaestner, direkte fra atelieret.
#386 - S - "Chromatic MR11".

Sprøjet akryl på plexglastavle på 3 mm.
Dette maleri er ikke et print. Det er et originalt værk i "multi-lag", hvis blanke, glossy overflade næsten som ved påføring af en resin er helt unik.
Gennemsigtighed ved print.

Dimensioner: Tomme 9,1 * 12,6 * 0,12 / 23 * 32 * 0,3 cm uden ramme.

Dette maleri leveres uden ramme.
Ramme af høj kvalitet fra det tyske mærke Nielsen i aluminium, reference 34 (Tomme 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) anbefalet og tilgængelig ved forsendelse for en yderligere omkostning på 70 € inkl. moms.

Værket er underskrevet på bagsiden.
Et certifikat for autenticitet følger med.
Forsendelsen er dækket af en forsikring.

Anton Kaestner er en schweizisk maler, billedhugger og forfatter baseret i Paris. Hans værker er udstillet over hele Europa, i Schweiz og i Dubai. Yderligere information og udvalg på www.antonkaestner.com.

Næste udstilling - Lausanne 7/10 maj 2026.

Biografi

Født i Geneve, Schweiz, jeg voksede op omgivet af den naturlige skønhed og kulturelle rigdom i mit hjemland. Kreativitet blev værdsat i min familie, og det var min afdøde farfar, en håndværker og kunstner, hvis indflydelse plantede frøet til den passion, der senere skulle blive mit livs kald.
I 1993 begyndte jeg at male privat, eksperimenterede med utallige acrylics i A4- og derefter A3-notesbøger - jeg har altid følt, at store billeder kommer direkte imod én, dominerende og intimiderende, mens små værker kan frembringe meget mere kærlighed. Jeg blev først tiltrukket af ikke-figurativ maleri og Abstract Expressionism.
Med tiden, og selvom jeg betragter mig selv som ateist, udviklede jeg også en kærlighed til åndelige materialer, da de resonerede med min udforskning af menneskelig eksistens og naturens og livets dybere sandheder.

Dog var vejen til virkelig at blive kunstner ikke umiddelbar.
I mere end tre årtier forfulgte jeg en international erhvervskarriere, der førte mig rundt om i verden, fra USA til Marokko, Belgien, gennem Asien og Frankrig. Mine rejser udvidede mine perspektiver og udsatte mig for en bred vifte af kulturelle påvirkninger. Hvor jeg end tog hen, fordybede jeg mig i de lokale kunstscener og engagerede mig i den kreative energi i hvert sted.
På trods af fokus på min erhvervskarriere var kunst altid en del af mig, stille simmerende under overfladen. I næsten 30 år blev maleri en form for hemmelig meditation for mig — en måde at bryde ud af verden og fokusere på mit indre jeg.

Jeg har altid fundet enorm tilfredsstillelse i at male. Hvert nyt værk er en rejse, hvor jeg kan teste min kreativitet, udforske nye teknikker og leve gennem ægte oplevelser. Gennem min kunst har jeg altid håbet at tilbyde andre en oprigtig møde med skønhed, en mulighed for at se verden fra en anden vinkel og reflektere over deres eget liv.

I 2023, efter at have trukket sig tilbage fra min erhvervskarriere, blev jeg fuldt optaget af maleri. Jeg etablerede mit studie i Paris og begyndte at hellige mig fuldt ud til min kunst. Ved udgangen af 2024 lancerede jeg min offentlige kunstnerkarriere, og til min overraskelse vandt mit arbejde hurtigt anerkendelse og fandt hjem i private samlinger i hele Europa, især i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien og Nederlandene.

I slutningen af 2025 flyttede jeg til et større studie i et ledigt sakristi i Lisieux, Normandiet.

Kunstnerisk CV

Min første soloudstilling, "Échos", holdt i Paris i slutningen af 2024, fremviste en særegen tilgang til kunst, væk fra traditionelle maleriteknikker: Jeg maler med akryl, metalliske pigmenter og spray på bagsiden af genbrugt extruderet plexiglas (Perpex), en let, glat, blank og nogle gange skrøbelig overflade. Denne proces forhindrer mig i at se værket, mens det udvikler sig. Jeg har ingen visuel feedback eller kontrol under processen — noget jeg byder velkommen. Jeg tillader “tilfældige eksperimenter” — alting går for at afkoble fornuften! — at guide udfallet, lagene og spejleffekter jeg skaber, og give plads til åbenbaring og opdagelse, når værket endelig udstilles. Men lad os være klare: i mine billeder tager tilfældet ikke beslutningerne; i værste fald stiller tilfældet spørgsmålene; meningsfulde “sammenfald” er kun mulige med en stor disciplin. Denne tilgang, der klinger med åbenbarings-/fikseringsprocessen i fotografi, er udfordrende og befriende. Værdierne i kompositionen beriges af lag og gennemskinneligheder, men giver hvert værk en “asketisk” kvalitet: Jeg er lykkelig, når jeg genkender “uundgåelige nødvendigheder”, dvs. hvad vi sandsynligvis opdager, når vi stopper i stilhed og lys.

Jeg holder min tilgang bevidst enkel. Hverken “følelse” eller “teoretisk begreb” men oplevelsen af at være. Hverken “ hurtig konsumering” eller “intellektualisering / intellektuel besiddelse”, men udvidelse af bevidstheden og udforskning af virkelighedens synlige og usynlige historier, mit kunstværk er en søgen efter “livet i selve hjertet af livet”, efter hvad Alain Damasio kalder “le vif”. Selvom nostalgi altid har været en del af mit arbejde, er mine malerier uden objekt. Ligesom alle objekter er de objekter i sig selv. Derfor har de hverken indhold, mening eller mening; de er som ting, træer, dyr, mænd eller dage, som heller ikke har nogen grund til at være, endelig eller formål. Mens mit arbejde nogle gange kan fremkalde gennemsigtigheden og lysstyrken i farvet glas, forbliver det næsten helt abstrakt. Desuden giver plexiglas maleriet en glinsende hud, hvor man kan skimte sin egen silhuet, forskellig for hver ny tilskuer. Hvert værk fungerer som et diskret spejl: det lever, det ændrer sig, det ser. Samspillet mellem lys, farve og tekstur, også manglende dele, kræver kun empati. Forhåbentlig vil spillet mellem “detaljer for nærstudiet” - et detaljer af et billede er et helt nyt billede - og “afstand for helheden” opmuntre seerne til at begynde deres egne indre rejser.

Jeg gør mig ingen illusioner om at have alle svar og vil forblive ydmyg over for, hvad der kan opnås. Simpelthen finder jeg tilfredshed i den konstante proces med spørgsmål og vækst. Hvert nyt skabende er en konfrontation med mine grænser, der skubber mig til at finjustere mine færdigheder og udforske nærmere, hvad jeg kan opnå. Maleri for mig er et dagligt håndværk, en udforskning, en måde at sætte meningsfulde samtaler i gang, en søgen efter et pigment så perfekt, at det ikke har behov for os. Den æra af det uformelle er kun lige begyndt.

Som Jean Bazaine ville sige: "Den daglige praksis multiplicerer lidenskaben for at se."

Om sammenhængen i min praksis

I landskabet af samtidskunst, hvor koncept og form har lige stor vægt, søger jeg at skabe værk, der defineres ikke af fremtrædende placering, men af tilstedeværelse. Mine malerier — skimrende farve- og lysfelter inden i plexiglas — er de stille resultater af en lang og målrettet undersøgelse. For mig er det sande fokus mindre på det endelige billede end på den stille samspil mellem tanke og proces, der gør det muligt at fremkomme.

Denne praksis hviler på tre sammenstillede intentioner.

Den første er en Tilbagetrækning fra Pålagt Meningsfuldhed. Ved at beskrive værkerne som “uden objekt” og have “hverken indhold, mening eller sans” håber jeg at løsne forventningen om fortælling. Det er en invitation til at træde væk fra at afkode og mod en mere direkte form for at se.

Dette fører til den anden intention: Den Fremtrædende Betydning af Levet Erfaring. Ind i dette åbne rum forsøger jeg at placere, hvad jeg ser som en “oplevelse af at være.” Værket bliver mindre som et objekt, der skal fortolkes, end en stille begivenhed, der skal føles — formet af skiftende lys, gennemskinnelige lag og den svage refleksion af beskueren, der møder sin egen blikke. Som jeg ofte bemærker, “lever det,” ændrer sig og ser.

Den tredje er hvor idé møder hånd: Processen som Inkodet Tanke. Maleri på bagsiden af plexiglas, at arbejde uden visuel feedback, er en fysisk praksis i at give slip. Det er en bevidst frigivelse af kontrol i skabelsesakten. Jeg sætter betingelser, men overgiver udfaldet, så maleriet bliver det, jeg kalder et selvstændigt “objekt i sig selv,” fuldt åbenbaret kun når det er fuldendt. Det er et stille parallelt til fotografisk udvikling — en tålmodig venten på, hvad der ankommer “her og nu.”

At holde disse intentioner indebærer nogle få milde paradokser, der opretholder arbejdet:

Tilfældighed og Disciplin
Jeg taler om “meningsfulde ‘sammenfald’,” men de er kun mulige inden for omhyggelige rammer. Tilfældighed er en velkommen gæst, men strukturen er bygget med omhu.

Kommunikation Uden Budskab
Jeg håber at “kommunikere noget” gennem værker jeg kalder meningsløse. Måske er det, der deles, ikke en erklæring, men en tilstand — en tekstur af lys, en stille tilstedeværelse, en håndgribelig tavshed.

Nostalgi for Nutiden
En blød nostalgi hænger i værket, men den er nysgerrigt rettet mod nuet: et ønske om de “uundgåelige nødvendigheder”, der findes i “ stilhed og lys” — et ønske om ren tilstedeværelse som værket selv stille tilbyder.

Anstrengelse og Lethed
Processen kræver konstant opmærksomhed, men sigter mod et resultat, der føles autonomt, som om det "opstod af sin egen vilje." Jeg er tiltrukket af det, der føles fuldstændigt uundgåeligt.
I denne ånd er jeg kommet til at føle, at “den uformelle tidsalder kun netop er begyndt.” Min praksis er forpligtet til ånden af Art Informel, måske med mindre smerte og mere ro — en uformelhed hvor tilfældighed ikke er et brud, men en stille samarbejdspartner.

I sit hjerte er der en søgen efter “le vif” — det levende kerne. Værket læner sig mod direkte erfaring snarere end intellektualisering. Den beskedne skala jeg ofte vælger, er ment til at fremme intimitet, ikke spektakel.

I sidste ende er dette blot én kunstners vej. Min biografi, min proces og mine refleksioner er ikke separate tråde, men dele af en enkelt søgen. Jeg har fundet ud af, at en praksis grundlagt i stille paradokse ikke behøver at være skrøbelig. Gennem disciplin og klarhed kan sådanne spændinger blive, jeg tror, en kilde til resiliens.

Anton Kaestner