Anton Kaestner - #391 - S - " Chromatic MR13 ".

Unikera, original maleri af Anton Kaestner, direkte fra værkstedet.
#391 - S - " Chromatic MR13 ".

Sprøjtemaling på plexiglasplade på 3 mm.
Dette maleri er ikke et reproduktion. Det er et originalt værk i "multiebunde" hvis blanke, glossy overflade, der minder om påføring af en harpiks, er unik.
Gennemsigtighed ved tryk.

Dimensioner : Tommer 9,1 * 12,6 * 0,12 / 23 * 32 * 0,3 cm uden ramme.

Dette maleri leveres uden ramme.
Kvalitetsramme fra det tyske mærke Nielsen i aluminium, reference 34 (Tommer 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) anbefalet og tilgængelig ved afsendelse for en tillægspris på 70€ inkl. moms.

Værket er signeret på bagsiden.
Et Ægthedsbevis følger med.
Forsendelsen er dækket af forsikring.

Anton Kaestner er en schweizisk maler, skulptør og forfatter baseret i Paris. Hans værker udstilles over hele Europa, i Schweiz og i Dubai. Mere information og udvalg på www.antonkaestner.com.

Næste udstilling - Lausanne 7/10 maj 2026.

Biografi

Født i Genève, Schweiz, voksede jeg op omgivet af den naturlige skønhed og kulturelle rigdom i mit hjemland. Skabelse blev værdsat i min familie, og det var min afdøde farfar, en håndværker og kunstner, hvis indflydelse plantede såkornet til det, der senere skulle blive min livslange passion.
I 1993 begyndte jeg at male privat og eksperimenterede med utallige akrylindtag i notesbøger i A4 og derefter A3 - jeg har altid følt, at store billeder kommer direkte til en, dominerende og skræmmende, mens små værker kan inspirere meget mere kærlighed. Jeg blev først tiltrukket af ikke-figurativ maleri og abstrakt ekspressionisme.
Med tiden, og selvom jeg betragter mig selv som ateist, udviklede jeg også en forkærlighed for spirituelle materialer, da de resonnerede med min udforskning af menneskelig eksistens og naturens og livets dybere sandheder.

Dog var vejen til virkelig at blive kunstner ikke umiddelbar.
I mere end tre årtier forfulgte jeg en international forretningskarriere, der førte mig jorden rundt, fra USA til Marokko, Belgien, over Asien og Frankrig. Mine rejser udvidede mit perspektiv og udsatte mig for en bred vifte af kulturelle påvirkninger. Hvor jeg end kom hen, fordybede jeg mig i de lokale kunstscener og engagerede mig i den kreative energi i hver by.
På trods af fokus på min forretningskarriere var kunst altid en del af mig, stille sovende under overfladen. I næsten 30 år blev maleri en form for hemmelig meditation for mig — en måde at bryde ud af verden og fokusere på mit indre jeg.

Jeg har altid fundet enorm tilfredsstillelse ved at male. Hvert nyt værk er en rejse, hvor jeg kan teste min kreativitet, udforske nye teknikker og leve gennem ægte oplevelser. Gennem min kunst har jeg altid håbet at tilbyde andre et oprigtigt møde med skønhed, en mulighed for at se verden fra et andet perspektiv og reflektere over deres eget liv.

I 2023, efter at have trukket mig tilbage fra min forretningskarriere, engagerede jeg mig fuldt ud i maleri. Jeg etablerede mit studie i Paris og begyndte at devote mig helt til min kunst. Ved udgangen af 2024 lancerede jeg min offentlige kunstnerkarriere, og til min overraskelse fik mit arbejde hurtigt anerkendelse, fandt hjem i private samlinger over hele Europa, især i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien og Nederlandene.

Ved udgangen af 2025 flyttede jeg til et større studie i en ledig sakristi i Lisieux, Normandiet.

Kunstnerisk CV

Min første ensomtsudstilling, "Échos", afholdt i Paris i slutningen af 2024, viste en karakteristisk tilgang til kunst, væk fra traditionelle maleteknikker: Jeg maler med akril, metalliske pigmenter og sprays på bagsiden af genanvendt ekstruderet plexiglas (Perpex), en let, glat, blank og undertiden skrøbelig overflade. Denne proces forhindrer mig i at se værket, mens det udvikler sig. Jeg har ingen visuel feedback eller kontrol under processen — noget jeg velkommer. Jeg tillader «tilfældige eksperimenter» - alt går for at afkorte fornuftens rødder! - at guide udfaldet, lagene og spejleffekterne jeg skaber, og giver plads til åbenbaring og opdagelse når stykket endelig bliver udstillet. Men lad os være klare: i mine billeder tager tilfældet aldrig beslutningerne; højest giver tilfældet spørgsmål; meningsfulde «sammenfald» er kun mulige med stor disciplin. Denne tilgang, der ekkoer afslørings-/fikseringsprocessen i fotografi, er udfordrende og befriende. Værdi af kompositionen bliver beriget af lag og gennemsigtigheder, men giver hvert værk en »asketisk« kvalitet: Jeg er lykkelig, når jeg genkender »irræssible nødvendigheder«, altså hvad vi sandsynligvis opdager, når vi stopper i stilhed og lys.

Jeg bevarer min tilgang bevidst enkel. Hverken »følelse« eller »teoretisk opfattelse«, men erfaring af at være. Hverken »hurtig forbrug« eller »intellektualisering / intellektuel ejerskab«, men udvidelse af bevidsthed og udforskning af virkeligheden, dens synlige og usynlige historier, min kunst er en søgen efter »livet i selve kernen af livet«, efter hvad Alain Damasio kalder »le vif«. Selvom nostalgia altid har været en del af mit arbejde, er mine malerier uden objekt. Ligesom alle objekter er de objekter af sig selv. Følgelig har de hverken indhold, eller mening, eller betydning; de er ligesom ting, træer, dyr, mænd eller dage, som også hverken har grund til at være, ende eller formål. Selvom mit arbejde nogle gange kan fremkalde gennemsigtigheden og lysstyrken af farvet glas, forbliver det næsten helt abstrakt. Endvidere giver plexiglas maleriet en glitrende skal, hvor man kan skimte sin egen silhuet, forskellig for hver ny tilskuer. Hvert værk fungerer som et diskret spejl: det lever, det ændrer sig, det ser. Samspillet mellem lys, farve og struktur, af de manglende dele, kræver også empati. Forhåbentlig vil lege mellem »detaljer for nærstudiet« - et detaljer af et billede er et helt nyt billede - og »afstand for helheden«, opmuntre tilskuerne til at kaste sig ud i deres egne introspektive rejser.

Jeg gør mig ikke til at have svar på alt og ønsker at forblive ydmyg overfor, hvad der kan opnås. Enkelt sagt finder jeg tilfredsstillelse i den kontinuerlige proces af spørgen og vækst. Hvert nyt værk er en konfrontation med mine grænser, der presser mig til at forfine mine færdigheder og udforske videre, hvad jeg kan opnå. Maleri for mig er et dagligt håndværk, en udforskning, en måde at sætte gang i meningsfulde samtaler, en søgen efter en maling så perfekt, at den ikke har brug for os. Den tidlige æra for det uformelle har kun lige begyndt.

Som Jean Bazaine ville sige: "Den daglige praksis fordobler lidenskaben for at se."

Om sammenhæng i min praksis

I landskabet af nutidskunst, hvor begreb og form har lige stor vigtighed, søger jeg at skabe værker defineret ikke af fremtrædende position, men af nærvær. Mine malerier — skinnende farvefelter og lys inden for plexiglas — er de stille resultater af en lang og bevidst undersøgelse. For mig er det sande fokus mindre på det endelige billede end på den stille samspil mellem tanke og proces, der gør det muligt at fremkomme.

Denne praksis hviler på tre samlede intentioner.

Den første er et Tilbagetrækning fra Påførte Betydninger. Ved at beskrive værkerne som «uden objekt» og have «hverken indhold, eller mening, eller sense», håber jeg forsigtigt at løsne forventningen om narrativ. Det er en invitation til at træde væk fra afkodning og mod en mere direkte slags at se på.

Dette fører til den anden intention: Højhed af Levende Oplevelse. Ind i det åbne rum forsøger jeg at placere hvad jeg betragter som en «oplevelse af at være». Værket bliver mindre et objekt at fortolke end en stille begivenhed at føle — formet af skiftende lys, gennemsigtige lag og den svage refleksion af beskueren møder deres egen blik. Som jeg ofte bemærker, værket «lever, ændrer sig, ser.»

Den tredje er hvor idé møder hånd: Proces Som legemliggjort Tanke. At male på bagsiden af plexiglas, arbejde uden visuel feedback, er en fysisk praksis af at give slip. Det er en bevidst frigivelse af kontrol i skabelsesakten. Jeg stiller betingelser, men overgiver udfaldet, tillader maleriet at blive, hvad jeg kalder en uafhængig »objekt i sig selv«, fuldt afsløret kun når det er fuldendt. Det er et stille parallelt til fotografisk udvikling — en tålmodig venten på, hvad der ankommer »her og nu.«

At holde disse intentioner er nogle få blide paradokser, der holder arbejdet i live:

Tilfældighed og disciplin
Jeg taler om »meningsfulde ‘sammenfald’«, men de er kun mulige inden for omhyggelige rammer. Tilfældighed er en velkommen gæst, men strukturen bygges med omhu.

Kommunikation Uden Budskab
Jeg håber at »kommunikere noget« gennem værker jeg kalder meningsløse. Måske er det, der deles, ikke en erklæring, men en tilstand — en tekstur af lys, en stille nærvær, en håndgribelig ro.

Nostalgi for Nuet
En blød nostalgi hænger ved værket, men den er nysgerrigt rettet mod nuet: et længsel efter de »irriducible necessities« fundet i »stilhed og lys« — et ønske om ren tilstedeværelse der værket selv stille tilbyder.

Anstrengelse og Enkelhed
Processen kræver vedvarende opmærksomhed, men sigter mod et resultat der føles autonomt, som om det »opstod af sin egen kraft." Jeg tiltrækkes af det, der føles fuldstændig uundgåeligt.
I denne ånd er jeg kommet til at føle, at »tiden for det uformelle kun lige er begyndt.« Min praksis er i gæld til ånden af Art Informel, dog måske med mindre smerte og mere ro — en uformalisme hvor tilfældighed ikke er et brud, men en stille samarbejdspartner.

I kernen er der en søgen efter »le vif« — den levende kerne. Værket læner sig mod direkte oplevelse frem for intellektualisering. Den beskedne størrelse jeg ofte vælger er ment at opmuntre intimitet, ikke spektakel.

I sidste ende er dette blot én kunstners sti. Min biografi, min proces og mine refleksioner er ikke separate tråde, men dele af en enkelt søgen. Jeg har fundet ud af, at en praksis funderet i stille paradokser ikke behøver at være skrøbelig. Gennem disciplin og klarhed kan sådanne spændinger blive, tror jeg, en kilde til robusthed.

Anton Kaestner