Anton Kaestner - #396 - S - " Glass Horizon 2 ".

Unik klat, original maleri af Anton Kaestner, direkte fra atelieret.
Min første maleri på glas, et glas genbrugt i Marokko i 1994.
#396 - S - " Glass Horizon 2 ".

Spray-akryl på glasplade (Marokko 1994) af 3mm.
Dette maleri er ikke en print. Det er et originalt værk i "multi-lags", hvis blanke, glossy overflade, der minder om påføringen af en resin, er helt unik.

Mål: Inch 9,3 * 9,8 * 0,12 / 23,5 * 25 * 0,3 cm uden ramme.

Dette maleri leveres uden ramme.
Kvalitetsramme fra det tyske mærke Nielsen i aluminium, reference 34 (Inch 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) anbefalet og tilgængelig ved afsendelse for et tillægsbeløb på 60€ inkl. moms.

Værket er signeret på bagsiden.
Et ægthedscertifikat følger med.
Levering er forsikret.

Anton Kaestner er en schweizisk maler, billedhugger og forfatter baseret i Paris. Dets værker vises over hele Europa, i Schweiz og i Dubai. Mere information og udvalg på www.antonkaestner.com.

Nærmende udstilling - Lausanne 7/10 maj 2026.

Biografi

Født i Genève, Schweiz, er jeg vokset op omgivet af den naturlige skønhed og kulturelle rigdom i mit hjemland. Kreativitet blev værdsat i min familie, og det var min afdøde bedstefar, en håndværker og kunstner, hvis indflydelse plantede frøet til det, der senere skulle blive mine livslange ambitioner.
I 1993 begyndte jeg at male privat og eksperimentere med utallige akryler i A4- og senere A3-notesbøger – jeg har altid følt, at store billeder kommer direkte imod en, dominerende og skræmmende, mens små værker kan inspirere meget mere kærlighed. Jeg blev først tiltrukket af ikke-figurativ maleri og abstrakt ekspressionisme.
Med tiden, og selvom jeg regner mig selv som ateist, udviklede jeg også en fortrolig tilgang til åndelige materialer, da de resonerede med min udforskning af menneskets eksistens og naturens og livets dybere sandheder.

Men vejen til virkelig at blive kunstner var ikke øjeblikkelig.
I mere end tre årtier forfulgte jeg en international forretningskarriere, der førte mig verden rundt, fra USA til Marokko, Belgien, gennem Asien og Frankrig. Mine rejser udvidede mit perspektiv og udsatte mig for en bred vifte af kulturelle påvirkninger. Hvor jeg end rejste, fordybede jeg mig i de lokale kunstscener og arbejdede med den kreative energi i hvert sted.
På trods af fokus på min forretningskarriere var kunst altid en del af mig, stille ved siden af. I næsten 30 år blev maleri en form for hemmelig meditation for mig – en måde at bryde fri fra verden og fokusere på mit indre selv.

Jeg har altid fundet stor tilfredsstillelse ved at male. Hver nye værk er en rejse, hvor jeg kan teste min kreativitet, udforske nye teknikker og leve gennem ægte erfaringer. Gennem min kunst har jeg altid håbet at give andre en oprigtig møde med skønhed, en mulighed for at se verden fra et andet perspektiv og reflektere over deres eget liv.

I 2023, efter at have trukket mig tilbage fra min forretningskarriere, forpligtede jeg mig fuldt ud til maleri. Jeg etablerede mit atelier i Paris og begyndte at vie mig fuldt til min kunst. Ved udgangen af 2024 lancerede jeg min offentlige kunstnerkarriere, og til min overraskelse opnåede mit arbejde hurtigt anerkendelse og fandt hjem i private samlinger over hele Europa, især i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien og Netherlands.

I slutningen af 2025 flyttede jeg til et større atelier i en ledig sakristi i Lisieux, Normandiet.

Kunstnerisk CV

Min første soloudstilling, "Échos", holdt i Paris i slutningen af 2024, viste en særegen tilgang til kunst, væk fra traditionelle maleteknikker: Jeg maler med akryl, metalliske pigmenter og sprayer på bagsiden af genbrugte ekstruderede plexiglas (Perpex), en let, glat, blank og nogle gange skrøbelig overflade. Denne proces forhindrer mig i at se værket, mens det udvikler sig. Jeg har ingen visuel feedback eller kontrol under processen – noget, jeg byder velkommen. Jeg tillader "tilfældige eksperimenter" — alt går for at afbryde fornuften! — at styre udfaldet, lagene og spejl-effekterne jeg skaber, og give plads til åbenbaring og opdagelse, når stykket endelig udstilles. Men lad os være klare: i mine billeder træffer tilfældet aldrig beslutningen; i værste fald stiller tilfældet spørgsmål; meningsfulde "samtomheder" er kun mulige med stor disciplin. Denne tilgang, der ekkoer med åbenbarings-/fikseringsprocessen i fotografi, er udfordrende og frigørende. Kompositionens værdier beriges af lag og gennemsigtighed, men giver hvert værk en æstetisk strengkvalitet: Jeg er lykkelig, når jeg genkender de "uundværlige nødvendigheder", dvs. hvad vi sandsynligvis opdager, når vi stopper i stilhed og lys.

Jeg holder min tilgang bevidst enkel. Hverken "følelser" eller "teoretisk begreb" men oplevelsen af at være. Hverken "hurtig forbrug" eller "intellektualisering / intellektuel besiddelse", men udvidelse af bevidstheden og udforskning af virkeligheden, dens synlige og usynlige historier, mit kunstværk er en søgen efter "livet i hjertet af livet", for hvad Alain Damasio kalder "le vif". Selvom nostalgi altid har været en del af mit arbejde, er mine malerier uden objekt. Ligesom alle objekter er de objekter af sig selv. Derfor har de hverken indhold, eller mening, eller fornuft; de er som ting, træer, dyr, mænd eller dage, som heller ikke har nogen grund til at eksistere, ikke noget mål eller formål. Mens mit arbejde nogle gange kan fremkalde gennemsigtigheden og lysstyrken af farvet glas, forbliver det næsten helt abstrakt. Desuden giver plexiglas maleriet en skinnende hud, hvor man kan skimte sin egen silhuet, forskellig for hver ny tilskuer. Hvert værk fungerer som et diskret spejl: det lever, ændrer sig, ser. Samspillet mellem lys, farve og tekstur, også af de manglende dele, kræver kun empati. Forhåbentlig vil spillet mellem "detaljer tæt på" - et detaljer i et maleri er et helt nyt billede - og "afstand til helheden" opmuntre tilskuere til at begive sig ud på deres egne introspektive rejser.

Jeg hævder ikke at jeg har alle svar og ønsker at forblive ydmyg over, hvad der kan opnås. Simpelthen finder jeg tilfredshed i den kontinuerlige proces med spørgsmål og vækst. Hver ny skabelse er en konfrontation med mine grænser, der tvinger mig til at forfine mine færdigheder og udforske yderligere, hvad jeg kan opnå. For mig er maleri en daglig håndværk, en udforskning, en måde at sætte meningsfulde samtaler i gang på, en søgen efter en maling så perfekt at den ikke har brug for os. Alder af det uformelle er kun lige begyndt.

Som Jean Bazaine ville sige: "Den daglige praksis forøger lidenskaben for at se.

Om sammenhængen i min praksis

I det moderne kunstlandskab, hvor begreb og form har lige stor vægt, søger jeg at skabe arbejde, der defineres ikke af fremtrædende placering, men af nærvær. Mine malerier—glinsende farve- og lystfelter inden for plexiglas—er de stille resultater af en lang og bevidst undersøgelse. For mig er det sande fokus mindre på det endelige billede end på det stille samspil af tanke og proces, der gør det muligt at opstå.

Denne praksis hviler på tre sammenkædede intentioner.

Den første er en Tilbagetrækning fra Påtvunget Mening. Ved at beskrive værkerne som "uden objekt" og have "hverken indhold, eller mening, eller fornuft" håber jeg at løsne forventningen om narrativet. Det er en invitation til at træde væk fra afkodning og mod en mere direkte måde at se på.

Dette fører til den anden intention: Primacy of Lived Experience. Ind i den åbne plads forsøger jeg at placere, hvad jeg betragter som en "oplevelse af at være". Værket bliver mindre et objekt til fortolkning end en stille begivenhed at føle—formet af skiftende lys, gennemsigtige lag og den stille reflektion af beskueren, der møder sit eget blik. Som jeg ofte bemærker, "værket lever, det ændrer sig, det ser."

Den tredje er hvor idé møder hånd: Proces som kropslig tanke. Maleri på bagsiden af plexiglas, arbejde uden visuel feedback, er en fysisk praksis for at give slip. Det er en bevidst frigivelse af kontrol i skabelsesakten. Jeg sætter betingelser, men overgiver udfaldet og lader maleriet blive, hvad jeg kalder et uafhængigt "objekt i sig selv", fuldt afsløret kun når det er fuldendt. Det er et stille parallel til fotografisk udvikling—en tålmodig venten på, hvad der ankommer "her og nu."

At holde disse intentioner er der nogle få milde paradokser, der bærer arbejdet:

Tilfældighed og Disciplin
Jeg taler om "meningsfulde ‘samtomheder’", men de er kun mulige inden for omhyggelige grænser. Tilfældighed er en velkommen gæst, men strukturen er bygget med omhu.

Kommunikation uden budskab
Jeg håber at "formidle noget" gennem værker jeg kalder meningsløse. Måske er det, der deles, ikke en erklæring, men en tilstand—en tekstur af lys, en stille tilstedeværelse, en håndgribelig ro.

Nostalgi for nuet
En blød nostalgi klinger i værket, men den er nysgerrigt rettet mod nuet: et længsel efter de "uundværlige nødvendigheder" fundet i "stilhed og lys"—et ønske om en ren tilstedeværelse, som værket selv stille tilbyder.

Anstrengelse og Lethed
Processen kræver vedvarende opmærksomhed, men sigter mod et resultat, der føles autonomt, som om det ”opstod af sig selv.” Jeg er draget af det, der føles fuldstændigt uundgåeligt.
I denne ånd er jeg kommet til at føle, at "tiden for det uformelle kun lige er begyndt." Min praksis er i gæld til Ånden af Art Informel, omend måske med mindre smerte og mere ro—en uformelhed hvor tilfældighed ikke er en brud, men en stille samarbejdspartner.

I hjertet er der en søgen efter "le vif"—det levende kerne. Arbejdet læner sig mod direkte erfaring i stedet for intellektualisering. Den beskedne skala, jeg ofte vælger, sigter mod at fremme intimitet, ikke spektakel.

I sidste ende er dette blot én kunstners vej. Min biografi, min proces og mine refleksioner er ikke separate tråde, men dele af en enkelt søgen. Jeg har erfaret, at en praksis forankret i stille paradokser ikke behøver at være skrøbelig. Gennem disciplin og klarhed kan sådanne spændinger blive, tror jeg, en kilde til modstandsdygtighed.

Anton Kaestner